COLINAS CIEGAS (2007)

DE ESPALDA A LA REALIDAD

Mang shan (Las colinas ciegas), escrita y dirigida por Li Yang, nos cuenta la historia de Bai, una joven universitaria, que para ayudar a su familia,decide conseguir un empleo yendo a los pueblos campesinos, para realizar un estudio, pero todo será una trampa de unos traficantes de mujeres, que la venderán para que sea la esposa del menor hijo de una familia de campesinos.

Como si se tratase de un personaje kafkiano, la protagonista no entenderá con lo que esta pasando, siente que es víctima de un mal entendido, que si va a las autoridades su situación se solucionará, pero se encontrará que este tipo de ventas, es una costumbre arraigada en la mentalidad de los campesinos, que a su vez se da con la anuencia de las autoridades, desde ese momento se percibe la impotencia al buscar una justicia en un lugar en donde sus gritos nunca serán escuchados.

El director, nos presenta la cruel realidad que le toca vivir a la joven Bai, somos testigos, que ella tan sólo es otra víctima más de esta costumbre barbara de una China que le da la espalda a la realidad, en donde se intuye que la madre de su marido, también fue secuestrada, siendo justamente ella, la que tratará de hacerle entender a Bai, que no hay escapatoria, lo único que queda es resignarse a la futura vida que le espera con su nuevo marido, pero ella no se resigna, cree fervientemente que alguien vendrá ayudarla, vive pendiente de la esperanza, siendo la única arma, que le servirá para enfrentar tanta injusticia.

Se nos coloca en hermosos paisajes, que se contrapone con el horror que se nos cuenta, la película si bien es un fuerte drama social, su tratamiento es más cercano a un thriller de terror, en donde, los aldeanos, están organizados para conservar su Status Quo, y no se vea afectada su forma de vida, todo un pueblo en contra de una mujer, que recuerda a películas como The Wicker Man, en donde todo un pueblo son testigos y actores de crímenes.

La película, es dura, y va directo a tratar de crearnos preguntas a cerca de lo que vemos, ¿A veces no somos testigos de determinados hechos, y lo mejor que hacemos es apartar la mirada y continuar con nuestras vidas?, consideramos algunas cosas inamovibles, que deben ser así, porque siempre fueron así; el film es un drama estremecedor, en donde todo parece que no existe salida, a algo que es más grande que nosotros mismos, una excelente reflección que nos regala Li Yang, en su segunda película.

EL HOMBRE DE LONDRES (2007)

OBSERVANDO AL OBSERVADOR

El director hungaro Béla Tarr, se hizo notar en la escena mundial con su película Santántangó, sorprendiendo a la critica, no por la duración de esta, que con un metraje de casi siete horas, sino por los planos largos, y muchas veces carentes de diálogos, una cámara envolvente que quiere abarcar todo, desde sus inicios, sus films como Nido de familia, rozan el documental, utilizando actores que no sean profesionales, y con diálogos muchas veces improvisados.

La forma de rodar de Tarr, da un giro radical con La condena, aquí da inicio a los planos secuencias largos, con un movimiento de cámara que se desliza lentamente, la reafirmación de la fotografía en blanco y negro, y ese aire fantasmal que le imprime a sus películas, en el cine de Béla Tarr, el uso de planos secuencias, sirven como una forma de edición, sus films los divide por bloques, y cada bloque es un plano secuencia, es decir en cada escena, la cámara se va moviendo sin que se produzca un corte, por ejemplo en una conversación, esta va girando, no existiendo ningún plano y contraplano, tan sólo el recorrido de la cámara alrededor de los protagonistas.

El hombre de Londres (A Londoni férfi), adaptación de la novela homónima de George Simenon, inicia, como un plano secuencia sensacional de diez minutos, en donde observamos al observador, que es el Maloin, un empleado de la estación de tren, el cual se encuentra en una torre, en donde será testigo de un crimen, con ese movimiento de cámara acostumbrado de ver en el cine de Tarr, y la presencia de la neblina, como un protagonistas muchas veces presente en sus películas, que como ya mencionamos le da un aire casi espectral a las escenas.

Maloin, no sólo será testigo de un crimen, sino que se hará de un maletín lleno de dinero (que fue el motivo del crimen), el cual ocultara, iniciando un duro camino, de culpa y ambición, en donde el dinero, se convertirá es el camino de la libertad, tanto de él como de su familia, especialmente su hija, que quiere que tenga una vida mejor, lejos de la explotación al que es sometida, para poder sobrevivir; pero tendrá que soportar la investigación policial, por un viejo y agudo comisario.

La película tiene reminiscencias del cine negro, pero al estilo del director, en donde el silencio y el movimiento de la cámara, inundará la pantalla, hay una escena que recuerda mucho a la escena final de Los muertos de Lisandro Alonso, en donde la tensión se logra a través de lo que no se ve, la cámara apartar al espectador de lo que ocurre, tan sólo queda la imaginación.

El hombre de Londres, es un trabajo excepcional de Béla Tarr, nuevamente nos transporta a ese mundo tan particular que tiene en su mente, en donde el tiempo parece suspendido con la mirada de su cámara, el caminar de seres fantasmales que quieren continuar viviendo, sin encontrar una razón para ello, se trata de un film altamente recomendable.

