domingo, 31 de mayo de 2009

EL ROBO DEL REMBRANDT (2003)


REMBRANDT Y LA LEY DE MURPHY

El cine danés ha sido desde los comienzos uno de los cines más influyentes hasta nuestros días, con directores como Carl Theodor Dreyer, Benjamin Christensen y, ahora último Thomas Vinterberg y Lars von Trier, que dieron origen al movimiento conocido como Dogma 95, si bien fue un movimiento discutido por gran parte de del mundo cinematográfico, no se puede dejar e lado el afán de cambio e innovar de este movimiento, aunque la presente película deja de lado cualquier corriente antigua o reciente del cine danés, siguiendo un estilo ajeno a su cine.

Con el título original Rembrandt, basado en un hecho real ocurrido en 1999 en Dinamarca, su director Jannik Johansen utiliza el estilo narrativo de los policiales de americanos, en donde los protagonistas son un grupo de ladrones, presentándonos el dilema en que se encuentran y la forma como tratan de eludir a la policía. Todo se inicia cuando Tom (Jakob Cedergren) es contratado par robar un cuadro de un museo, lo cual lo hace sin ninguna dificultad con la ayuda de un amigo, pero el problema es que el cuadro robado no es solicitado, siendo la única pintura de Rembrandt en Dinamarca, una rareza para el mundo del arte, teniendo una gran valor económico, lo que será complicado vender un cuadro tan famoso.


Esto obligara a Tom a pedir a su padre Mick (Lars Brygmann) un ladrón casi retirado que esta a un pie de ir a la cárcel, ya que es constantemente acosado por su policía custodio, pero aun así decide ayudara su hijo y amigos del problema que se encuentran. La película es llevada en tono de comedia donde cada nuevo fracaso o error de los protagonistas producirá hilarantes situaciones, es que cuando las cosas parecen que no pueden seguir saliendo mal salen peor de lo esperado.

Pero esto no quita la película tenga una cierto dramatismo con respecto a los personajes, sobretodo con la relación de padre e hijo entre Mick y Tom, abordando muy bien los matices entre el drama, la comedia y suspenso por su director, mostrándonos los conflictos que sufren, la lealtad entre los protagonistas, y lo que uno es capaz de sacrificar por el otro, una película que mantendrá en atención al espectador, además de contar con un gran final, siendo una buena muestra del cine danés contemporáneo.

sábado, 30 de mayo de 2009

UN ACTE D´AMORE (1953)


VICTIMAS DE LA GUERRA

Coproducción franco estadounidense, con el título original Un acte d´amore, siendo su título en los Estados unidos Act of love, dirigida Anatole Litvak que ya habíamos comentado hace poco aquí Decision Before Dawn, que al igual que esta, su historia se desarrolla en la segunda guerra mundial, pero a diferencia de esta última no nos encontramos ante una película del genero bélico, sino mas bien ante un melodrama, que tiene lugar en París liberada por el ejercito aliado.

La historia se inicia en un balneario francés, donde un hombre pide una habitación, la cual describe con total exactitud, sin haber estado nunca ahí, llegando en ese momento los recuerdos cundo se encontraba en París, ese hombre es el Robert Teller (Kirk Douglas), que fue un soldado que se encontraba estacionado en París durante la segunda guerra, esperando nuevas ordenes, dedicándose simplemente a pasarla bien.

Es así, que la historia que se cuenta es un largo flashback, que nos muestra a un hombre que no le encuentra ningún sentido el amor, siente que el amor no existe o que no existe alguna mujer que el llegue amar de verdad, hasta que obligado por las circunstancias conocerá a Lise Gudayec (Dany Robin), que la hará pasar por su esposa, compartiendo el mismo cuarto.

Teller encontrara en Lise una alma noble, que necesita protección, sintiéndose cada vez más comprometido en ayudarla, pero a veces las cosas nunca salen como uno espera, es un film dirigido con buena mano por Litvak, mostrando el amor y tribulaciones de una pareja que luchara contra los prejuicios, la desaparición, angustia, desencanto de una Francia destrozada después de la guerra, donde nos encontraremos diversas actitudes de los franceses con respecto a liberación de París.

Dany Robin nos entrega una gran interpretación de Lise, ella es el centro de la película, representa a esa Francia mancillada y humillada por la guerra, donde hay heridas que aveces no se pueden curar por el tiempo ni el amor, tanto Lise como Teller sentirán por primera vez en sus vidas que la felicidad no es ajena para ellos, pero el camino no sera fácil.

sábado, 23 de mayo de 2009

DOWN ON THE FARM (1938)


¨CINCINNATI¨ JONES PARA SENADOR

Es una comedia con metraje de un poco más de una hora, pero con una ritmo dinámico, para contarnos la historia de John Jones (Jed Prouty), que un Alcalde de un pueblo, que en un primer momento tiene todas intenciones de de participar y ganar en el concurso de cosechar maíz, en donde su cuñado Herbert Tompson, será el que coseche el maíz, algo que a él no le gustará mucho, ya que lo hace entrenar mañana tarde y noche, por lo que se le ocurrirá que su cuñado John seria un buen candidato para el senado de los Estados Unidos, es aquí donde empiezan los problemas para John.

