THE DAY HE ARRIVES (2011)

VOLVIENDO AL MISMO LUGAR

Cuando un ve las películas de Hong Sang-soo, parece estar viendo una repetición de sus anteriores películas, en donde encontramos personajes cuyas edades rondan entre los 30 a 40 años, dedicados al cine o a las artes, sentimentalmente inmaduros con relaciones amorosas que muchas veces resultan tortuosas, teniendo conversaciones intrascendentes o a veces  filosóficas, acompañadas de mucha bebida y comida. Si bien en sus películas se encuentran los mismos elementos, sus historias son distintas aunque regrese a los lugares comunes, y esto es justo  lo que ocurre con su última película.

El director, nos ubica ahora en Seúl, en donde el protagonista,  Sungjoon, que es un director de cine que ha decidido dejar temporalmente la dirección. Ha viajado a dicha ciudad para encontrarse con un viejo amigo, es así que observamos como se transcurren un día tras otro, que inician y terminan en el mismo punto, que a veces parecen que los personajes se encuentran atrapados en un bucle temporal, pero en donde ocurren hechos distintos en cada día. Si bien existe una continuidad temporal de la historia, se deja la sensación que todo empieza de nuevo, presentándonos una variante del mismo día, lo cual resulta desconcertante y estimulante al mismo tiempo.


En el primer día, el  protagonista no se llega a encontrar con su amigo, por lo que decide deambular por la ciudad, encontrándose con tres estudiantes de cine, pasando en rato juntos hasta súbitamente de los deja, llegando a la casa de su antigua novia kyungjin, la cual le guarda un gran rencor, mostrándonos la personalidad infantil de ambos. La historia se retoma desde el punto de partida del primer día, en donde Sungjoon, se coloca en su puesto para empezar una historia, lo cual, recuerda a La Ronde de Max Ophüls, en los personajes son colocados por el director, para iniciar sus historias. En  este día, el protagonista si se encuentra con su amigo, presentándole una amiga que es cineasta y admiradora de Sungjoon, dirigiéndose al Bar Novel de propiedad de la joven Yejeon (que es interpretada por la misma actriz de interpreta a Kyungjin), mostrándonos  la cara de asombro de Sungjoon ante la llegada de la propietaria, que es el mismo asombro de los espectadores.

El director, juega con los personajes, los hace transitara en los mismos lugares, intercambia las situaciones y diálogos entre ellos. Expone un tema recurrente en sus filmes como las coincidencias, las existencias o no de las razones que estas ocurran. Sang-soo, brinda su visión acerca del amor, de la vida y el destino. Sus personajes son seres inmaduros, creíbles, cómicos sin proponerlo. Es por tal razón, que sus películas transitan en el genero de la comedia, en historias que no serian nada cómicas, sino fuera por la forma como enfrentan la vida los protagonistas.


La utilización del blanco y negro (la película fue filmada a color), le brinda una mayor sencillez a esta.  Utilización de planos fijos, del zoom, y de diálogos, que si bien pueden resultan muchas veces intrascendentes (los cuales recuerdan al cine de Godard),  estos resultan importantes en el cine de Sang-soon, ya que, tiene una clara intención de decirnos algo, no a través de la palabras sino del entorno  en que se desenvuelven los personajes, y es mediante los diálogos, se muestra la personalidad de los protagonistas, y sus contradicciones, que es un tema que trata el director en la película.


La película es narrada, a través de episodios, fragmentada por cada día que pasa el protagonista en Seúl, pero como ya lo señalamos con un gran sentido de continuidad, pero también de retorno, lo cual resultando una paradoja y contradicción que tanto los personajes y espectadores transitan. El director con un gran dominio mueve los hilos con una maestría, la cámara trasmite el desazón y soledad del protagonista, con una sencillez que estremece y sorprende. Su última película es un manifiesto, una respuesta a sus críticos, sobre lo reiterativo de su cine, demostrando que cada historia es distinta aunque se parta desde el mismo punto y con los mismos personajes.