SHUTTER ISLAND (2010)

BUSCANDO UN MONSTRUO

Martin Scorsese, uno de los más grandes directores de la actualidad, y uno de los mejores directores de la historia, al que la academia, le hizo un reconocimiento tardío a su talento, entregándole el Oscar por el remake de un film hongkones, Scorsese fue director que salió de las escuelas de cines, al igual que Coppola, Lucas, Spielberg, en la década de los 70, que fueron los generadores de darle un nuevo giro al cine americano de esa época, Scorsese en los últimos años, está comprometido con la conservación de los filmes americanos, que demuestran su gran pasión por el cine, además de ser un gran devorador de cine.

Shutter Island, el último trabajo de Scorsese, no sitúa en 1954, dos agentes del FBI (Di Caprio y Mark Ruffalo), son asignados al caso de la desaparición de una interna (Rachel) del hospital psiquiátrico Ashecliffe ubicado en la isla Shutter, en dicho hospital se encuentran alojados, criminales con enfermedades mentales, su búsqueda sera su principal misión, o eso parece al principio, el director, nos va sumergiendo a través de una banda sonora sobre cargada desde el inicio, en donde nos va adelantando que algo tenebroso se oculta en la Isla.

Mucho se habla, de que la película es un homenaje al Gabinete del Dr. Caligari, Corredor sin retorno de Fuller, se podría decir, que ambas películas tiene cierta influencia,tanto temática como estéticamente, pero en donde se ve una gran influencia, la cual se respira en todo el film, es el cine de Hitchcock, el homenaje es constante, los movimiento de cámara, los ángulos de los planos, el desarrollo de la trama, un protagonista, que tiene un pasado que lo afecta en el presente, nos muestra el laberinto que debe recorrer el agente del FBI para encontrar la verdad, a través de las pistas, que nos va develando poco a poco el misterio de la Isla, y que uno ve venir a mitad de esta, al igual que Hitchcock, Scorsese no le da importancia a lo que cuenta si no como lo cuenta, nos va situando en la mente del protagonista, la certeza cada vez es más débil, nuestro mundo se desploma pedazos, y no lo ponemos contener, somos partes del ese juego mental, la historia logra traspasar la pantalla y meterse en nuestras mentes.

Es así, que Socorsese, sacude al espectador con las imágenes, nos obliga a que nos mantengamos atentos a cualquier mínimo detalle que pase en la historia, imprime la tensión a cada paso que toma el protagonista, recuérdese la escena de los calabozos, en donde Di Caprio, interroga a uno de los internos, intercalándose momentos de oscuridad total y la luz de una cerilla,verdaderamente notable; la película es el viaje que realiza el protagonista para encontrar la verdad, y es su director el que nos lleva a ese mundo, Scorsese ha logrado un trabajo impresionante y cautivante, una de la últimas joyas del maestro.

EDEN LAKE (2008)

A LA VUELTA DE LA ESQUINA

Opera prima del director británico James Watkins; la historia trata sobre una joven pareja que decide pasar unos días en un apacible lago, en el campo, este viaje servirá de excusa para que Steve (Michael Fassbender), le pida a su novia Jenny (Kelly Reilly)casamiento, pero al igual que en Deliverance, la tranquila del campo se ve afectada, al darse cuenta que no se encuentran solos.

Tendrá como nuevos vecinos a una pandilla de niños, el personaje de Steve, que un hombre ya maduro de treinta años, sera humillado delante de su novia, por un grupo de niños, recuerda al personaje de Dustin Hoofman en Perros de paja, en donde una persona civilizada y racional, es rebasada por el salvajismo de otros, en donde tan solo le queda aceptar, su derrota ante las pequeñas riñas, pero estas riñas, se convertirán en un juego, que se tornara cada vez mas peligroso,produciendo el descontrol de la situación.

Watkins, nos muestra el terror de lo cotidiano, ese terror posible en la realidad, es ahí, en donde nos encontramos en un film perturbado para nuestros sentidos, nos trasmite ese miedo a lo posible, que no se encuentra en los monstruos creados en la imaginación, sino cercano por los monstruos del mundo real,en donde la sinrazón se apodera del ser humano.

El director, logra imprimir tensión en cada escena, con ritmo narrativo frenético,en donde en cada momento es un salto de emociones, que el espectador no puede de dejar de apartar la mirada en lo que esta pasando,no hay descanso cuando el juego de la cacería humana inicia, tan solo nos queda esperar un nuevo sobresalto en nuestro asientos.

El film, juega con el espectador, lo involucra en el juego, lo hace participe, aplica golpes certeros, logrando traer mas cerca el terror en nuestras mentes, sentimos esa impotencia de los protagonistas, la película termina, pero el miedo aun permanece, gran trabajo en la primera película de Watkins, tal vez se puede discutir algunas escenas se pueden tildar de inverosímil, la forma de contar la historia es de lo mejor de los últimos años, en cuanto a los thrillers de terror.

PLATFORM (2000)

DENTRO DE VEINTE AÑOS TODO SEGUIRÁ IGUAL

Dirigida y escrita por el realizador chino Jia Zhangke, el cual tiene el lamentable honor de que todas sus películas no han sido estrenadas en país natal, ya que estas no pasan el filtro de la censura, debido a que la tematica de sus películas, tiene un alto contenido social, en donde sus protagonistas son jóvenes mayormente, en donde se muestra el descontento por la realidad en donde viven, y el choque generacional, con respecto a las tradiciones y la influencia de la cultura occidental, esto se ve en Unknown Pleaures, The World, Xiao Wu y sobre todo Platform siendo una clara critica al sistema y cultura China, en donde la juventud rural se encuentra atrapada en las tradiciones.