Todo para el protagonista se volverá confuso, al no tener como llegó a ser candidato al congreso sin proponérselo, pero también se encontrará obligado a participar en el concurso, al encontrarse sospechosamente lesionado Herbert.

Pero lo sorprendente de esto es que cada día tendrá más chance para ganar las elecciones, con el apelativo de ¨Cincinnati Jones¨, aunque su familia se siente feliz por esto, él no lo tomará como mucho entusiasmo, ya que sólo quiere descansar, pero un cierto acontecimiento lo hará cambiar de opinión.

La película muestra a una familia campesina común de los Estados Unidos, de una manera pintoresca, al igual que su vecinos, en donde no se encuentran contaminados por los vicios de la gran ciudad, es tal vez es una temática muy usada en diversas películas, pero si es bien llevada se puede lograr un producto entretenido sin caer en recursos burdos.

La historia es rápida divertida, sencilla, sin complejidades, ni mensajes profundos, hecha con la simple intención de entretener, teniendo personajes divertidos como la tía Ida, que solucionará cualquier altercado con su escopeta, Herbert un vago que sólo piensa en comer y beber, y que no quiere cambiar su forma vida por nada, siendo justamente la razón que todo se desencadena. Es por estos motivos que la película logra plenamente su cometido, que es el de entretener, ademas cabe destacar que tuvo secuelas esta pelicula, en donde la familia Jones seria la protogonista.

miércoles, 20 de mayo de 2009

DECISION AL AMANECER (1951)


NO HAY TRAICIÓN CUANDO UNO ES FIEL A SUS IDEALES

Decision Before Dawn, dirigida por el siempre competente director ruso Anatole Litvak, que nos ha dado muestra de su talento detrás de las cámaras en peliculas tales como Out of the Fog; Sorry, Wrong Number; The Snake Pit; Anastasia; The Night of the Generals y Un acte d'amour , que constituyen dramas, teniendo diferentes escenarios como la cuidad y la guerra.

Protagonizada por Oskar Werner, actor de películas clásicas, Jules at Jim; El espía que surgió del frio; Fahrenheit 451 y Las sandalias del pescador, no tuvo una carrera muy prolija, como tal vez se merecía, pero nos dejo grandes actuaciones en las películas antes mencionadas, en la presente.

La historia tiene lugar en la segunda guerra mundial, en una prisión de soldados alemanes, en donde algunos son reclutados como espías de los aliados, para brindar información sobre los planes del ejercito alemán, los que son visto como traidores de su país, siendo despreciados y juzgados, uno de estos reclutas es Karl Maurer (Oskar Werner), conocido como Happy, un joven soldado que sentirá que la política de la Alemania Nazi está equivocada, y que es necesario acabar con dicho régimen, para salvar a su país.


La película va narrando el entrenamiento que es sometido Happy, en donde se mostrará su predisposición a ayudar a la causa de los aliados, pero con la desconfianza de sus captores, pero encontraran en Happy en el mejor candidato para una importante misión, es así que inicia su viaje de retorno a su país, para ayudar al adversario, aunque los obstáculos se interpongan en sus camino, sólo tiene la única idea de cumplir con su misión.

Dirigida de manera notable por Litvak, encontrando en esta lo mejor de su cine, que trata sobre el drama de un soldado que puede ser visto como un traidor, pero que lo único que busca es la paz, y la reconstrucción de sus país, desbastado por la locura de la guerra, es justamente en la forma como presenta al personaje, que es el sustento de la película donde consiste el,gran trabajo de su director.

lunes, 18 de mayo de 2009

LUST FOR GOLD (1949)

PRISIONEROS DE LA AMBICION
La ambición sobre el oro ha sido llevada a la pantalla en películas como El tesoro de sierra madre, El oro de Mackenna, Cielo amarillo, en donde las amistades y pactos quedan rotos por la ambición, llegando consecuencias trágicas, Lust for gold, traduciendo el titulo al español seria algo así como la Lujuria por el oro, estaría dentro de las caracterices de las películas antes citadas, donde la ambición es el eje que mueve a los personajes, produciéndose traiciones y desconfianzas entre ellos.
Película dirigida por S. Sylvan Simon, y protagonizada por Glenn Ford e Ida Lupino, la historia se inicia en el presente (1948), cuando Barry Storm ( William Prince) quien es el nieto de Jacob 'Dutch' Walz (Glenn Ford), llega al pueblo para conocer sobre su pasado y sobretodo de su abuelo, se produce el asesinato de un viajero, siendo informado que se han producido varios asesinatos, debido a la búsqueda de una mina de oro que pertenecía a Jacob Walz, intrigado de este hecho decide investigar más sobre la mina de oro.


La película es narrada con un largo flashback, que nos presentara la vida de Jacob Walz, quien no es bien visto por los demás miembros del pueblo al ser un inmigrante, y más aun, cuando descubre la mina de oro, por lo que tendrá que eludir a los pueblerinos par que no descubran donde se ubica su mina, pero Walz se enamora de Julia Thomas (Ida Lupino), casada con Pete Thomas (Gig Young), pero no impedirá que inicien un romance, siendo Pete el blanco de las bromas del pueblo.

