domingo, 29 de julio de 2012

EL CABALLERO DE LA NOCHE ASCIENDE (2012)


UNA REVOLUCIÓN GÓTICA
El caballero de la noche asciende, del directo Christopher Nolan, tal vez se trata de la película más esperada del año, y esto se debe al enorme éxito de crítica y taquilla de su antecesora El Caballero de la Noche (Segunda parte de la Trilogía del hombre murciélago), en donde el villano el Jocker interpretado por el fallecido Heath Ledger, se gano su espacio en salón de la fama de villanos de antología, por lo que, la valla era muy alta para esta película, generándose grandes expectativas e interrogantes.
La anterior película, se sostenía sobre el personaje del Jocker, el cual se adueñaba por completo de la película, aun cuando no se encontraba en la escenas, su presencia era permanente, siendo un villano fascinante lleno de matices, convirtiéndose en el amo y señor del caos, por lo que, la tarea no era presentar un villano digno de Batman (Christian Bale), sino digno del Jocker de Ledger, un enemigo capaz de destruir el espíritu del héroe.



La historia empieza 8 años después de la muerte del Fiscal de Distrito Harvey Dent y coincidentemente también la desaparición del Batman de ciudad Gótica, en donde Dent es considerado un héroe de la lucha contra el crimen y Batman en su verdugo. La muerte de Dent trajo la paz en la ciudad, no siendo necesaria ya la presencia de Batman, la desaparición de nuestro héroe, lo que ocasiona también la reclusión de Bruce Wayne, que siente que ya no tiene un lugar en un mundo de paz. Es aquí donde Nolan, empieza a desarrollar la historia, mostrándonos en Wayne acabado, consumido por la pena y culpa, un hombre que deambula como un fantasma, siendo un simple vestigio de lo que algún día fue.
Pero, el despertar de Batman se produce con la aparición de un nuevo villano llamado Bane (Tom Hardy), que es presentado como el líder un grupo mercenario, el villano en cuestión, a diferencia del Jocker, Bane es fuerza y estrategia,  es un fiel creyente de su causa, es predicador que enseña a través del ejemplo, el ejemplo de la destrucción moral y física. En esta nueva entrega permanecen los personajes relevantes en la vida de Wayne y Batman, además de la aparición de nuevos personajes, como son la ladrona Selina Kyle (Anne Hathaway), el joven policía Black (Joseph Gordon-Levitt) y la filántropa Miranda Tate (Marion Cotillard), quienes tendrán un papel importante en la historia.


La historia se convierte de un enfrentamiento de un grupo de criminales, en una  lucha revolucionaria, en donde es implantado el régimen del terror, realizando su director  una clara referencia a la revolución francesa, utilizando los términos ¨ciudadanos¨, ¨tribunales del pueblo¨, además del despojo de los poderosos de sus riquezas, hasta tener su propia ¨toma de la Bastilla¨ liberando a los ¨oprimidos¨ (criminales) por el sistema de ciudad Gótica, donde la imagen de Batman, ya no es el de un vigilante, ni de un héroe sino de un libertador, el murciélago es el nuevo símbolo de la esperanza, oprimida por la tiranía.
Si bien, el cine de Nolan se caracteriza desde sus primeras películas, en otorgar giros argumentales, buscando la sorpresa en el espectador, abusando algunas veces de esos giros en desmedro de la verosimilitud, lo cual resulta perjudicial en la historia, hecho que no ocurre aquí, no porque la historia peque de inverosímil, sino que el espectáculo es tan impresionante, que nos vemos atrapados en la ilusión representada por su director. Nolan se convierte en un  maestro de ceremonias de un gran espectáculo de explosiones y fuegos de artificios, en donde la banda sonora compuesta por Hans Zimmer genera intensidad y fuerza a las escenas. Ya no nos encontramos ante la profundad de la anterior película, aquí las escenas de acción son más espectaculares y abundantes, construyendo una monumental puesta de escena de destrucción y caos,  pero dicho camino que sigue el director, no hace que sea mejor  o peor película que el Caballero de la noche, tan sólo se trata de dos propuestas distintas, que sigue más en la línea de Batman Inicia, en donde consigue con su cometido, el cual es entretener, que es el fin de toda película desde el origen del cine.