Platform (Plataforma), narra la historia de un grupo aficionado de teatro rural,que va de pueblo en pueblo presentado su espectáculo,se nos va presentando a los integrantes de este grupo, el cual esta constituido por jóvenes, ambientada en la década de los ochenta, los protagonistas tendrán distintas formas de ver la vida, haciendo patente los conflictos por los cambios en la sociedad, en donde los jóvenes buscaran cosas nuevas, estando influenciados por la cultura occidental, como los jeans, peinados y música.

El grupo teatral, entrará en una nueva etapa, en el periodo de cambios, en donde entra en este mundo la privatización, por lo que uno de sus miembros, comprará la compañía teatral, convirtiéndose en un grupo de Pop-Rock, es así que se suceden estos cambios, se manifiesta la rebeldía en estos jóvenes, de no continuar con la forma de vida de sus padres, de hacer un cambio drástico en sus vidas, el buscar una vida mejor.

Jia Zhangke, mediante planos fijos, o movimientos lentos de la cámara, nos va metiendo en el mundo caótico,tan externamente como internamente, en un grupo de jóvenes, que buscan su propia identidad, siendo cada vez más confusa su vida, Paltform, es una critica al sistema chino, a esa absurda idea de pensar que se puede controlar todo, las personas mayores son vista como intolerantes, anquilosados en las tradiciones, que nos le permite buscar una mejor situación, en donde la lucha por el cambio es una batalla perdida antes de iniciarla, ante un sistema que te absorbe, que sólo busca acallar sus voces.

La cámara se posiciona, es un personaje mas, que va siguiendo a los protagonistas, es un trabajo realizado con una gran sutiliza, demostrando un gran realizador detrás de las cámaras, el cual nos da una mirada triste, sobre un futuro que nunca llega, donde el tiempo es estático o tan sólo este vuelve a empezar, como si se tratase del mito de Sisifo.

UN PROPHÈTE (2009)

UNA GUERRA DETRAS DE LOS MUROS

Cuando nos hablan de películas en las cuales sus historias se desarrollan en la cárcel, llega a nuestra mente, filmes como La Evasion de Jacques Becker; El condenado a muerte ha escapado de Bresson; White Heat de Raoul Walsh; Brute Force de Jules Dassin, los cuales son grandes dramas carcelarios, obras maestras del genero, en donde se veia la union de los grupos de presos, que luchan y trabaja para un objetivo en común, pero en el mundo carcelario al igual que el extramuros, existe la división, por grupos, la lucha por obtener el territorio, y la supremacía, siendo películas más actuales, y tal vez más cercanas a la realidad, como American Me; Sangre por sangre; son los que mejor demuestran las diferencias entres los clanes.

Un prophète, dirigido por Jacques Audiard, va por el segundo tipo de películas carcelarias, es decir, en describirnos un grupo de hombres que se devoran unos a otros, los cuales luchan por el poder en el ese pequeño universo en el cual están encerrados, realizando una de las pequeñas joyas del cine francés contemporáneo.

La historia tiene inicio, con la llegada de Malik El Djebena (Tahar Rahim), un joven de ascendencia Arabe,sin educción, totalmente perdido en ese nuevo mundo, será obligado por Cesar jefe de la mafia de Corsa, a matar a un preso (Reyeb), que es miembro del grupo de los árabes, por este trabajo tendrá mayor acercamiento con el grupo dominante, que son los Corsos, ganándose poco a poco la confianza de Cesar,

Audiard, nos va mostrando el aprendizaje de Malik, y su transformación en hábil comerciante, se convertirá en un hombre, que no tendrá bandera, ya que si bien es un árabe, su grupo lo repudia por ser un sirviente de los Corsos, es así que Malik de caminará en seguro por los pasillos de la cárcel, bajo la protección de Cesar, pero sin la libertad que el quisiera, ya que aun se considera un simple sirviente de Cesar, que es un monstruo que devora todo,no se arrodilla ante nadie, su voluntad se tiene que cumplir, y nada escapa de sus ojos.

Su director, nos transporta a ese lugar, a esa guerra de poderes, y ver quienes sobreviven, con una cámara,que utiliza diferentes planos, sobre todo el subjetivo, que nos brinda la visión de Malik de ese mundo en cual es obligado a vivir, va creando una atmósfera de tensión, mostrándonos los actos preparatorios de Malik, en donde deja la sensación en el espectador que algo muy pronto esta por ocurrir; Audiard no toma partida, tan sólo es el narrador de esta historia, y nos la cuenta describiendo y presentando a cada personaje en su total desnudes, en Un prophète, no existe el bien y el mal; ni mensajes; ni ninguna moraleja que contar, tan sólo la historia de una guerra secreta, desarrollada detrás de los muros.

WENDY AND LUCY (2008)

EL NEORREALISMO AMERICANO

Kelly Reichardt, se ha convertido en poco tiempo en una de las directoras norteamericanas, de mayor interés en el cine americano, con su primera película River of Grass, daba muestras de su gran talento para dirigir, teniendo un mayor reconocimiento con Old Joy, una estimulante película sobre la relación dos viejos amigos.