También está la historia sobre la investigación policial de los asesinatos que es contada paralelamente, ya ambas guardan relación, además que Barry Storm, es atrapado por la fiebre del oro, por lo que su vida se encontrará en peligro.
Es un western que muestra el lado oscuro del ser humano, narrada con un buen ritmo, contando las historias de manera alternada, con una gran final , en donde las ambiciones y sueños, es mejor dejarlos de lado, porque se puede convertir en nuestra perdición, una buena película por descubrir.

domingo, 17 de mayo de 2009

SALVE EL HEROE VICTORIOSO (1944)


SE NECESITA UN HEROE

Título original Hail the Conquering Hero, comentar esta película es simplemente una mera excusa para hablar de uno de los más grandes directores de comedias de la historia, el maestro Preston Sturges, si bien no goza de la fama y reconocimiento bien ganado por cierto de Billy Wilder y Ernst Lubitsch, se encuentra al nivel de estos grandes, fue un director que trato de innovar, con diálogos rápidos e ingeniosos, creando una comedia inteligente.

Fue guionista al igual que Wilder, y por lo mismos motivos decidió dirigir sus propios guiones al ver que los directores no captaban verdaderamente la esencia de sus diálogos, es así que dirigió su primera película The Great Mcginty, una comedia de corte ácido, endiabladamente divertida, la cual obtendría en 1940 el oscar a mejor guión original, dándole con esto la razón a Sturge, que ese era el camino correcto, y fue así que lo hizo, su siguiente película seria la maravillosa Navidad en Julio, una comedia divertida y la mismo tiempo conmovedora, que habla de la superación y la fe en si mismo, después seguirían títulos referentes en la comedia norteamericana como Las tres noches de Eva, Los viajes de Sullivan, Un marido rico, El milagro de Morgan's Creek, demostrando el gran talento de Sturges para contar historias de manera divertida e inteligente.
Aunque si bien la filmografia de Sturges sólo cuenta con doce películas, ocho de ellas son verdaderas delicias del genero de la comedia, encontrándose la presente película Hail the Conquering Hero entre ellas, Sturges como otros directores utiliza siempre un mismo grupo de actores, como William Demarest, Brian Donlevy, Al Bridge y en especial Jimmy Conlin.

La historia se inicia en un bar donde unos soldados encontraran Woodrow Lafayette Pershing Truesmith (Eddie Bracken), un joven que se encuentra abatido porque fue expulsado del ejercito por sufrir la fiebre del heno, sintiéndose un fracasado, que vive a la sombra de su padre un combatiente del ejercito, que es considerado como héroes por su pueblo, y que uno de los soldados lo recuerda con cariño, y es por ese motivo que decidirán ayudarlo, haciéndolo pasar por un héroe ante su pueblo, y no sentirse avergonzado por su frustrante paso por el ejercito.

Ante este descabellado plan, ocurrirán una serie de enredos, llevados con gran habilidad por Sturges, logrando escenas divertidas, y al mismo tiempo la película tendrá un discurso social en contra de los juegos políticos, en utilizar a las personas para conseguir sus fines personales, sin importar la verdad de los hechos, Eastwood tocaria este mismo tema en una menara más dramitica en La bandera de nuestros padres; la película concluye con un mensaje optimista acerca de ser honestos con uno mismo y con lo demás.

sábado, 16 de mayo de 2009

WALK TALL (1960)


UNA MISION POR LA PAZ

El Western nos ha brindado obras maestras como Centauros del desierto, Rió Rojo, Johnny Guitar, Colorado Jim, y los Western de Budd Boetticher, que son verdaderas joyas del genero siendo consideradas peliculas de serie B, la presente película, es un Western que entraría dentro esta categoría, dirigida por Maury Dexter, siendo una pelicula desconocida, de una duración de la rededor de una hora, ya que su historia es sencilla y conocida, a dos semanas de haberse firmado el tratado de paz entre los Estados Unidos y los indios, un ex soldado del ejercito Frank Carter roba y mata a la prometida de un jefe indio (Cuerno de Búfalo), por lo que se encuentra en peligro el tratado de paz entre los indios, ante esta situación el Capitán Trask, lo perseguirá para entregarlo y ser juzgado por el asesinato.

Es así que se inicia la persecución a Carter, pero si bien encontrarlo y capturarlo sera fácil, el problema será los integrante de la pandilla de Carter, que no dejaran que se lo lleven, no por lealtad hacia él, si no por el dinero escondido, además de ser también buscado por el jefe indio Cuerno de Búfalo.

En su camino se encontrará con una víctima de los ataques de los indios, la cual sentirá un gran odio hacia ellos, no entendiendo la misión de Trask, ya que considera que deberían condecorar a Carter por matar indios y no condenarlo, sorprende ver una película de bajo presupuesto con una buena fotografía a color, buenos diálogos, una narración que le imprime suspenso y tensión, es una rareza del western que merece verse.

