ÉRASE UNA VEZ EN ANATOLIA (2011)

SIN  NINGÚN INCIDENTE

Hace buen tiempo el director turco Nuri Bilge Ceylan al al estreno de su película Tres monos (2008), manifestaba que prefería los silencios en sus películas, el no introducir muchos diálogos entre los personajes, para dar una naturalidad a lo que se ve en la pantalla, en donde la historia se va desentrañando por lo que vemos y no vemos. En su última película esto no ocurre, bueno tampoco es que exista un excesiva cantidad de diálogos, pero aquí las palabras tiene gran importancia, estas nos van describiendo la historia, en donde los personajes deberán tomar decisiones, en las cuales su elección de las palabras, resulta determinante en la historia. 

En la primera escena de película, vemos la toma del exterior de una ventana empañada, las imágenes al interior son borrosas, la cámara se va acercando, en donde las imágenes se vuelven más claras, viendo a tres hombres conversando y comiendo muy afablemente, el ladrido de un perro hace que uno de ellos se levante para ver qué pasa en el exterior, como si algo amenazante estuviera  a punto de llegar, después de eso la escena concluye. De ahí pasamos a una carretera rodea por los campos, un árbol y una fuente de agua destacan en la monotonía del paisaje, tres autos se acercan en el atardecer, se detienen frente al árbol, bajan y uno de ellos señala un punto y se vuelven  a introducir al auto reiniciando su recorrido. 

La razón del viaje de los autos se va explicando conforme transcurre la película, en donde dos detenidos son llevados por la policía, para que señalen el lugar que ha sido enterrado un cadáver, pero sin darnos muchos detalles de los hechos, de cómo ocurrió el asesinato, quien lo cometió, ni las razones de este, tan sólo vemos el desplazamiento de estos hombres tan dispares de un lugar a otro, para encontrar el cuerpo, llevando a la desesperación al comisario que se siente burlado por los detenidos. Es así que nos encontramos ante una roadmovie, que nos muestran las estepas de un pueblo turco, hermosamente fotografiado, recordando a lo western de Anthony Mann, por lo majestuoso de los paisajes. Pero también encontramos a una comedia negra costumbrista de un pueblo turco alejado de la ciudad.

Ceylan, toma de excusa la diligencia de la búsqueda del cadáver, para presentar y describir cada uno de los personajes que integrantes de la comitiva, en donde tenemos a un comisario de la policía, que se muestra como una persona de mucha autoridad, pero que en verdad es controlado por su mujer; a un médico forense que pertenece a la ciudad que muy escéptico sobre las creencia populares de los pueblo; un fiscal le interesa muy poco la investigación, que considerada que algunas casos son de imposible explicación; un detenido que se resiste a hablar sobre lo ocurrido. 

El uso de los efectos de sonido, como el sonido del agua, el viento que agita los arboles, consiguen crear un ambiente más cercano con la naturaleza. mientras se acerca al descubrimiento de lo anhelado, se nos va contado otra historia, una historia que surge como una simple anécdota, que va tomando mayor relevancia, sobre todo al final; las creencias populares, la verdad y la mentira se confunden. Es una película realista, en donde se cree en fantasmas, en muertes anunciadas, se ve muertos tomando licor, pero todo eso tiene una explicación  porque siempre buscaremos una explicación hacia lo inexplicable. 

Ceylan, va sembrando dudas a lo largo de la historia, es por tal razón, que omite brindar detalles, tan solo muestra lo necesario, para que los espectadores, llenemos lo vacíos dejados por el director, o expliquemos las razones de determinadas acciones, teniendo un final abierto, en el cual se pueden dar muchas interpretaciones, Ceylan señala que pueden ser cinco interpretaciones, o puede ser ninguna de esas cinco, lo que sí es seguro es  que su última película es un recorrido fascinante y estimulante del corazón humano. 

ESTO NO ES UNA PELICULA (2011)

AHORA VOY A SER YO

Jafar Panahi, desde el 20 de diciembre de 2010,  fue sentenciando a seis años de prisión y además de quedar inhabilitado a dirigir y dar entrevistas, siendo acusado por el Gobierno iraní, que su última película que iba a rodar, atentaba contra el régimen de dicho país, la sentencia fue apelada, estando bajo arresto domiciliario, hasta que el juzgado de apelación confirmó la sentencia, en noviembre de 2011. Actualmente Panahi se encuentra en la prisión, aislado completamente de cualquier comunicación.