Wendy and Lucy, nos cuenta la historia de Wendy (Michelle Williams), una chica desempleada y su perra Lucy, tendrá como plan dirigirse a Alaska, para conseguir trabajo, poniendo todas sus esperanzas en este plan trazado por ella, pero en el trayecto su coche sufre un desperfecto, por lo que tendrá que hacer una larga parada en el pueblo, lo que complicará aun más sus situación, ya que se encuentra ajustada de dinero, obligándola a robar comida para su perra, siendo descubierta por uno de los empleados, por lo que es llevada a la comisaria, al ser liberada, regresa al lugar donde dejo a Lucy, dándose con la sorpresa que esta ha desaparecido.

El film tiene como punto narrativo, un momento especifico de la vida de una sobreviviente de la actual norteamerica, víctima de la incertidumbre y el desempleo, Wendy busca un mejor futuro para ella en Alaska, tiene todo sus esfuerzo puesto en realizar en dicho viaje, ya que considera como el único lugar en donde pueda vivir con dignidad, teniendo como única amiga a su perra Lucy.

Reichardt, nos cuenta la historia de una luchadora, pero desprovista de cualquier artificio, contada de una manera objetiva, sin tratar de hacer ningún juicio de valor sobre la protagonista, no nos hablan de una gran lucha épica (esas con las que se escriben la historia), tan sólo nos narran la vida de una pequeña mujer que tiene un sueño (Alaska), y una perra que se llama Lucy, una mujer anónima que tiene una historia como cualquiera,que la vemos caminar sin importar que se trata de una luchadora, de una heroína de nuestro tiempo.

Nuestra heroína bebe de los personajes que nos regalaron los maestros del neorrealismo italiano, personajes como Umberto D. y El Ladrón de Bicicletas, historias de hombres abatidos, víctimas de las circunstancias, que su día a día es una constante lucha para sobrevivir, pero ahora trasladada a una norteamérica, en donde el sueño americano es para unos cuantos.

Es así que Reichardt, a través de su cámara construye una película conmovedora, en donde los silencios, esa mirada de desconcierto y tristeza de la protagonista, nos trasmiten más que las palabras, Wendy llena todo el film, es ese héroe solitario y anónimo, que nunca ni queremos ver, una pequeña historia, pero una gran película, para estos nuevos tiempos cada vez más duro y cruel.

A SERIOUS MAN (2009)

SI DEL CIELO TE CAEN LIMONES ...

Los hermanos Joel y Ethan Coen, son considerados por una parte de la critica como autores y por otros como simples artesanos, su cine siempre desde sus inicios, son lecciones del lenguaje cinematográfico, el uso de los planos, ángulos, movimientos de cámara, y una excelente fotografía,demostrando una gran técnica, y que aprendieron muy bien sus lecciones en la Escuela de Cine, en donde muchas veces se pierden en este virtuosismo técnico, y se olvidan en como contar la historia.

Para el que escribe, estamos ante verdaderos autores, si bien existen excesos en su cine, tienen algo que no se aprende en ninguna Escuela de Cine, el talento, un talento especial por la comedia, esa extraña forma de contar historias tristes, que por otros podrían ser grandes dramas, los Coen le dan la vueltas, y con ese humor negro y ácido, nos otorgan grandes películas,algunas más dentro de la comedia, otros dentro del cine negro, pero sin dejar de lado esa vena cómica, todas sus películas desde sus inicios tiene ese sello, que lo pulen en cada nuevo trabajo.

A serious man, candidata al Oscar a mejor película del 2009, trata sobre el maestro judío Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg), que tiene una vida tranquila, tanto profesional como familiar, pero de un momento a otro, todo su mundo se trastoca, siente que habido un engaño, su esposa le comunica que quiere el divorcio porque esta enamorada de otro, un alumno trata de sobornarlo, y no entiende verdaderamente cual es el sentido que lo que esta pasando, en donde se hará preguntas sobre lo que le ocurre, ¿Será una prueba de Dios?, ¿cual es el propósito de Dios en darle esta prueba?, o ¿simplemente no hay respuesta?.
Los Coen, en esta ocasión, no se pierden en ese juego técnico de la cámara, esta tiene un rol importante en la narración de la historia, las imágenes que nos brinda el film, son cautivantes, hasta las escenas que parecen más superficiales, tienen una gran trascendencia en la trama,no existe ni una toma demás, ni forzada, sólo vasta recordar la escena en el tejado, en donde nos muestra en toda su dimensión a este hombre promedio, que se encuentra perdido, en su propio laberinto.

Aunque su historia, podría ser un drama, por el doloroso camino que tiene que recorrer el protagonista en busca de una respuesta, los Coen le imprimen ese humor particular, asimismo esa particular mirada del mundo judío, otorgándonos una gran comedia,con un mensaje tan simple que contiene una gran sabiduría, juegan con la certeza y la desmantelan, la incertidumbre esta presente en todo el film, las respuestas no existen tan sólo preguntas, y los Coen se burlan de ellas, estamos ante una de las mejores películas realizadas por estos talentos hermanos, que han hecho un film redondo.

LA CARRETERA (2009)

ENTRE CANIBALES

Dirigido por John Hillcoat, adaptación de la novela de Cormac McCarthy (autor de No Country for Old Men), la historia nos sitúa en un mundo post-apocalíptico, en donde un cataclismo ha desvastado el planeta, un mundo agonizante, los arboles muertos caen, el cielo es gris, las cenizas cubren la tierra.