Hay una escena que me gustaría comentar, es cuando se produce una pelea entre Trask y Carter, en una pendiente, la cámara los va siguiendo como van descendiendo a cada golpe se dan, haciendo uso de un travelling lateral, que me agrado mucho, como ya mencione es una película aun con su corta duración transmite mucho, y cumple con mantenernos atentos a lo que ocurrirá.

viernes, 15 de mayo de 2009

WAR HUNT (1962)


HAY UN ASESINO ENTRE NOSOTROS

La película que significó el debut en el cine de una de una de sus leyendas como es Robert Redford, además también comparte la pantalla con su amigo Sydney Pollack , teniendo un pequeño papel, nadie podría imaginar lo que harían más adelante por el cine, un Robert Redford apoyando y estimulando a los directores jóvenes, siendo una voz con mucha presencia con respecto al cine independiente; en el caso de Pollack, como director nos entregó películas tan recordadas como Tootsie; Los tres días del cóndor; Las aventuras de Jeremias Johnson y Danzad, danzad, malditos, siendo competente en cualquier genero en que se desempeñaba, comedia, drama, aventura, acción, era simplemente un todo terreno, como actor siempre tuvo una buena performance, sin recurrir a la sobreactuación.
La historia se desarrolla en los últimos días de la Guerra de Corea, con la llegada del soldado Roy Loomis (Robert Redford), un joven idealista, que vera la cara más cruel del ser humano, Loomis es una antecedente de Taylor, el personaje interpretado por Charlie Shenn en Platoon, donde la inocencia de ambos personajes se chocan con la dura realidad de la guerra, donde los ideales están demás, lo que importa es un ser un experto en el ¨arte¨ de matar.
Loomis se enfrentará constantemente con otro soldado Raymond Endore, que es considerado por su superior un elemento muy valioso para su escuadrón, siendo una arma letal para los enemigos, con sus rondas nocturnas, considerandose asimismo como un fantasma que no puede ser descubierto por las tropas coreanas, encontrando placer en matar.
El punto de enfrentamiento entre ambos será Charlie un huerfano coreano, siendo Endore su protector, por lo que Loomis conociendo la verdadera naturaleza de Endore, tratará de evitar la influencia que Endore produce sobre Charlie, siendo una tarea bastante difícil. Loomis lo trata como que es un niño, en cambio Endore lo ve como su sucesor.
El Personaje de Charlie guarda similitudes con de la Infancia de Ivan, dos niños que la guerra a destruido su inocencia, siendo un juego, que siempre quieren jugar, su infancia desapareció sólo queda combatir toda la vida, ya que como dice Endore las guerras nunca terminan, siempre hay una detrás de otra.
Es fácil advertir que para ser una película bélica, tiene un presupuesto muy bajo, el elenco esta conformado practicamente por seis personajes, utilizando grabaciones de documentales de la guerra de Corea, aunque tiene escenas muy bien realizadas como la del bombardeo de la trinchera, sólo con efectos de sonido, movimientos de cámara, se puede lograr tensión en dicha escena. Una película modesta, pero interesante, que logra transmitir su mensaje de manera sencilla y clara.

jueves, 14 de mayo de 2009

JESTEM (2005)


SÓLO QUIERO QUE ME QUIERAN

Escrita y dirigida por la directora polaca Dorota Kedzierzawska, que demuestra un gran talento detrás de las cámaras, contándonos una historia sobre el abandono, la desolación que sufren los niños, realizada con gran sensibilidad, sin llegar a utilizar recursos efectistas, mostrándonos lo ocurre de forma y directa.

La historia es sobre un niño llamado Kundel que es abandonado a su suerte, al huir del orfanato, porque extraña a su madre, pero esta lo rechaza, ya que ella ejerce la prostitución y no pude cuidar de él, pero no sólo soportará el rechazo de su madre también lo sufrirá de parte de otros adultos, por lo que entenderá que si quiere sobrevivir, sólo dependerá de él mismo, sintiéndose completamente desolado, su hogar sera un barco un abandonado.

El título en polaco es Jestem, lo que significaría en castellano como Yo soy, aunque el título más apropiado seria Existo, ya que justamente es lo que ocurre en la película, esta nos presenta la vida un niño, un niño que a nadie le importa su suerte, lo que sufre, lo que vive, es un fantasma que deambula por la vida de los adultos, sin que estos le presten atención, sólo cuando su presencia le es incomoda.


Kundel se hará amigo Kuleczka, una niña que vive al frente de él, que también siente el abandono, la indiferencia, y encontrara en Kundel a su alma gemela, al amigo, al hermano que nunca tuvo, y siempre quiso tener.

La directora, nos muestra el mundo a través de los ojos de estos dos niños, en donde los adultos no entienden lo que sienten, ni tratan de hacerlo, ellos sólo buscan que los lleguen a querer, y ser felices, aunque si bien son dos niños aparentemente opuestos, no lo son, son iguales por dentro con las mismas necesidades, como el caso de Kuleczka, que vive con comodidad en su casa, pero no es verdaderamente feliz, porque se siente igual de abandonado que Kudel.

Jestem, es una producción polaca, con una buena manufactura, realizada como ya lo mencionamos con gran sensibilidad, y con una excelente banda sonora, que va acorde con la historia que nos cuenta, acopladas perfectamente con las escenas, siendo por lo tanto una película altamente recomendable.

sábado, 9 de mayo de 2009

EL RAYO INVISIBLE (1936)


LOS DOS MONSTRUOS DEL TERROR
Dirigida por Lambert Hillyer, se trata de la tercera película protagonizada por dos pesos pesados del genero de terror como fueron Bela Lugosi y Boris Karloff, Dracula y el Monstruo de Frankenstein, respectivamente, es imposible hablar sobre la historia de dicho genero sin mencionarlos, siendo referentes inmediatos de este.