MIENTRAS DUERMES (2011)

BUENOS DÍAS TRISTEZA

Jaume Balagueró, director español se ha convertido en un especialista de los géneros del terror y thriller, con su primera película, Los sin nombre (1999), ya daba muestra de un talento de crear en sus películas una atmósfera  de tensión, teniendo como referencias a las películas clásicas de terror, como The Haunting de Wise y The innocents de Clayton, donde el miedo se desencadena por lo que no se ve, las asombras que acechan, que perfeccionó en REC (2007), al mejor estilo de las películas de Zombies. Es un director que se alimenta mucho del cine de terror, conociendo todas claves y códigos de dicho género, lo cual se ve perfectamente en sus films.

Mientras duermes, nos cuenta la historia de César (Luis Tosar), que es el portero de un edificio habitacional, que carecer del sentimiento de felicidad, que la única forma de llenar el vació de su vida, produciendo la infelicidad de los demás, centrando su mirada en la inquilina Clara (Marta Etura). César al tener acceso a los cuartos de los inquilinos, ha ideado un plan poder dormir todas noches con Clara, sin que ella se percate de ello. Teniendo un inicio que recuerde a  Cuatro noches con Anna de Jerzy Skolimowski, pero van tomando distancia cuando más avanza la historia, ya que, el film de Balaguero es un oscuro thriller, a diferencia de la película de Skolimowski que es un fuerte drama.

Si con REC  los monstruos se manifiestan a simple vista, el ataque es frontal, aquí el monstruo se encuentra escondido, acechando en las sombras para atacar a su víctima, bajo un disfraz de inocencia, Luis Tosar interpreta a un villano perverso, frío, se siente una víctima de su infortunio, un enfermo incurable, que sólo puede paliar su padecimiento con el sufrimiento de los demás, sobretodo el de Clara. César es un personaje amoral, que es capaz de realizar las peores acciones para lograr su cometido, no hay sentimiento de culpa, tan sólo el deseo de apaciguar su dolor, no hay ningún atisbo de humanidad en su interior, presentándonos un monstruo de dimensiones colosales.

La película, empieza como un drama sobre la soledad de un hombre, sobre su lucha diaria para no caer en la total depresión, en buscar un motivo para continuar, una razón que le permita sobrevivir. En su búsqueda encuentra a su musa, a su inspiración para vivir, su víctima ideal. Es aquí, cuando vemos la verdaderas intenciones de César, es como un vampiro que se alimenta de la infelicidad, trata de destruir cualquier rastro de alegría. Se convierte en una historia de amor enfermiza, en donde el monstruo quiere robarle todo, y traerla a su mundo, con grandes cargas de tensión y suspenso. 

La historia no es contada a través de los ojos de César. El director nos convierte en testigos de la oscuridad del protagonista, de su dolor, sus miedos, su soledad; nos trata de acercar a su mundo para conocerlo,  somos cómplices de su patología. Balaguero realiza una película de suspenso puro, que se respira durante todo el metraje, donde la presencia de César es permanente, como una manta que lo cubre todo. Teniendo sin lugar a dudas una las mejores thriller de la actualidad.

SHAME (2011)

EL DOLOR DEL VACÍO

El director ingles Steve Mcqueen, venía precedido de la fama de su opera prima Hunger (2008), una impresionante película carcelaria, sorprendiendo a la critica mundial, obteniendo el premio de Cámara de Oro (mejor ópera prima)en el Festival de Cannes, en Hunger, protagonizada por Michael Fassbender, el cual es un líder del grupo terrorista IRA, Mcqueen, transmite una mirada objetiva sobre la lucha los presos políticos, para que sus peticiones sean cumplidas, ante casi la inexistencia de diálogos las imágenes constituyen el ente comunicador de la historia.