La historia no nos da mayor detalle sobre el origen del cataclismo, tan sólo vemos los resultados, y lo que ha ocasionado a la humanidad.El director nos introduce dentro de este mundo caótico desde un inicio, rodeado de muerte y desolación, poblado de hombres que se alimentan de hombres, la civilización se ha extinguido, tan sólo quedan sobrevivientes, que luchan por vivir un día más, la película nos cuenta la historia de dos sobrevivientes, un padre(Viggo Mortensen)y un hijo(Kodi Smit-McPhee),que irán en busca del mar,para encontrar un lugar, pero para eso tendrán que ir por la carretera, la cual se ha convertido en una ruta peligrosa, en donde transitan los cazadores caníbales y ladrones.

El padre protegerá a su hijo, de cualquiera y de cualquier peligro que se le atraviese, le enseñara, lo que fue el mundo antes del cataclismo y como debe ser sobrevivir en un mundo salvaje, se auto denominará ¨el portador del fuego¨ , tratará de proteger el último vestigio de humanidad (su hijo), pero ¿hasta cuando?, todo se hace pedazos a su alrededor, se mantiene de pie por la esperanza, pero cada días estas son menos, por lo que siente, que la humanidad esta condenada a perecer, convirtiendo a su hijo en su rehén.

Hillcoat, lo que realmente nos cuenta no es la destrucción del mundo, sino la agonía de humanidad, la extinción del ser humano como lo conocemos, es la lucha de conservar la humanidad, y es lo que representa el niño, que no entenderá a su padre, por mas que trate de protegerlo, su perdida de fe, nos va narrando a través de Flash back, el pasado de ambos, con una escena sobrecogedora, como la escena de la despedida.

La carretera, es una película interesante, que tiene un gran trabajo de fotografía, para describirnos a un mundo moribundo, en donde deambulan hombres que han perdido la humanidad y otros que tratan de conservarla, además con grandes actuaciones de Mortensen y Kodi Smit-McPhee.

THREE O´CLOCK HIGH (1987)

NO SE PUEDE ESCAPAR DEL DESTINO

La comedia juvenil de los 80, esta representada por títulos emblemáticos, como The Breakfast Club; Fast Times at Ridgemont High; The sure thing; Adventures in Babysitting; Ferris Bueller's Day Off, que constituyen filmes de culto, para los admiradores de este tipo de cine, en donde vemos a los jóvenes protagonistas enfrentarse a los adultos y muchas veces a los abusivos de la clase,no dejando de lado las escenas románticas, son películas que tienen además de comedia, romance y acción.

Three O'Clock High, es una de las mejores comedias juveniles de los 80, con escenas muy divertidas, con una colocación y movimientos de cámara, que no sólo permite que nos entregarnos con la historia sino que disfrutemos visualmente de esta, la película está escalones más arriba de las típicas comedias juveniles.

Jerry Mitchell,un nerd de la escuela, que es el reportero del diario escolar, le es asignada un articulo, sobre un nuevo compañero Buddy Revell, el cual corre el rumor que no le gusta que lo toquen, y que tocarlo es una sentencia de muerte, es así que Jerry, decide saber la verdad de tales rumores, comprobando que es cierto para su desgracia, ya que Bubby señalara la hora y lugar de la pelea entre ambos (Masacre para Jerry), con estas palabras de Bubby, Jerry sabrá la hora y lugar de su fallecimiento.

Jerry hará todo lo posible para escapar de su terrible destino, pero todo esta en contra, comienza a entender que su suerte esta echada, que nada puede hacer cambiar su destino, como si se tratara de una tragedia griega, el joven protagonista tendrá que enfrentarse sólo ante un duelo desigual, como el propio Gary Cooper en High Noon .

Su director Phil Joanou, no sólo se preocupa de contar una historia divertida, con un buen ritmo, con escenas cómicas antológicas, sino que logra mediante el excelente uso de las cámaras, que el espectador perciba las sensaciones del protagonista, por lo que estamos ante una comedia diferente dentro del género, basta recordar, los ángulos picados que enfocan el reloj, el cual va señalando que se acerca cada vez mas la hora de la pelea, en donde se ve a un Jerry abatido por su destino; también están los planos de los pasillos de la escuela; la escena del gimnasio, estamos en otras palabras ante un pequeña joya de los ochentas.

THE HURT LOCKER (2008)

CAMINANDO CON LA MUERTE

Kathryn Bigelow, es una directora, que ha sabido batallar muy bien y salir muchas veces librada, en un mundo dominado por los hombres, como es el de la dirección, y sobretodo en el genero de acción, las películas de Bigelow, siempre es interesante el tratamiento de los personajes y de la historia que cuenta en particular, hay un transfondo en lo que nos cuenta, desde sus primeros films como Viajeros de la noche,es una Road movie, con aires de western con vampiros; Azul acero, un tenso thriller policial, de lo mas recomendable y olvidado; Point Break, su película más conocida, siendo un referente de los Films de acción de los noventa; Días extraños, para nuestra opinión se trataría de la mejor película de la directora, un policial de ciencia ficción, que ronda en el cine negro, tal vez muchos la critiquen como una copia de Blade Runner, pero ambas van por terrenos distintos.