En las películas en las cuales han actuado juntos, ni Lugosi se repetirían sus papeles que los hicieron reconocidos, sólo con excepción de Son of Frankenstein, Karloff no interpretaría la monstruo, un hecho curioso sobre los dos es que fue a Lugosi que le ofrecieron el papel del Monstruo, pero lo rechazo porque no tenia diálogos el personaje, pero fue un prejuicio superó, ya que once años después interpretaría al monstruo en la película Frankenstein Meets the Wolf Man.

El papel de Karloff es del Dr. Janos Rukh, un científico obsesionado con su nuevo descubrimiento, para esto invitara a algunos personajes importantes como científicos para que vean su nuevo descubrimiento, sorprendidos por lo observado son convencidos por Rukh para iniciar una expedición al África, al encontrase en dicho continente un pedazo de meteorito, en dicha investigación se descubre la forma para curar diversas enfermedades, mediante un artefacto creado por él, los demás miembros de la expedición decidirán retornar a lo que Rukh permanecerá, pero por la exposición con la radiación del meteorito, su cuerpo presentara ciertos cambios, por lo que desaparecerá dándole por muerto.

Pero su invento, es desarrollado por uno de los miembros de la expedición el Dr. Felix Benet (Bela Lugosi), siendo un éxito, pero Rukh, que su cordura se ha visto afectada por la radiación, además de no ser reconocido por su descubrimiento y que su esposa Diane Rukh, esta en amoríos con Ronald Drake, producirá en él, un sentimiento de venganza contra todos que el considera le han hecho daño.

La película pertenece a la etapa de apogeo de la Universal, al ser conocido por el estudio de los monstruos y del cine de terror, sacando siempre provecho de Lugosi y Karloff, siendo una buena muestra, sobre el cine que realizó la Universal, utilizando con mucha habilidad buenos efectos especiales (para esa época), como la luminiscencia del cuerpo de Rukh, un guión efectivo, que si bien cae en algunos tópicos, existe un buen desarrollo en el personaje, como este va cambiando, tornándose un ser vengativo, presentando las causas de esto, por lo que es una excelente oportunidad de ver el cine por la cual la Universal se mantuvo por tanto tiempo, y ver a dos referentes del genero de terror.

THE FILE ON THELMA JORDON (1950)


EL CASO BARBARA STANWYCK

Barbara Stanwyck, es de aquellas actrices a que la identificamos inmediatamente en papeles de mujeres manipuladoras, de carácter de fuerte, que pueden enfrentarse a los hombre sin ningún problema, esto lo hemos visto en películas como Double Indemnity (Perdición o Pacto de sangre); El extraño amor de Martha Ivers; Sorry, Wrong Number; las furias; Blowing Wild, The Violent Men, entre otras, fue una gran actriz, y como sus personajes se hacia respetar en su profesión, ayudo mucho para la carrera de William Holden, obligando al estudio a contarlo en el protagonico en Golden Boy, además no le gusta repetir una escena, cuando pensaba que ya no se podía mejorarla más.
No sólo fue una gran actriz en los dramas, thriller, film Noir, también lo fue en el genero de la comedia, regalando grandes interpretación en clásicos como Bola de fuego, las tres noches de Eva, Stanwyck, era picara, encantadora, desenvolviéndose con gran gracia, una de las pocas actrices naturales del cine clásico de Hollywood.
The file on Thelma Jordon, dirigida por Robert Siodmak , director de la excelente Escarela de Caracol, es una producción que estaría dentro del genero del cine negro, un Fiscal de Distrito Cleve Marshall, interpretado por Wendell Corey, conocerá a Thelma Jordon (Barbara Stanwyck), de la cual se enamorará, pero algo que no conoce Cleve es que Thelma es novia del ladrón de joyas Tony Laredo, el cual convencerá a Thelma para que robe las joyas de su tía, pero al producirse el robo, su tía es asesinada, siendo Thelma la principal sospechosa, por ser la única beneficiaria del testamento de su tía.

Pero las cosas se complican para el Fiscal Marshall, al ayudar a Thelma, porque se debate entre su deber como fiscal y el amor por ella, es así Thelma se valdrá de esto para utilizar a Marshall, para su beneficio, la historia nos recuerda películas como Perdición, donde las investigaciones son manejadas por la pareja de la sospechosa.

Se trata de un buen trabajo de Siodmak, la película utiliza muy bien la luz y sombra, acompañada de una buena banda sonora, las secuencias del proceso están bien logradas, metiéndonos más en la historia, y mostrándonos la lucha que se produce en el Fiscal al evitar en que Thelma sea declarada culpable, pero al mismo tiempo realizar un buen trabajo como acusador, otra película protagonizada por Stanwyck para rescatar.

LOS MUERTOS (2004)


LA CÁMARA NOS HABLA

Existen grandes películas, que se construyen con diálogos ingeniosos, bien elaborados, que son del disfrute para los amantes del buen cine, pero también existen películas en donde los diálogos son practicamente inexistentes, en el cual el uso de la cámara es importante, el cine es un arte y la cámara es el instrumento, la cámara nos habla nos muestra, sin necesidad de la palabra, tan solo que con el movimiento de esta, siendo grandes representantes de este cine Andrei Tarkovsky, Bresson y más contemporáneo Bela Tarr, pero latinoamerica también tiene su representante con Lisandro Alonso.