viernes, 27 de julio de 2012

THE YELLOW SEA (2010)



HAY UNA EPIDEMIA DE RABIA

El director sur coreano Na Hong-jin, nos sitúa en Yanji, ciudad autónoma de la República Popular  China, que es un punto fronterizo entre Corea, China y Rusia, en donde la población mayoritaria de coreana, quienes son relegados en China, buscando fortuna en Corea del Sur, dicho lugar es el punto de partida de un viaje de sangre y violencia que realiza el protagonista, es un taxista Ga-num (Ha jung-woo) que tiene deudas con mafiosos, debido a la adicción al juego, lo cual se convierte en un círculo vicioso, además que su esposa se fue en busca de trabajo en Seúl, sin saber noticias sobre ella, poniéndolo al límite de sus fuerzas.

Dicha situación es aprovechada por el mafioso Myun-ga (Yun-seok Kim), que le propone realizar un crimen para poder pagar sus deudas y si es posible recobrar a su esposa. En Shaser (2008), primera película del director, nos contaba la historia de un proxeneta, un sujeto de lo más despreciable, que se ve envuelto en una la persecución de un asesino en serie, en donde una persona común es puesto en una situación extraordinaria, siendo una víctima de las circunstancias, bajo esta misma premisa, es que se va desarrollando la historia, como si nos encontráramos en un film de Hitchcock, pero nos encontramos ante una película coreana, por lo que, los golpes, cuchillos, machetes, peleas y sangre y mucha sangre están presentes.

Se puede decir que la historia se encuentra divida en cinco partes, la primera que es la introducción, donde se presenta al protagonista y su rabia, la cual es el impulso que mueve al protagonista en su agotable travesía, las otras cuatro, nos señalan la situación en que es colocado el protagonista, como si se tratara de los diferentes puntos que tiene que llegar en su viaje, pero no hablamos de lugares geográficos, sino de un viaje interno, en donde vemos su transformación en rabia pura con una sed de venganza incontenible, una preparación para su batalla final.



El film es contado con mucho nervio, donde la cámara tiene un  gran papel  para transmitir tensión a lo largo de toda película; las escenas de acción como las peleas son frenéticas, no existe coreografía, todo es invadido por el caos y la violencia desmedida, siendo mostrada sin ningún tipo de restricción, de la manera más cruda y bestial. La escena de persecución en el barco es estremecedora, como si nos encontráramos en una película de terror.

El mafioso Myun -ga, es un personaje, que va cobrando más fuerza conforme avanza la historia, siendo el mismo diablo, una fuerza imparable, que no se detendrá hasta que todo caiga, quien será el gran escollo que tendrá que superar Ga-nun, para la finalización de su viaje, el cual se encuentra acorralado por diferentes bandos, aunque sabe muy bien cual que su destino está trazado, esto no impide en buscar respuestas para encontrar al responsable que desencadenó el horror.

El director pretende crear desconcierto en el espectador, dándonos la información en simultáneo con el protagonista, la cual es brindada poco a poco, armando el rompecabezas hasta colocar la última pieza, que nos devela el cuadro completo, el cual fue engendrado por la semilla del engaño. The Yellow sea es un Thriller admirable, con una clara crítica social, sobre el racismo, los prejuicios, y como un hombre es llevado hasta el límite para realizar lo impensable, que mantiene al publico expectante ante un nuevo giro en la historia.

sábado, 21 de julio de 2012

UNA SEPARACION (2011)





VICTIMAS Y VICTIMARIOS

Ya habíamos comentado la anterior película del director iraní Asghar Farhadi A propósito de Elly (2009), en donde señalamos la crítica social presente en el cine del director, en su última película la multigalardonada Nader y Sirim, una separación (2011), vuelve a retomar el cine de crítica social, en donde los protagonistas es un matrimonio iraní, que se ve introducido a un drama de connotaciones morales y sociales.