La directora, ingresa al genero del cine bélico, pero no entra dentro de los códigos de este tipo de genero, en donde hay una escaza acción, ya que no existe prácticamente enfrentamientos, los cuales se resuelven en unos cuantos disparos, Bigelow construye su película a través de escenas de enorme tensión, desarrolladas por el trabajo de que tienen que realizar los protagonistas.

El film, narra las últimas semanas de una brigada especializada en la desactivación de bombas en Irak, en un inicio nos muestra al sargento Thompson (Jefe del grupo), el sargento Sanborn (Anthony Mackie) y el especialista Eldridge (Brian Geraghty),en un día cotidiano, en donde no preven que pase algo extraordinario, pero esto ocurre y el jefe de la unidad muere, y es sustituído por el sargento James (Jeremy Renner).

Sanborn y Eldridige, tienen la misión de proteger al imprudente Sargento James, pero esta misión siempre encontrara problemas, por el actuar temerario de James, que los pondrá continuamente en peligro, ocasionando conflictos entre ellos, mostrándose el verdadero peligro de la adicción a la guerra, el jugarse el día a día la vida, sabiendo que cada nueva misión puede ser la última.

Se nos va presentando y describiendo a los personajes principales, los cuales tienen distintas personalidades, que son obligados a convivir y protegerse mutuamente, Sanborn es el racional que detesta el trabajo que hace; James es el imprudente que busca el dulce sabor del triunfo; Eldridige que batalla entre estos dos personajes, que tan sólo quiere sembrar césped a su regreso.

Bigelow, elabora una de las películas bélicas más sugerentes de la actualidad, con una gran fotografía, y un gran trabajo de cámaras, que nos transmiten la tensión, la angustia de los protagonistas, en esa larga caminata hacia la muerte, nos mete en la piel de los personajes, en el transcurrir de sus vidas en un lugar caótico, donde te muestra una sonrisa mientras te lanza golpes, en donde la muerte esta dispuesta a recibirla en cada paso que dan, en una guerra en la cual el enemigo esta esperando en las sombras, el momento de cualquier error que exponga en evidencia tu debilidad, Bigelow logra uno de sus mejores trabajos, y que posiblemente sea una de las candidatas con fuerza en la carrera de El Oscar.

INVICTUS (2009)

SOY EL AMO DE MI DESTINO

Cuando me entere que la nueva película de Eastwood, tomaría un episodio de la vida Nelson Mandela cuando ocupó la presidencia de Sudafrica, especialmente con la copa mundial de Rugby del 95, no fue algo que me haya entusiasmado, no le veía mucho material, para contar una historia interesante, bueno después de haberla visto, tengo que decir que el film es muy estimulante, esto se debe a que Eastwood, cuenta una historia, que podría ser un telefilm, pero renuncia a esto, ya que su director centra en contar la historia de dos hombres de una manera objetiva, escéptica y contenida, quitando cualquier atisbo de efectismo melodramático.

Nelson Mandela (Morgan Freeman) llegó a la presidencia de Sudáfrica, dos años después de ser liberado de la prisión, por más de 25 años, un hombre que vivió un cuarto de siglo en prisión, que sufría en silencio la división de su país, sintiendo la responsabilidad de unir a dos pueblos tan divididos, eliminar las fronteras del odio de sus compatriotas, tanto como negros y blancos, pero por donde empezar, como se puede olvidar tanto años de odios y prejuicios, es entonces que Mandela encuentra la respuesta, la cual esta en el lugar más insospechado, en la selección de Rugby de Sudáfrica, un equipo como sus colores constituía para los negros sudafricanos en un símbolo de opresión, es a partir de este equipo en que Mandela tiene la esperanza de unir a su país.

Las últimas películas de Eastwood, se han convertido en clases maestras para enseñar como se debe dirigir, como se debe contar una historia, a Eastwood sólo necesita unas cuantas escenas para describir a sus personajes, utiliza las palabras necesarias, nos llevando con la cámara, para que seamos testigos, de un hecho imaginable de un milagro realizado por dos hombres que tenia una misión, un sólo sueño, que se volvió el sueño de toda una nación, no toma partido por nadie, tan sólo quiere contar una historia, una historia que debe ser contada, el día en una nación se puso de pie y olvido sus diferencia, uniendo sus voces en un solo grito.

La historia huye de lo político, huye de la sensiblería, huye de todo aquello que pueda distraer al espectador, se centra en lo que realmente nos quiere contar, es una película directa que tiene un norte desde el principio y que nunca lo pierde, las historia que cuanta Eastwood son solidas, principalmente por la forma en que las cuenta, es aun director que su director que utiliza muy bien las cámaras, los planos, para poder transmitir emociones.

No se trata tal vez de uno de los mejores trabajos como director, pero como ya lo dije, se trata de una lección de cine, hecha por uno de los grandes maestros del cine de la actualidad, por lo que cada film que haga siempre interesante de ver, un continuo aprendizaje de un hombre que no renuncia y claudica en contar historias que él considera necesario contar.