Los muertos es una muestra como se debe usar la cámara de una manera eficiente, donde la puesta en escena, más que los diálogos que se desarrollan en esta, aunque si bien son diálogos sencillos, algunos son claves para desentrañar la historia, como la conversión del protagonista con el barquero.

El inicio de la película es un de los mejores que se haya hecho en el cine latinoamericano, empieza con un plano secuencia, mostrando primero donde s esta desarrollando los hechos, se produce un recorrido por la jungla, hasta un final de secuencia extraordinario, es así que inicia nuestro viaje.

La historia se desarrolla en un lugar recóndito de la Argentina, donde el medio de transporte para ir de un pueblo a otro es a través de los botes, un ex convicto Argentino Vargas, es liberado al haber cumplido la totalidad de su pena, emprendiendo un viaje por el río para ver a su hija, llevándole un vestido como presente, el viaje nos permite observar a Vargas, y conocer a este hombre, en unos cuantos trazos, nos describe a este personaje básico pero al mismo tiempo singular.


Otro punto favor de la película, es el uso de actores no profesionales, dándole la naturalidad a los personajes tanto al protagonista como los secundarios, ya que se nos muestra dentro de su vida cotidiana, por lo que no es necesario un mayor desarrollo de estos, a veces ser natural es difícil de mostrar en la pantalla y aquí los actores lo logran.

El espectador se pregunta ¿Cuales son las verdaderas intenciones de Vargas para visitar a su hija?, que ser respondida al final o tal vez no, dependerá de cada uno encontrar la respuesta, la escena final es escalofriante, pero no por lo que se ve, sino por todo lo contrario, por lo que no vemos, el espectador es dejado de lado, generando el desconcierto, sintiéndonos impotentes ante lo que imaginamos, todo esto se produce con unos cuantos movimientos de cámara, esta nos habla y nos dice que no podemos pasar, que nuestra viaje a concluido, dejándonos con un nudo en la garganta.

jueves, 7 de mayo de 2009

THE THIRD SECRET (1964)

LA VERDAD ESTÁ ESCONDIDA


La historia inicia con la muerte del doctor Dr. Leo Whitsetmuy, un medico psiquiatra muy reconocido en Inglaterra, siendo sus últimas palabras ¨ fue mi error, yo fui el único culpable¨, un disparo en la sien, sus huellas digitales en el arma, todo hace presumir que se trató de un suicidio, siendo confirmado por los investigaciones de la policía, pero para su hija Catherine (Pamela Franklin) no se trató de un suicidio si no de un asesinato, siendo el culpable uno de sus pacientes.

Para esto buscará a un periodista norteamericano Alex Stedman (Stephen Boyd) para que le ayude a investigar sobre el ¨asesinato¨de su padre, al comienzo el periodista dudará en ayudarla, pero el al mismo tiempo también esta convencido que una persona como el doctor Whitset, no pudo suicidarse, ya que destruiría la buena imagen que tenia de él, a quien admiraba en demasía.

Es así que junta la joven hija, iniciarán las investigaciones, Catherine es una niña que posee una gran memoria, siendo practicamente una enciclopedia andante, le dará a Alex, la lista de los cuatro supuestos asesinos de sus padre, encontrándose a cada paso un caso más singular que el otro, y la mismo tiempo se sembrara la duda acerca de lo que puede ser capaz.



La película juega perfectamente con la intriga y el misterio, de la historia que se narra, donde no sabemos a donde podemos llegar, pero que poco a poco se van develando todas las interrogantes, su director Charles Crichton, a su vez, utiliza con gran habilidad el uso de los acercamiento en el primer plano de los rostros, los ángulos picados, contrapicados, travelling, siendo buena la escena en que Catherine empieza a correr en el callejón, a sentir que la están siguiendo, utilizando las tomas de atrás y adelante.

También se debe destacar además de la dirección, las actuaciones de Pamela Franklin y de Boyd, siendo el papel de la niña el más enigmático y complejo, logrando una entrega total a su personaje, que realmente sorprende, asimismo Boyd demuestra que es un gran actor, por lo que no sólo debe ser recordado por el papel de Messala de Ben -Hur.

La historia es narrada en un ritmo pausado, pero no carente de interés, más de allá de la investigación, existe algo más, dos personas que tratan de encontrar la verdad, no sólo de quien es el culpable de la muerte del Dr. Whitset, si no la verdad de su propia naturaleza, además también nos encontraremos con final verdaderamente conmovedor, por lo que estamos ante un gran trabajo de su director, de un drama donde el misterio esta presente.

martes, 5 de mayo de 2009

THE TINGLER (1959)


ESE MONSTRUO QUE TODOS TENEMOS DENTRO
En esta oportunidad volvemos a comentar una película del singular y querido director William Castle, la película es The Tingler, la cual fue titulada en español como El hormigueo, un patólogo forense el Dr. Warren Chapin (Vincent Price), investiga el miedo en las personas, topándose con Ollie Higgins un pariente de un ejecutado a muerte, que le comenta su teoría sobre ¨El hormigueo¨ como él lo llama, que consistes en que las personas cuando experimentan un hecho que puede ocasionar el pánico, se produce una fuerza en la columna que la destroza, Ollie Higgins lo llevará a su casa donde le presentará a su esposa Martha, que es sordo muda.