La película nos cuenta desde el inicio la separación del matrimonio, el cual es iniciado por la esposa Sirim, debido a que su esposo Nader no quiere ir con ella a occidente, cuando han realizado todas las gestiones de su visa, él decide quedarse para cuidar a su padre, que sufre de alzheimer, pero su Sirim no entiende la necesidad de Nader se quede, creando un conflicto en su relación que origina el divorcio.

La razón, de Sirim de viajar fuera del país, es para encontrar un mejor futuro para su hija y su familia, significa la búsqueda de la libertar y un mejor ambiente para progresar, convirtiéndose en una obsesión para ella, encontrando en el divorcio la solución lógica para el dilema que se presenta. Farhadi, realiza una presentación perfecta de la situación y de los personajes, en donde Nader es una persona que se guía por los sentimientos y Sirim por la razón, tal vez se muestra a Sirim fría y practica ante todo, pero tiene motivaciones fuertes para serlo.



Pero de lo que se origina como una drama familiar, en donde se muestra los conflictos por la tenencia de la hija del matrimonio, el cuidado del padre de Nader, el sufrimiento de la hija, poniéndola en la disyuntiva de elegir entre su madre y su padre, la historia da un vuelco, encontrándonos en una película que se vuelve cada vez más tensa en su transcurrir, Farhadi vuelve a introducir la intriga en su relato, como si nos encontramos en un film de misterio, en donde se tiene que descubrir la verdad de los acontecimientos.

Farhadi, utiliza nuevamente la cámara al hombro para brindar una mayor naturalidad en la forma de contar la historia,  colocándose muy cerca de los personajes, moviéndose constantemente para seguir sus movimientos, siendo los espectadores en verdaderos intrusos de los dilemas y conflictos de los protagonistas, quienes son personas común y corrientes que son rebasados por sus propias acciones. Las situaciones son presentadas de forma cotidiana, en donde esta puede ocurrir en cualquier lugar, Fashadi, brinda universalidad a la historia. Una historia en que las emociones se desbordan, introduciendo a los protagonistas un camino al infierno, que resulta terrible destructivo. En donde el papel de víctima y victimario se intercambia rápidamente.

Al igual, que A propósito de Elly, los protagonistas se encuentran inmersos en conflictos morales, en donde la verdad juega un papel importante, pero a diferencia de la anterior, quien tomará la decisión final no será la parte culpable sino la inocente, convirtiéndose en la verdadera víctima de la historia. Su director a través de una supuesta historia sencilla, trasmite un sin número de de emociones, que al espectador tan sólo le queda presenciar, y sucumbir ante los golpes que brinda Farhadi a través de las imágenes, basta recordar la escena final, en donde en un plano, el dolor traspasa la pantalla.

domingo, 15 de julio de 2012

THE RAID (2011)


SIN RESPIRO

Gareth Evans,  es un joven director gales, quien al realizar un documental sobre las artes marciales de indonesia, se quedo encantado con el mundo de las artes marciales en dicho país, sobre todo con la técnica del Pencak Silat, realizando su primera película de artes marciales, Merantau (2009), teniendo como protagonista a Iko Uwais, el cual es un experto en la práctica del Silat, quien fue animado en la actuación por el propio Evans, teniendo un gran éxito en Indonesia, lo que animaría a Evans a seguir con dicha temática, filmando The Raid, que ha recibo buenas críticas y gran aceptación, lo que ha asegurado una secuela.

La historia de The Raid, es muy simple, un escuadrón especial de asalto de la policía, quiere penetrar un edificio, con el propósito de capturar, a un jefe de un grupo criminal, que ha convertido el complejo habitacional,  en un Bunker, en donde controlará desde ese lugar, las acciones criminales  de la ciudad, siendo un prácticamente un rey, que no puede ser tocado ni por la Ley, ni por nadie. Por lo que, la incursión policial  significará un suicidio.