Esta película, se rodó en marzo de 2011, bueno es lo que hace entender con las imágenes presentadas en el mismo film (se ve en las noticias las imágenes del terremoto de Japón), la primera escena, vemos al director tomando un desayuno solo, ya que su esposa y su hijo han ido a entregarle un regalo por año nuevo a su madre, ante ese silencio, llama a un amigo Mojtaba Mirtahmas director de documentales, para que le ayude sobre un proyecto,  invitando a ir a su casa, después lo vemos deambular por su departamento, teniendo otra conversación telefónica pero ahora con su abogada, en donde nos da detalles sobre su caso, en especial sobre la apelación, y los posibles de los resultados de la misma, viendo la desazón del director ante su seguro paso a prisión.

Ante la llegada de Mojtaba Mirtahmas, este se pone la cámara al hombre y comienza a filmar a Panahi, quien tiene la idea de contar la historia del libreto por el cual, fue detenido y sentenciado, siendo una salida a lo ordenado en la sentencia, ya que no se le prohíbe leer un libreto. Es así que vemos al director, que trata de transmitir a través de la forma que cuenta las escenas de la película que no hará, que lo pondrá mal, sintiendo la impotencia de poder dirigir dicha película.

Entre la lectura del libreto, va dando algunas teorías sobre el cine, mostrando algunas escenas de sus propias películas, siendo la primera El espejo (1997), que la menciona, para hacer referencia sobre cómo ser uno mismo, que todo sea espontaneo sin artificios, ahí vemos a la niña mina que ya no quiere actuar diciéndolo en medio de la película, decide ser ella misma, y esto lo que busca Panahi, que es ser uno mismo, sin guion y nada, dejando que las cosas fluyan de manera espontanea. Sobre El Circulo (2000), lo pone como ejemplo para la importancia sobre los exteriores, en donde por el entorno se tramite la angustia sin necesidad de ver el rostro de la protagonista. Y en Crisom Gold (2003), hace mención de los actores aficionados, que según el director son los que dirigen las escenas y no el director, siendo los verdaderos creadores de las escenas. Siendo interesante observar las elucubraciones del director sobre sus películas.

Mirtahmas trata sin conseguir dirigir lo que sucede en la historia, ya que, Panahi se apodera de las escenas, es quien va encaminando las acciones  de todo lo ocurre. Si bien el titulo dice que no es una película, lo cual, es un medio ingenioso para evadir las restricciones impuestas por la Corte Irani, la verdad es que si estamos ante una película, el cual es un film documental que nos cuenta un día en la vida de un detenido político, nos presenta su monótona existencia encerrado en su departamento, que los sonidos de los fuegos artificiales constituyen una alteración a su rutina, a quien le prohíben hacer lo que le gusta hacer, que es cine, rehusándose aceptar dicha imposición que la considera injusta, realizando una película que denuncia el absurdo de su situación, siendo una de los filmes más transgresores y valientes del año.

TAKE SHELTER (2011)

                                                                                              

SE VIENE UNA TORMENTA

Jeff Nichols  joven director norteamericano de apenas 30 años, que se dio a conocer con su primera película Shotgun Stories (2007), que era un thirller con un fuerte contenido dramático,  en donde la venganza era su principal motor. En su última película tenemos a Curtis LaForche (Michael Shannon), un obrero de la construcción, que se encuentra casado con Samantha (Jessica Chastain), quienes tienen una pequeña hija llamada Ana que es de sorda de nacimiento, su vida transcurre con normalidad en su pueblo, siendo mayor preocupación la salud de su hija, que tiene un comportamiento muy introvertido. Pero tranquilidad de sus vidas se ven afectadas por los sueños de Curtis, alterando su comportamiento.

Los sueños de Curtis, se vuelven más contantes y violentos, confundiéndose entre el sueño y la realidad,  añadiendo a esto  el pasado de su madre, que acrecentaran sus dudas  sobre su cordura. Curtis siente que sus sueños son que eso, existiendo elementos que hagan creer, que dichos sueños como un anuncio de una tragedia que se avecina hacia su pequeño pueblo de Ohio. Buscando la mejor manera de proteger a su familia, convirtiéndose en una obsesión, lo cual trae graves problemas con las personas que lo rodean. Es así, que tenemos a un Noe moderno que predice una catástrofe, ante la mirada escéptica de los demás.

La película, nos mantiene expectante al igual que el protagonista, a que ocurra lo anunciado en los sueños, generándose una tensión a lo largo del visionado, en donde el trabajo de Shannon en su interpretación de un hombre consumido por las dudas y el miedo, perturbado por un pasado que no quiere repetir, es notable. Shannon le otorga una gran carga emocional, con su rostro y los movimientos de su cuerpo, brindando una actuación realmente entregada.