En el segundo proyecto del director ingles, vuelve a llamar a  Michael Fassbender para que la protagonice, actor irlandés que en los últimos años transita entre el cine comercial e independiente, demostrando siempre un gran talento en la actuación. A diferencia de su personaje de Hunger, aquí, el protagonista carece de la fuerza de voluntad, es incapaz de lograr cambiar el camino hacia su autodestrucción. Fassbender interpreta a Brandon un joven ejecutivo adicto al sexo, el cual le resulta imposible mantener una relación amorosa, lo ocasiona serios problemas en su vida personal, pero no puede hacer nada para evitarlo.

Mcqueen, sitúa a Brandon en una ambiente de comodidad, presentarnos como un hombre seguro que controla su entorno, que puede conseguir todo lo que quiera, en una ciudad tan cosmopolita como New York. Pero que todo ese supuesto control y seguridad es una mentira, como la imagen que proyecta Brandon. La farsa en que vive cae como un telón al aparecer su hermana Sissy (Carey Mulligan), que es una  aspirante a cantante, que busca un lugar en donde quedarse en la ciudad, decidiendo quedarse en el departamento de este. Es aquí donde Brando siente verdaderamente desolado que no puede llegar a conectarse de manera intima con los demás, que su vacío interior no puede ser llenado con relaciones vacías, y es justamente Sissy la única que ve su dolor, por lo que, se siente desnudo ante su mirada.

Fassbender construye un personaje atormentado por la culpa y vergüenza, con una mascara de frialdad y serenidad. Teniendo una doble vida, como un asesino en serie que tiene un impulso por buscar victimas, adentrándose a los niveles más bajos y oscuros de su interior. Somos testigos de sus gritos desesperados por clamando ayuda, pero por vergüenza no lo puede llegar a expresar. La contra-cara de Brandon es su hermana Sissy, que es extrovertida y siempre busca diversión, pero, va en el mismo camino de la autodestrucción que su hermano, como Brandon el exterior es una careta, para sentirse normales ante los ojos de demás. pero mientras Sissy solicita ayuda y la ofrece támbien, Brandon no la quiere ni dar ni recibir, se recluye en la comodidad de su falta de voluntad.

Shame, es película incomoda no por los desnudos y las escenas de sexo, sino que el director logra que nos identifiquemos en el dolor de un personaje tan podrido por dentro, vicioso,  imperfecto, destruido. No estamos ante un personaje que realice actos heroicos o que sea un incansable luchador de la adversidad, sino es un hombre que representa la degradación del ser humano en sus puntos más bajos, Shame no es una película que cuenta sobre las vivencia de un adicto al sexo, es una película que nos cuenta sobre el dolor humano en un mundo de apariencias, en donde la imagen se vuelve la verdadera personalidad, dejando de lado lo que no se ve.

Mcqueen, si en su primera película sorprendió, en esta segunda se consagro, la manera de disparar a través de su cámara, resulta gratamente doloroso, es director dispuesto a contarnos sus historias de la forma más sincera y directa que pueda, una de las mejores películas de 2011, que injustamente fue obviada por los premios de la Academia,   al igual que la extraordinaria actuación de Fassbender.

HARA-KIRI : DEATH OF A SAMURAI (2011)

¿QUÉ ES EL HONOR?

Remake de Seppuku (1962) la obra de maestra de Masaki Kobayashi, dirigido por polifacético y polémico Takashi Miike. Se tiene que señalar que la película de Kobayashi, es una obra capital del cine de los samurais, desentrañando el código de Bushino en donde es el honor es más importante que la vida, el nombre se perpetúa  después de la muerte de un samurai, en donde aparte de tener una vida honorable, lo más importante es tener una muerte con honor. 

La historia, es prácticamente la misma, en donde un viejo ronin (samurai sin señor) interpretado por Ebizo Ichikawa, expresa su deseo de practicarse el seppuku, el encargado de la casa del Clan Li, le cuenta la historia de un joven ronin que vino a solicitar lo mismo, contándole los hechos dolorosos ocurrido al joven, pero esto no desalienta al viejo samurai en su decisión, su director le otorga ciertos matices que le brinda una personalidad propia, caminado por su propio sendero, el cual le lleva al mismo punto.