La película, es netamente de acción, contiene  adrenalina pura, donde los disparos, explosiones, saltos acrobáticos, las peleas, escenas limites, son los ingredientes principales, en esta propuesta del director gales,   que se convierte en una película de sobrevivencia, introduciendo tensión en los momentos que se bajan las revoluciones, siendo una montaña rusa de emociones, en donde los espectadores son llevados en un tren que nunca para, quedando pegados ante la espectacularidad de las escenas.

Contiene escenas memorable, como la presentación del Jefe de la mafia, que es realmente terrorífica, en la cual se introduce ciertas dosis de humor; en cuanto a las escenas de las peleas, estas están elaboradas con una  coreografía espectacular, sobre todo con el asesino del grupo criminal, que disfruta matar, pero más si lo hace con sus propias manos,  un personaje que se mueve por su propio código; los saltos de una escena a otra no da respiro al espectador.

The Raid, es una película de acción, que con una historia sencilla, llena de personajes tópicos, de bajo prepuesto, pero elaborado mucho talento, donde el movimiento de la cámara y su montaje, que le da un ritmo trepidante, produciendo una de las mejore películas de acción del año, siendo entretenimiento puro, que a veces es muy difícil ver en los cines en la actualidad.

sábado, 14 de julio de 2012

EL NIÑO DE LA BICICLETA (2011)

LO QUE SE PERDIÓ EN EL CAMINO

Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, se centra en contarnos las historias de seres marginados, en donde los los niños y adolescentes, son los que padecen las necesidades económicas y de cariño. Su estilo es austero, recurriendo a la naturalidad de las actuaciones y diálogos, el uso de las elipses narrativas, que brindan una economía en lo que se nos cuenta, y que hace participe en la espectadores en dejar ciertos hechos en la imaginación de nosotros

El cine de los Dardenne es un cine naturalista, de observación, como ocurre en la presente película, en donde en el comienzo se ve a un niño  intentando comunicarse por teléfono con su padre, no aceptando alguna respuesta negativa sobre ello, tomando un reacción inesperada y violenta, con una concisa escena se describe al protagonista.  Cyril que es  un niño de 11 años que es huérfano de madre, y se encuentra viviendo en un albergue, ya que su padre no lo puede cuidar. Pero las cosas cambian para Cyril cuando pierda comunicación con su padre y decide buscar a su bicicleta y su padre.

La búsqueda de Cyril es obsesiva, la constancia del niño de encontrar lo que más quiere producen una sucesión de hechos dolorosos para él. Lo cual es contada sin dramatismo, despojándole de cualquier tópico melodramático, mostrándonos de una manera cruda y cortante lo que ocurre con el poder Cyril, donde con un simple gesto, se muestra los verdaderos sentimientos, como el cerrar de una puerta podemos  ver la vergüenza y cobardía presentes. En esta búsqueda se encuentra con Samantha  una peluquera que ayudara a Cyril, de manera desinteresa soportando al niño yendo contra toda lógica o razón, convirtiéndose en su ángel guardián, la escena en que le obligan a  decidir es una descripción total del personaje, no existiendo dudas para ella por lo que siente por el niño.


La película es narrada de forma concisa, utilizando elipsis, en donde muchas cosas quedan sin explicar para el espectador, pero que no va en contra de la historia, ya que, se nos cuenta lo verdaderamente importante, el espectador es el observador de las penurias del niño, que recuerdan al protagonista de la película polaca Jestem (2005). Cyril, busca un lugar en el mundo y alguien que lo quiera, pero entre su inmadurez y rebeldía no le permite ver con claridad los sentimientos de los demás. 

El uso de un fragmento de una melodía de Beethoven, la cual es utilizada como un nexo entre una escena a otra, resulta extraño al mismo tiempo transmite emotividad en momentos que son determinantes para Cyril, viniendo a la mente Azul  (1993) de Kieslowski, en donde la música es parte importante de la historia, como si nos anunciara un nueva etapa que le toca vivir a Cyril, un nuevo  paso que da en su largo y duro  camino de aprendizaje.