EL SECRETO DE SUS OJOS (2009)

LA PASIÓN QUE NUNCA CAMBIA

Juan José Campanella, no es director al cual, tenga una admiración particular, me parece que las características de su filmes, tiene que ver con lo cotidiano, el día a día, de un hombre común, en donde nos presenta sus alegrías, tristezas, contadas en una manera amable, y con una gran fluidez, que hacen que sus películas se han muy accesibles al público, en algunas ocasiones, satura con el melodrama como es el caso de La luna de Avellaneda, en otros puede lograr conmover y emocionar sin llegar a ese extremo, como en El hijo de la novia,a ninguna la pondría en la categoría de gran cine, como ya dije Campanella, hace películas amables, que logran su propósito, el cual es entretener.

Esta última película de Campallena, toma otro registro, deja la comedia romántica, y se embarca al Thriller, y no lo puedo negar lo hace muy bien, el film nos cuenta la historia de Esposito (Ricardo Darin), un antiguo secretario de un Juzgado, que en su época de retiro, tiene la necesidad de escribir una novela, de un crimen que nunca fue resuelto, el cual fue la violación y asesinato de una joven, los recuerdos son para él muy vivos, por lo que esta decidido a terminar la novela y saber como termina la historia, por lo que tendrá que recorrer en su pasado, y buscar a una amiga que amaba en silencio, la juez Irene Menéndez (Soledad Villamil), por lo que producirá en Esposito el renacimiento de su amor por ella.

Para Esposito, existe algo especial en la historia que quiere escribir, más que la violencia del crimen, el ve el amor y anegación que siente el viudo hacia su esposa, para Esposito es la prueba palpable que el amor existe, aunque él considere que le esquivo, ya que Irene se va casar con otro, y no puede hacer nada para evitarlo, por la sencilla razón, de que nunca le confesó sus amor.

Como en toda película de Campanella, el humor siempre esta presente, estando a cargo de la cuota de humor, Guillermo Francella, que hace de un secretario alcohólico, que ve el lado positivo, la escena del bar, en donde se descubre la verdadera pasión del sospechoso, es sencillamente delirante, su director muestra un talento para pasar del drama a la comedia, con facilidad, que entusiasma. Uno de los puntos más altos del film, es el plano secuencia que se inicia con el acercamiento al Estadio de Fútbol, logrando un clima de tensión en el espectador, aderezadas con algo de humor.

Campanella, le da importancia a las miradas, esas que nos dicen todo, mientras nuestras boca pronuncia palabras, nuestros ojos, dicen lo que sentimos, otro gran acierto del film, nos descubre a un director maduro, que no se queda en grandes discursos que no dicen nada, sino quiere trasmitir a través de las imágenes, no es necesario que el protagonista grite el amor, nosotros lo podemos ver, la escena final es un ejemplo de ello, en esta ocasión, puedo decir que Campanella a realizado una gran película.

(500) DAYS OF SUMMER (2009)

ADVERTENCIA: NO ES UNA HISTORIA DE AMOR

La película en cuestión, es una grata y refrescante sorpresa del comienzo de año, conforme transcurría la historia, me ponía a pensar, en los distribuidores de Films del Perú, sinceramente no entiendo la razón, de traer gran cantidad de películas carecen de total interés dejando de lado a esta muy buena comedia ¨romántica¨, que trata del desamor.

Su director Marc Webb, en su primera película a realizado un trabajo extraordinario, desde el inicio nos cuenta como va a terminar, bueno la historia es muy conocida, chico conoce a chica, en este caso el chico se llama Tom (Joseph Gordon-Levitt), y la chica Summer (Zooey Deschanel), pero se nos dice que no estamos ante una historia de amor, Tom trabaja en una empresa dedicada a confeccionar tarjetas de felicitaciones, siendo un creyente del amor, al contrario de Summer que considera el amor, una ficción, algo que no existe, ni nunca existió.

La película inicia con el rompimiento de Tom y Summer, en donde Tom es que lleva la peor parte, ya que aun sigue enamorado de Summer, es así que somos testigos de la reconstrucción de su relación desde que se conocieron, el rompimiento el post rompimiento y la despedida, en donde hay momentos dulces y románticos, otros tristes y dolorosos.

El director, disecciona la relación de ambos, sin tomar partido, presentándonos a dos personajes diferentes, que encuentran puntos en común para iniciar algo juntos, pero claro el inconveniente es la percepción que tiene cada uno de su relación, Tom no acepta que el ¨amor¨ de su vida, no sea Summer, y tratará de lograr recuperarla, una de las escenas geniales, es cuando, Tom va a la fiesta de Summer después de rompimiento, en la cual divide la pantalla, mostrándonos las expectativas (De Tom) y lo que sucede realmente.

La narración no es de forma lineal, nos traslada diferentes días sin orden cronológico, en donde nos muestra los momentos más importantes de la relación, esto hace que la película sea contada de una manera ágil y dinámica, acompañados por las buenas actuaciones de sus protagonistas, además de sus geniales en algunos momentos duros y conmovedores.

Conforme avanza el film, somos testigos de los cambios de Tom de un total creyente del amor, a un defensor de la inexistencia de este, se trata de una de las comedias más inteligentes, agudas, de los últimos años, esto reafirma mi apreciación de que los Estadounidenses son los reyes de la comedia en la actualidad.

LOS LIMITES DEL CONTROL (2009)

¿UD. NO HABLA ESPAÑOL, VERDAD?

Jim Jarmusch, es un director americano que tiene gran influencia en el cine europeo, en particular de Bresson, Antonioni, Godard, pero sin dejar de lado el cine clásico de Hollywood, pero con una mirada particular del cine y sobretodo de la música.