Miike, es un director que se caracteriza por dirigir películas violentas ya sea en los géneros de yakusas, policiales, terror o musicales, con imágenes muy descriptivas en cuanto a la sangre y desmembramientos, si bien sus historias puede llegar a situaciones que rayan con lo inverosímil,estos son creados bajos sus propio código para representar la realidad como Miike quiere expresar, algunas veces con buenos resultados y otras veces no tanto. Por lo que, resulta curioso que la película se encuentre contenida en cuanto las escenas violentas, existiendo todas las condiciones para que Miike se realice sus típicas danzas de sangre, pero este no lo hace, lo cual se encuentra justificado con el sentido de la película, que es la venganza de la dignidad perdida no de un samurai sino de un ser humano. 

Si bien el termino harakiri y seppuku, tiene el mismo significado para un mismo acto, el primero no tiene un uso frecuente en el Japon al ser considerado muy vulgar, a diferencia del segundo que le da un sentido más honorable. Miike va por el primer sentido, le despoja de la nobleza a la caracteriza dicha ceremonia, lo vulgariza, la vuelve más terrenal.Los códigos de honor pierden sentido cuando dicho código, carece de humanidad, se aparta de los sufrimientos de los demás, convirtiendo a los samurais en guerreros de un falso honor. 

En su anterior remake de Miike, 13 asesinos (otro clásico del cine de samurais), los protagonistas son samarais, que deciden saltarse los códigos que los rigen, para alcanzar la justicia que no puede ser obtenida de manera regular, ellos no son esclavos de su código, sino guerreros de la justicia, donde el bien común es más importante que un código, dando su vida por una causa noble. En la película se nos cuenta una batalla más pequeña, de un hombre acorralado por la fatalidad, que lucha día a día para proteger a su familia, teniendo como enemigos a la miseria y la indolencia, dando el mayor de los sacrificios con valentía de un verdadero guerrero. 

La película nos envuelve con el padecimiento de los protagonistas, llegando a su conclusión, la cual dista un poco de la película original, pero manteniendo el mismo espíritu. a diferencia de la utilización de la lluvia para otorgar dramatismo en las batallas, la nieve aquí se convierte en un elemento purificador, otorgando una escena memorable que se encuentra no sólo entre lo mejor en el cine de Miike, sino en el género de los samurais, presentándonos a un director más maduro, que construye una puesta escena magistral, Hara-kiri es una película dolorosamente apasionante.

LES LYONNAIS (2011)

LEALTAD A PRUEBAS DE BALAS

Olivier Marchal, director francés que se ha convertido en la actualidad en un especialista en el género policíaco. Cabe precisar que el propio Marchal fue agente de policía, dejando dicho oficio, por el miedo que le generaba el trabajo, abrazando posteriormente la actuación y dirección, es tal vez la razón que su cine se centre en ese género. 

Su conocimiento sobre el mundo policial, permite brindar en sus películas muchos detalles sobre las investigaciones policiales, como la forma de actuar de los criminales, mostrándonos los códigos en que se rigen ambos bandos. Marchal trata de presentar una mirada objetiva de sus personajes ya sea policías o criminales, en donde la línea que los separa es prácticamente imperceptible. 

En las películas anteriores del director, MR 73 y Asuntos pendientes, la historia se centraba en las vivencias y conflictos de los agentes policiales, en su última película, Marchal, cruza la vereda del frente, y nos cuenta la historia de Les Lyonnais, que es una banda criminal de asaltantes formada en la decada de los setenta,dirigida por Edmond Vidal (Gérard Lanvin) alias ¨Momon¨, la pelicula se nos es narrada con constantes flashback el origen en el mundo criminal de Momon y sus amigos, sobre todo Serge su mejor amigo, en donde la historia tiene su detonante con la detención policial de Serge, debido a lo cual, Vidal volverá de nuevo a la carrera criminal que había jurado no regresar, pero la amistad y lealtad pesan más, y decide liberar a su amigo a sangre y fuego. 