Es así que Chapin decide investigar cual esa fuerza utilizando para sus experimentos a su esposa y a él mismo, por lo cual descubre, que se materializa un ser dentro de los seres humanos en las situaciones de pánico, y a su vez desaparece con los gritos, por lo que decide llevar a otro nivel su investigación, y estudiar mas de cerca al bicho que se aloja en la columna vertebral, teniendo como idea utilizar a Martha para esto.



Como es costumbre en Castle, se dirige al publico para introducirlos en la historia, y para el final de esta, en las escenas cruciales, con la amenaza latente del bicho, recure al usó un mecanismo en los asientos de las salas de proyección, los cuales sacudían los mismo, además de la voz de Vincent Price gritando con voz de alerta ¨griten griten si quieren salvar sus vidas¨, lo cual asustaban al espectador, llevar el miedo más allá de la pantalla.

Como la mayoría de las películas de su director, tiene un buen planteamiento inicial, pero conforme va avanzando, la historia va perdiendo fuerza, a falta de idea como resolver esta, es por tal razón que Castle, utiliza mecanismos extra cinematográficos para introducir el miedo al espectador, por lo cual visto en estos momentos en la pantalla chica, y ya no en una sala de cine, ya causa los mismos efectos, por lo que los fallos se hacen más evidentes ahora, pero paradójicamente los errores hacen más interesante esta película, porque muestra a un director dedicado a producir miedo al espectador con cualquier recurso disponible.

Pero a destacar tenemos la escena de Martha cuando experimenta el miedo a través de de un medicamento suministrado por Chapin, se producirán escenas surrealista como la de la bañera, con la utilización del color rojo, siendo un gran punto a favor de Castle, por lo antes mencionado The Tingler es una película que merece verse, con sus fallos y aciertos, que le dan la categoría de film de culto, para los amantes del cine fantástico.

lunes, 4 de mayo de 2009

GOOD SAM (1948)


¿QUE BELLO ES VIVIR CON GARY COOPER?

Que bello es vivir!, es tal vez el más grande clásico de la historia del cine, de visión obligada en las fiestas navideñas, pero que recién veinte años después de su estreno, fue revalorada gracias a la televisión, donde el nuevo publico se dejo atrapar hasta el día de hoy de su historia, ya que en su día fue un fracaso en taquilla.

Ahora bien, tiempo después de esta película se estreno Good Sam, donde se toma la idea original del Film de Capra, quitando la fantasía, los ángeles, y todo aquelo que pueda resultar irreal, de Que bello es vivir¡, el publico podría aceptar, pero esto no ocurrió Good Sam también fue un fracaso, pero no quiere decir que estamos ente una película fallida, si todo lo contrario se trata de una comedia divertida.

Dirigida por el siempre competente Leo McCarey, protagonizada por uno de los chicos buenos de Hollywood, Gary Cooper, interpretando el papel de Sam Clayton, un hombre que tiene la peculiaridad de ayudar a los más necesitados, con un gran exceso de generosidad, algo que su esposa Lu Clayton (Ann Sheridan) no ve con muy buenos ojos, por que siente que abusan de él.


Lu es la contra parte de Sam, ya que ella es más suspicaz y desconfiada, utilizando muchas veces el sarcasmo, tomando las cosas con buen humor, claro hasta cierto limite, logrando una actuación destacable de Sheridan (que gran actriz fue), tiene el sueño de la nueva casa, pero que este sueño chocan contra la pared de la realidad, por las obras de caridad de su esposo, que solo piensa en ayudar a su prójimo.

Es así que la película ronda entre la comedia y el patetismo o el patetismo cómico, la historia parece sacada de alguna pelicula de Kaurismäki, claro sin esa flema del filandes, pero lo que sin lugar a dudas, más agrada es el personaje de la abnegada esposa Lu, siendo divertida, seria, melancólica y furiosa; por otro lado Sam es una persona que cree fervientemente en lo que hace, por lo que su estado de animo es casi siempre el mismo, aunque en la etapa más critica se cuestiona sobre lo correcto y la felicidad de su familia.

Para terminar se trata de una comedia amable, divertida, con un buen ritmo que nunca decae, teniendo lo mejor de la comedia clásica, que también podría ser una alternativa en la programación navideña, otro clásico por descubrir.

domingo, 3 de mayo de 2009

UNDERWORLD U.S.A. (1961)


LOS BAJOS FONDOS

Fue Samuel Fuller, junto con directores como Anthony Mann, Nicholas Ray, fueron considerados directores de segunda en los Estados Unidos, en el cual su cine no tiene un gran valor cinematográfico, pero esto no ocurría en Francia, que veía el cine de ellos, no el trabajo de simples artesanos, sino de verdaderos autores, destacando su forma de dirigir, de contar las historias, los conflictos de las almas torturadas.

En el cine de Fuller, había algo más que el simple entretenimiento, tenia un gran dominio en la cámara, en el montaje, en la luz y la sombra, en la música que usaba, uno de los primeros en introducir el Jazz, que trasmitía el desorden y sus conflictos de los personajes, como en el caso de Corredor sin retorno , Kimono Rojo, y la presente, Fuller se sentía un músico de Jazz, tocando con libertad, ritmo y estruendo, era simplemente único, no habrá otro como él, un grande de verdad. Es obvio que Fuller es uno de mis directores favoritos, que siempre vuelvo a revisionar sus películas, volviendo maravillar con sus cine.