La historia, es sencilla, un hombre de ascendencia africana, del cual nunca sabremos su nombre, en los créditos a la final del film, aparece el nombre del personaje como el hombre solitario, bueno el protagonista, inicia su viaje de Francia a España,pero antes tendrá una entrevista con un criole francés, produciendo un intercambiaran cajas de fósforos, este intercambio de cajas de fósforos, se producirá a lo largo de la película, en distintos días y personas, y cada uno hará la primera pregunta, ¿Ud no habla español, verdad? , para lo cual la respuesta es siempre la misma, todos estos personajes, expondrán sus ideas particulares sobre la música, el cine, la ciencia, la bohemia.

La película, es presentada como un thiller, dentro del genero de espías e intriga, y conspiraciones, en donde su director no nos presenta el glamour de este tipo de cine, como las persecuciones, el seguimiento, peleas, tiroteos, tan sólo nos deja la incertidumbre sobre la misión que tiene el protagonista, Jarmusch, ha pretendido realizar un Film de intriga despojándola de todos los elementos característicos de esta, para presentarnos una película, en donde vemos los tiempos muertos, no vemos la acción del que va a cumplir una misión, sino la espera, sus viajes a museos, o sitios turísticos, y su practica de Tai chi.

Jarmusch, construye la historia principalmente por su puesta de escena, la preparación de los actores, en sus movimientos, y en sus silencios, la entonación y ritmo de sus palabras, su director, da más importancia al sonido, a la musicalización de las palabras que al propio texto, no es importante lo que se dice sino como se dice, el guión sirve de base para partir de una idea, pero es la puesta en escena donde entendemos o creemos entender la intención de su director, el cual es contarnos otra película mas de intriga, pero en la manera particular como ve el cine, donde cuando las palabras no son importantes, quedando sólo el poder de la imaginación.

El hombre solitario, es la unión de varios personajes de las películas de Jarmusch, podemos encontrar a William Blake de Dead Man, ya que ambos realizan un viaje que es desconocido tanto para los espectadores como para ellos mismos, también vemos la disciplina y preparación para su misión al igual que Ghost Dog, el impertérrito rostro de Bill Murray en Flores Rotas, es un personaje solitario, silencio y sin nombre, que como un juego va avanzando poco a poco a su meta, para luego desaparecer.

Jarmusch, que no deja de sorprender con cada nueva película, sigue siendo fiel asimismo, a esa manera tan particular de ver el cine, conservando su talento para saber transmitir su visión a través de imágenes y sonidos, a ser partícipes a los espectadores de las historias que cuenta, en tratar de usar ese gran don que es la imaginación.

HACE MUCHO QUE TE QUIERO (2008)

EL REGRESO DE JULIETTE

Escrita y dirigida por el novelista francés Phillippe Claudel, haciendo su debut en el cine,en el cual nos entrega una obra notable, sutil, y conmovedora la, que constituye una desborde de emociones entremezcladas, amor, rencor, dolor, alegría, tristeza.

La historia es sobre una ex convicta llamada Juliette (Kristin Scott Thomas), la cual sale en libertad después de pasar quince años en la cárcel, Léa (Elsa Zylberstein)que es su hermana de menor, la recoge de la cárcel, para llevarla a vivir con su familia, conformada por su esposo y sus dos hijas adoptivas (de origen vietnamita), Juliette ha sobrevivido estos 15 años, construyendo un muro a su alrededor, para alejar a los demás, y olvidar su dolor, pero ahora en libertad, no sabe como regresar a su vida anterior, una vida que ha intentado todos esos años en olvidar, pero tal vez pueda encontrar un motivo para regresar.

El director, va develando poco a poco, el secreto de Juliette, de una manera tan sutil, que nos muestra la gran sensibilidad de su director, al momento de contar la historia, la película se va armando de nivel en nivel, es impresionate la forma como maneja de los tiempos narrativos, las elipses, si bien se trata de una película construida con pocos diálogos, silencios, un ritmo pausado, es una película dinámica.

La contiene escenas memorables, como la escena en que se conoce el crimen que cometió la protagonista, es sencilla e impactante, entonces la interrogante es cada vez mayor, ya que conforme uno va conociendo Julietta, no puede entender los motivos que le llevaron a cometer el crimen, otra gran escena es tratada cuidadosamente, es cuando Juliette lee el diario de Léa, es realmente conmovedora.

La cámara sigue a la protagonista, la cual en un inicio es fría y alejada, pero que poco a poco va bajando la guardia, y se enamorándose de las hijas de su hermana, pero Julietta aun continua alejada, todavía no decide regresar, el dolor permanece y dolor de olvidar y haberse sido olvidada, pero se dará cuenta que durante los años de prisión se engaño, porque si había alguien que la esperaba, y que aun la sigue esperando.

Gran merito de la película cae sobre los hombros de una extraordinaria actriz Kristin Scott Thomas, es impresionante lo transmite su actuación, con miradas, gestos, con un simple esbozo de sonrisa, con su silencio, nos dice todo.

Como ya dije se trata de una película notable, con gran trabajo de dirección, nos conmueve y emociona, nos sumerge poco a poco en la historia, en ese extraño viaje que realiza Julietta para regresar a casa, sabiendo que no importa el tiempo que a uno le tome regresar, cuando siempre hay alguien esperando.