La película, recuerda al cine de Melville, sobre todo El círculo rojo y Crónica negra, de aquellos criminales imperturbables y fríos, que mantienen un código de honor y lealtad que no puede ser roto, y cuando la traición ocurre, uno debe de aceptar con dignidad de dicha deshonra; también a los policías obsesionados en atrapar a los criminales utilizando cualquier recurso ya sea legal o no para lograrlo. Pero también trae a la memoria a la saga de El padrino por algunas escenas y el uso de flashback, (El bautizo del nieto de Momon, la fiesta en su familia,  la historia de su origen), que no son simple casualidad, siendo un referente claro en su cine.

Marchal va construyendo la película, en base a la figura de Vidal y su código de honor, sus acciones se van moviendo de acuerdo a las enseñanzas que fueron inculcadas desde niño, y que son mostradas a través de Flashback, que le dan un gran sentido a la película, con una narración dinámica y concisa contándonos tan solo lo necesario para saber lo que ha ocurrido y ocurrirá. Les Lyonnais, es una película magnética, en donde los diálogos no son extensos ni grandilocuentes, sino cortos y contundentes, las imágenes dominan la pantalla, brindándonos un espectáculo memorable. Es sin ninguna la mejor película hasta de fecha de Marchal, que esperemos siga por esta senda.

A PROPÓSITO DE ELLY (2009)

UN AMARGO FINAL 

Cuando uno piensa en el cine irani, inmediatamente viene los nombres como Abbas Kiarostami, Jafar Panahi, Majid Majidi y Mohsen Makhmalbaf, los cuales vendrían a ser ¨los pioneros¨ del surgimiento del cine en dicho país, el cual es asociado, con historias minimalistas, en donde se muestra la pobreza y el abandono que los protagonistas contándonos sus vicisitudes, de una manera natural, con un ritmo pausado, al sencillez que se vuelve poesía. 

Bahman Ghobadi y Asghar Farhadi, son dos jóvenes directores, que en la actualidad que se vienen asentando con gran fuerza en el firmamento cinematográfico, mientras el primero, mantiene el estilo de directores como Kiarostami y Panahi; el segundo su cine ronda en el drama y el Thriller, en donde cada uno brinda una visión crítica de la sociedad en que viven, en su manera particular de cada uno. 

El tema que nos ocupa ahora, es la película A propósito de Elly, dirigida por Asghar Farhadi, la nos cuenta la historia de un grupo de amigos que quieren pasar unos días en el Mar Caspio juntos con sus esposas, son personas de clase acomodada, con mucha influencia occidental, en dicha reunión se encuentra una persona extraña al grupo, que es una joven maestra llamada Elly, que ha sido invitada por Sepideh (Golshifteh Farahani), con la intención que conozca a Ahmad, quien acaba de divorciarse de su esposa alemana. La historia es contada de una manera muy realista con actuaciones convincentes sobre todo las femeninas. El uso de la handycam es utilizada para dar más realismo a la historia, la cual es incrementada con las situaciones y las actuaciones, lo cual es muy bien llevado por director, sin llegar a saturar al espectador, sino mostrándonos de manera natural.

Sepideh, es la esposa de Amir, quien es un personaje manipulador y controlador, en donde su intención es buscar lo mejor para todos, o que creer que puede conseguir lo mejor para todos. Es personaje central de la trama, el que va desentrañando el misterio que cierne sobre Elly, a la que nadie conoce en realidad o llega a conocer en realidad. La historia que en un inicio se presentaba como una comedia en donde los amigos trataban de emparentar a Ahmad y a Elly, se transforma en un intenso drama aderezado de suspenso y misterio, cuando ocurre la desaparición de Elly, lo cual incrementara aun más con la aparición de un nuevo personaje a que pondrá a los demás en un difícil disyuntiva. 