Si en la película El campo de los sueños (1989), el protagonista contra toda lógica construye un campo de beisbol en su granja porque se lo dice una voz, aquí tenemos a un  hombre que gastas su dinero en un refugio para tormentas, por los sueños que tiene, pero teniendo resultados muy distintos, en esta el miedo se aloja en el protagonista, ese miedo de perder todo lo que verdaderamente importa, que es su familia.

Conforme avanza la historia, es imposible que no venga a nuestra mente películas como El caballo de Turin (2011) y Melancholia (2011), que guardan relación, ya que estas hablan sobre el fin del mundo, claro de una manera distinta, aquí somos testigos de la destrucción del mundo de Curtis, en donde su obsesión va deteriorando justo lo que quiere proteger,  que es su familia, envolviéndose  en una paradoja que le es difícil de salir. Es decir nos encontramos en una catástrofe distinta a la anunciada en los sueños.

Nichols logra una película atrapante desde su primera escena, en la cual vemos a un hombre mirando el cielo, con un rostro de extrañeza, la lluvia en ese momento se convierte en una amenaza. Estamos ante un drama familiar, que se introduce en los géneros del thriller y hasta el terror, ese terror a lo que no se puede controlar ni prever,  creando una atmósfera de desasosiego y tensión. La seguridad sobre la realidad pende de un hilo, la amenaza se encuentra presente en cada momento, somos participes de la espera del día anunciado que no llega.

MEEK´S CUTOFF (2010)

LA VOZ DEL DESIERTO

El western es el género americano por excelencia, además es un género que tuvo origen en el cine, aunque algunos podrían pensar que un género que se agota, ya que cuenta la historia en un determinado lugar y tiempo de los Estados Unidos, esto no resulta cierto, el western tiene muchas variantes, nutriéndose de otros géneros, como la comedia, cine negro, el drama, hasta las tragedias Shakesperianas, pasando por diversas etapas, la etapa clásica siendo su gran representante el gran John Ford, en ella se nos cuenta la efervescencia de la conquista del oeste, en la cual la fuerza se define por quien más rápido desenfunda el revólver; pasada esta etapa llega el western crepuscular teniendo a Sam Peckinpah como su máximo exponente, mostrándonos el final de una era, donde los pistoleros ya son una raza antigua, que dejan su lugar a la civilización; durante esta segunda etapa aparece el spaguetti western que brinda una nueva mirada sobre el oeste, lo muestra más sucio y decadente siendo su iniciador el italiano Sergio Leone.

En la anterior película de Kelly Reichardt (Wendy and Lucy), nos contaba las desventuras de una chica cualquiera en tiempos de la crisis de la Norteamérica actual, teniendo a Alaska como destino como un lugar para rehacer su vida, aquí  nos traslada a la época de los colonos, y siendo más específicos al de los primeros colonos, en el cual su viaje constituye en un descubrimiento hacia nuevas rutas, hacia  un sueño que han depositado todas sus esperanzas, pero que cada paso se convierte en un acto de fe ante la incertidumbre en donde son colocados, es así, que nos encontramos en una lucha encarnizada por tres hombres y tres mujeres en contra de un adversario que no tendrá ninguna clemencia por aplacar sus sueños, el desierto es mostrado majestuoso y hermoso, pero también despiadado, por Reichardt.

Los colonos son guiados por  Week,  quien ha sido contratado para llevar a tres familias de colonos a Oregon, su personaje esta dentro del arquetipo del tipo rudo del oeste, con odio enfermizo hacia los indios,  que recuerda a Ethan el personaje interpretado por John Wayne en la mítica Más corazón que odio (conocida en España con el titulo de Centauros del Desierto), es la representación de todo lo malo del mismo oeste, rudo, agresivo y salvaje. Los colonos son la representación de la civilización, conformada por tres familias en donde tenemos a los White que es una pareja religiosa, en donde ven el viaje como una prueba de su fe; los Gately que son un joven matrimonio integrada por Thomas (Paul Dano)  y Millie (Zoe Kazan), que conforme transcurre la historia van tomando posiciones opuestas; y los Tetherow en la cual esposo Solomon (Will Patton) será el líder del grupo, teniendo a su esposa Emily (Michelle Wiliiams) como un gran soporte en sus decisiones. Este grupo ecléctico  es obligado a convivir y soportarse mutuamente para subsistir, produciéndose choques constante en su manera de ver el mundo, es entonces que vemos la adaptación de este grupo, que se da cuenta que tiene que dejar muchas cosas atrás, para poder seguir en su nueva vida, los cambios son mínimos pero van carcomiendo el alma de los protagonistas.