El niño de la bicicleta, es una lección de hacer cine, de comunicar y expresar a través de imágenes, la lucha interna de un niño rechazado, de su búsqueda del verdadero rumbo de su vida, tratando de encontrar aquello que perdió, y que no encuentra explicación para ello, todo eso y más nos es contado, de manera cruel y dolorosa, pero con aire de esperanza y perdón.

sábado, 7 de julio de 2012

GOD BLESS AMERICA (2011)

LA ABSURDA REALIDAD

Escuchamos el llanto de un niño, luego  la cámara se va moviendo en un plano cenital, en donde vemos una pareja discutiendo sobre la inocencia de Michael Jackson, hasta pasar a otro ambiente que se encuentra un hombre meditando sobre sus vecinos, que no tienen ninguna consideración con él, teniendo que soportar a sus vecinos, la siguiente escena resulta ser impactante, y por qué no decirlo una de las más graciosas del año. La cual sirve como un adelanto de lo que nos tiene preparado su director Bobcat Goldthait, que ya había mostrado su altas dosis de humor negro en comedias como World´s Greadtest Dad (2009) y Sleeping dogs lie (2006).

El protagonista es Frank (Joel Murray)es un oficinista que tiene una visión distinta sobre la vida, y el mundo en que vive, lo que lo convierte en un ser extraño, el cual no sigue los dictados de la televisión, siente que todos se encuentran dominados por los medios de comunicación, las personas carecen de opinión tan sólo son entes que repiten lo que dicen estos, sus vidas giran entorno a la TV, pero llega un día en que Frank ya no aguanta más y decide realizar un cambio en su vida, iniciando una guerra contra su enemiga (La TV), teniendo como compañera a Roxy (Tara Lynne Barr) una niña de 16, que también tiene la misma visión de Frank del mundo.

La película es un critica ácida a la sociedad norteamericana, sobre la influencia ejercida en la sociedad por los medios de comunicación, sobre todo la televisión, en donde para los demás la vida real ocurre en la televisión, nada existe sino se encuentra en los medios,  donde no se valora la inteligencia o la verdad sino el escándalo o la glorificación de la estupidez, y son los medios que consideran que es importante o que debe ser descartado. 


Goldthait, parte de la pregunta que realiza el protagonista ¿Por qué tener una civilización que no le interesa ser civilizada?, atacando sin concesión, decide disparar contra todo,  nada está a salvo de su mira, en donde todo tiene que caer, su director se convierte en el verdadero francotirador, nos muestra la furia de un hombre que se canso de aceptar la basura que le ofrecen, el decide ahora ofrecer su propio mensaje a través de más violencia, siente que ha encontrado un verdadero motivo porque vivir, se encuentra cómodo con su papel de ¨justiciero¨-

La historia es una comedia negra, una sátira de la sociedad en que vivimos, mostrándonos las situaciones absurdas que se presentan en esta, las cuales las tomamos de manera natural, donde el nivel de asombro ya no tiene límites, lo cual recuerda a otra película, el Dr. Strangelove (1964) de Kubrick, donde nos contaba en modo de comedia una crisis nuclear, en las cuales las situaciones absurdas y la ineptitud de los gobernantes eran totalmente verosímiles, mostrándonos con total desnudez la estupidez la guerra, que produce terror. Y es ahí clave la de la película, en donde lo absurdo se vuelve verosímil, las situaciones son tan cercanas para el espectador, tan cotidiano, tan real, que tiene más efecto que un drama, la comedia resulta más directa, más acorde con lo que ocurre en la sociedad.


La película nos es contada con mucha agilidad, con diálogos divertidos y punzantes, con escenas memorables, con un humor extremadamente negro. Entregándonos una de las mejores críticas de la sociedad actual y su legado que deja a las futuras generaciones, es una pieza que impacta y penetra en la mente, siendo difícil de resistirse a sus imágenes y a su mensaje.