Las películas de Farhadi, son como una caja china, que conforme se siga develando las capas, se presentan más sorpresas, y surgen los cuestionamientos morales entre hacer lo correcto o buscar lo mejor para uno, en donde una simple palabra es la diferencia entre ambas. La incertidumbre de lo que pasó con Elly recuerda a la desaparición de Anna en La Aventura de Antonioni, pero aquí la tensión va in crescendo, los personajes, se desatan unos contra otros, en donde el personaje de Sepideh decidirá el destino de otros con sus acciones y silencios, después de ello no habrá marcha atrás para ella. 

La película recuerda a las grandes películas de Chabrol, aquí la crítica de Farhadi a la sociedad burguesa es feroz, en donde su crimen es el repudio y desinterés de la cultura tradicional, lo práctico vence a la moral antigua, hechos que pueden ser considerados banales para unos, son la vida o la muerte para otros.Es una película que bien podría estar en el género del suspenso, sin dejar de ser un film de denuncia social.

EL CABALLO DE TURIN (2011)

EL SEPTIMO DIA

Según declaraciones del propio director Húngaro, esta será su última película que dirigirá, lo cual esperamos que dicha promesa no se cumpla, ya que, Bela Tarr, es un los más grandes directores de la actualidad,  su cine toma como referencia elementos de Tarkovsky, Bresson y Antonioni, pero ha imprimido a sus películas su sello propio, como esos largos planos secuencias, el uso de la fotografía de Blanco y negro, los silencios prologados, los travellings que han sido adoptados por otros directores, Lisandro Alonso (Liverpool), Gus Van Sant (Last days,  Gerry, Elephant) y recientemente Daren Aronofsky (El luchador y El cisne negro). 

En el prologo del film, nos narra el incidente que tuvo Nietzsche en la plaza de Turín, en donde un cochero inflige castigo a su caballo al no querer avanzar, Nietzsche aparece y abraza al caballo para que no sea golpeado, después de esto Nietzsche, se desmaya, y desde esa fecha se sumerge en la locura, dicha anécdota es contada en pocos minutos, el tiempo restante (dos horas y media) nos narra los seis días la vida del caballo, el cochero y su hija. 

El caballo de Turín (A Torinói ló), como en las películas de Bela Tarr, está construido por varios largos planos secuencias, en donde nos va contado el día a día de los protagonistas, los cuales se encuentran encerrados en su rutina, prisioneros en su propio hogar, imposibilitados de cambiar su destino. La película se encuentra segmentada por seis partes las cuales representan los días, y nos va contando lo ocurre en cada día, en donde la aparición de un caminante y los gitanos trastocan su rutina, hasta que un hecho transcendental para sus protagonistas, lo cual cambiará sus vidas. 

Lo importante en el cine de Bela Tarr, no es la utilización de largos planos secuencias, ni sus prolongados y obsesivos travellings, sino la forma como mueve la cámara, la cual es parte importante de la narración, la cámara se desliza delante de nuestros ojos sigilosamente, nos va contado lo que ocurre con los personajes, nos convierte en intrusos silenciosos. El cine de Bela Tarr,  exige al espectador estar atento a cada detalle, a la imagen, sonido, silencios, nuestros sentidos tienen que estar alerta, cada movimiento y quietud, aunque hayan escenas en donde el tiempo se encuentra suspendido, el silencio reina, y los diálogos son casi inexistentes, todo esto forman parte de la construcción, nada es accidental, todo lo que vemos y oímos, están puesto con un fin, Tarr construye al milímetro sus películas, es un creador total de su obra, es el dios que sopla en los días más oscuros, es el crujir del fuego, el que corta los hilos del destino, es aquel que pronuncia el silencio y detiene el tiempo a su antojo.