La mirada de Reichardt  en un primer momento de distante y contemplativa, va tomando su tiempo para presentarnos poco a poco a los personajes, describiendo a través de la cámara el padecimiento de los personajes. La primera reunión de los hombres, en donde se toman las decisiones, no es audible y la cámara se encuentra alejada, presentarnos con dicho plano la mirada de las mujeres, quienes no son participes de dicha reunión.  Pero más adelante cuando se van presentando más problemas en el camino, la cámara se acerca, en donde escuchamos las dudas tanto del guía como los esposos, es así que se producen cambios de manera imperceptible, debido al movimiento sutil de la cámara por parte de la directora.

Si bien la película tiene una banda sonora, que suena en los momentos de las largas caminatas, la verdadera banda sonora se encuentra en el sonido del desierto, en donde tenemos el golpe constante del viento, como un recordatorio de que estamos en un viaje que se requiere la fuerza y la voluntad para terminarlo, cada día en que sobreviven se convierte en un nuevo triunfo que se arrebata al cruel desierto.

El western que presenta Reichardt, es monumental en el mejor sentido, no veremos grandes batallas, ni persecuciones, ni tiroteos, ni siquiera una imagen panorámica (utiliza un formato de 4:3, el usado en las películas antiguas), pero Reichardt, nos presenta un film de connotaciones épicas, en donde los sueños e ideales desaparecen, en el cual el sobrevivir en mundo que los consume se vuelve un acto de heroísmo, siendo sus protagonistas esos héroes anónimos que construyeron Norteamérica, su directora rinde un tributo a dichos hombres y mujeres, de una belleza y amargura difícil de olvidar, con un final dejara a la elección del espectador.

THE PACT (2012)

SECRETOS DE FAMILIA

El cine de terror se ha convertido en un género que con los años se ha visto degenerando a un cine de sangre, monstruos en donde lo grotesco se ha convertido en elemento principal,  para trasmitir miedo a los espectadores, utilizando una simple regla de tres, cuando más grotesca la película mayor miedo causa, hecho que no es para nada cierto, pero ante todo este bombardeo de ese tipo de imágenes,  que han llegado a saturar al público. Por lo que, ahora la nueva tendencia es volver a lo clásico, tales como Insidius (2010); Ils (2006) y La dama de negro (2011) en las cuales el miedo no se tramite sólo de manera visual, sino también por los sonidos y el silencios.

En The Pact, dirigida por Nicholas McCarthy, opta por la vuelta al terror clásico. En ella nos encontramos  a Nicolle que ante la muerte de su madre vuelve a la casa donde paso su infancia, para hacer los trámites del funeral, solicitando a su hermana Annie (Caity Lotz), para que asista a dicha ceremonia, mostrándose reticente al pedido, pero ante la desaparición de su hermana decide ir a la casa de madre, de los que no guarda buenos recuerdos. Es así que la intriga se encuentra presente desde el inicio para los espectadores.

MacCarthy va moviendo y ubicando la cámara, colocándonos muchas veces detrás de los protagonistas, y otras introduciéndonos en una mirada subjetiva de estos, creando una atmosfera de tensión, mostrando un gran talento para ello, entregándonos escenas realmente admirables, como el plano en donde la pantalla se divide por una pequeña pared, la cual eriza la piel de los espectadores, en donde un momento de supuesta calma resulta escalofriante.

Annie que por el amor a su hermana, tratará de encontrar que es lo que ocurrió con ella, aunque que este le cueste desenterrar el pasado, que ella quería mantener olvidado, es aquí donde la película, donde se encuentra la intriga que es lo que realmente pasó en la casa cuando era niña, lo cual es descubierta de manera sutil, en donde deja abierta la posibilidad al público para interpretar que es lo que pasó en la infancia de ambas hermanas y las razones de porque se negaba a volver.

Cabe resaltar la actuación de la protagonista (Caity Lotz), que sin llegar a niveles sobresalientes logra transmitir el miedo y la angustia, resultando verosímil su interpretación, siendo en ella en donde recae prácticamente todo el peso de la película, al ser eje central de la historia.

Si bien el guion tiene algunas incongruencias, la historia puede resultar simple, recurriendo a los viejos tópicos de siempre, y además de existir muchas interrogantes en donde la historia puede cojear, es la forma como es narrada, con un ritmo dinámico y con un sentido de la atmósfera,  son las razones por las cuales  el film  sale bien librada, siendo un buen inicio de la carrera de su joven director, que esperemos siga mostrándonos una vez más su talento por explotar.