Si bien la historia se podría ser acusada de minimalista, tal vez la más minimalista que ha hecho hasta la fecha su director, es una historia que trasciende más allá de la vida de los protagonistas, nos habla de la oscuridad, de la destrucción de nuestro mundo, de ese mundo creado por nosotros mismos, en donde un hecho que puede ser considerado intrascendente puede acabar con todo, lo cual nos trae a la memoria la película Melancholia, estas guardan mucha relación, en cuanto al tema, pero en el caso de Tarr, su propuesta es menos obvia es más desoladora y pesimista, nos habla del silencio y oscuridad absoluta, en donde con un simple fotograma nos cuenta todo. 

Bela Tarr ha concluido de manera extraordinaria una las carreras cinematográficas más inspiradoras de la actualidad, ya que, El Caballo de Turin, es la última obra maestra de uno de los más grandes del cine contemporáneo, su último regalo para los amantes del cine, dándole las gracias por amar el cine cada día más.

MELANCHOLIA (2011)

DANZANDO CON EL ASESINO

Lars Von Trier, co-fundador del movimiento Dogma 95 junto con Thomas Vinterberg, en donde se comprometían que sus películas, no tendrían elementos artificiales, como música, sonido o efectos especiales, bueno dicho movimiento no tuvo mucha duración, y siendo sincero tampoco mucha relevancia. Se puede decir que la única película del danés que cumplían con los requisitos del Dogma era ¨Los idiotas¨, las demás no cumplían con todas las reglas, dejando de lado su juramento. Lo que podemos reconocer en Lars Von Trier, es un director que siempre ha buscado experimentar con su cine, siendo muchas veces provocador, tanto en sus películas como declaraciones, surgiendo antipatía tanto por su cine como por su personalidad, a veces es interesante ver las películas del danés, aunque tal vez no llegue de nuestro total agrado. 

La película en cuestión Melancholia, empieza con el preludio de Tristan e Isolda de Wagner, acompañados de escenas de un resumen de la historia de la película, de un impacto visual extraordinario. La trama tiene su origen en la fiesta de una boda de Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgård), que fue organizada por la Claire (Hermana de Justine), quien tiene una vida acomodada que le brinda un gran sentimiento de seguridad, en donde nada puede perturbar la tranquilidad de su Mansión.

La secuencia de la fiesta recuerda mucha a La Celebración de Thomas Vinterberg, ya sea por las escenas, sino porque tiene el estilo del movimiento dogma (la película es rodada en cámara digital), que con seguridad el director busco dicho resultado como una especie de homenaje. En dicha fiesta los padre de los de la protagonistas, interpretados por John Hurt y Charlotte Rampling, muestran signos de cierta locura (sobre todo la madre), sucintándose situaciones embarazosas, que no pasan a mayores, pero que resulta el atisbo de lo que vendrá. 

Pero la historia da un vuelco con el comportamiento de Justine en el día de su boda, lo cual va tomando sentido conforme va trascurriendo la película. Los personas femeninos de Von Trier, tratan de ser aceptados por su entorno, mostrándonos el sufrimiento por ser incomprendidos o aceptados, como Bailar en la oscuridad, Breaking The Waves (Conocida en Latinoamérica como Contra viento y marea), Manderlay, Dogville. En película en cuestión la protagonista se aparta de la gente, no le interesa integrarse, tan sólo se encuentra en una actitud de expectación. 

El director a través de escenas sencillas construye una película cautivante, en donde se describen en unos cuantos trazos todo lo que ocurre en la película, como cuando Justine se deja seducir por el planeta, y ella entrega su desnudez, una de las escenas más eróticas de los últimos años. Von Trier, cuenta la historia a través de imágenes, que nos atrapan, en donde un mismo hecho puede ser visto como una tragedia o como una liberación, el inicio de una danza que tiene que llegar a su fin. La carga del drama de la segunda parte de la película lo lleva Claire, porque se resiste a creer que ha vivido durante toda su vida una mentira, como su mundo lleno de seguridad ya no existe, tan sólo fue una ilusión. Melancholia, como la mayoría de los filmes de su director es una película difícil de clasificar, en donde busca sacudirnos, lo cual, lo logra con nosotros, siendo un gran punto a favor del danés.