Los bajos fondos, título dado en latinoamerica, que guarda mucho relación con el título original, la historia es sobre un niño que es testigo del asesinato de su padre, por lo que decide vengarse 20 años más tarde de los que participaron en el crimen, para esto se introducirá en el mundo criminal, para ganarse la confianza de ellos y acabarlos.

Tolly Devlin (Cliff Robertson), es el joven vengador, que solo se dedicara en cuerpo y alma en matar a los asesinos de sus padre, no habrá nada más para él, no importa que lo tenga que hacer, aquí Fuller muestra una mente tortura por el recuerdo y el deseo de venganza, su vida esta acabada, no hay nada que el pueda dar alguien, solo tiene un propósito, aunque tal vez tanga alguna salvación.

La película es otro de los trabajos sobresalientes que nos dejo el buen Sam, el buen uso del blanco y negro, la luz y la sombra, una historia tortuosa acompañada de una buena banda sonora, es una película, algunas escenas debieron ser muy fuertes para su época, como la escena de la niña en la bicicleta, que a su vez es un gran trabajo de montaje.

ES MI HOMBRE (1939)

CUANDO HOLLYWOOD CANTA

Título original Rose of Washington Square, dirigida por Gregory Ratoff, el título en español tiene que ver con la canción que interpreta la cantante Rose Sargent (Alice Faye), la cual se la dedica a su esposo Barton DeWitt Clinton (Tyrone Power), un delincuente que quiere mantenerse limpio por el amor a ella.

El gran defecto de Barton, es que la única forma para conseguir dinero es estafando y robando, gracias a su personalidad, pero conocerá a una aspirante a cantante Rose, que se enamorara de ella primera vista, pero tendrá que dejarla, ya que lo pueden arrestar, tiempo después la volverá a encontrar reiniciando su relación.

Rose había dejado una gran oportunidad para hacerse famosa, por la desaparición de Barton, en numero musical realizado por su mejor amigo Ted Cotter (Al Jolson), un gran cantante que se disfraza de un hombre de color, la representación que realiza seria muy mal vista en nuestros días, pero todo ser visto de acuerdo al contexto en que se produjo la película.

Es así que Rose, que desarrollará su carrera como solista en una obra musical llamada justamente Rose of Washington Square, siendo un éxito en Broadway, pero Barton es presionado a realizar un último trabajo para evitar que la carrera de Rose se vea perjudicada, lo ocasionará el arresto de Barton, y los problemas para Rose que seguirá amando a Barton a pesar de todo.

La película es un drama, pero con toques de musical, por los números artísticos tantos en las obras de Rose como de Cotter, por lo que también podríamos hablar que se trata de un musical, ya que en los años treinta y parte de los cuarenta los números musicales en las películas se realizaban en los teatros, a diferencia de los cincuenta para adelante en donde los bailes y la música es en las calles, con coreografías muy bien trabajadas.

Estamos ante una producción correcta, en donde las canciones y sus bailes son lo más logrados, siendo el tema My man el más importante, el cual es la esencia de la película, donde Rose describe todo lo que siente por Barton, porque nada puede dañar su amor hacia él, se trata de una película interesante que nos cuenta una buena historia, sobre el amor incondicional, además de contener muy buenas canciones, que forman parte de lo mejor de Hollywood.

sábado, 2 de mayo de 2009

BITTER VICTORY (1957)


EN EL LABERINTO DE LA MENTE

Amarga victoria, dirigida por el maestro Nicholas Ray, un artista transgresor en la forma como abordar los temas de sus películas, dando importancia a los conflictos personales de los personajes, existe un halo de melancolía en su cine, siendo evidente en películas tales como Rebelde sin causa, La verdadera historia de Jesse James, Más poderoso que la vida, Johnny Guitar, Hombres errantes, entre otras, que nos muestran el dolor, la tristeza, el amor de una manera poética, Ray le da una gran importancia a los sentimientos de sus personajes, siendo una de las mejores cualidades del maestro.

La historia se desarrolla en el desierto de Libia, durante la segunda guerra mundial, en el cual El Mayor Brand (Curd Jürgens), tiene que dirigir a un escuadrón por el desierto, para un importante misión, pero en dicho grupo se encuentra el Capitán Leith (Richard Burton), que es el amante de su esposa, estando enterado de este hecho, produciendo conflictos entre ambos.

Si bien se puede decir que estamos ante una película bélica por el contexto en que se produce la historia, es acertado decir es que nos encontramos ante un drama psicológico, en donde los protagonistas trasladaran su rencillas personales en plena guerra, poniendo en peligro la misión.

Se trata de un gran trabajo de Ray, en la manera como desarrolla a los personajes, Brand es un oficial maduro, que siente el fracaso de su matrimonio, y también como oficial, resistido por sus hombres, donde todo para él es cuesta abajo, en cambio el personaje Leith, es un joven oficial, que tiene un brillante futuro en el ejercito, además de ser el amante de la esposa de Brand, como es evidente existirá entre resentimiento y odio, que se producirá a lo largo de la película.

Es así que Ray utiliza el odio y la desconfianza entre los dos personajes, para transmitir una tensión durante todo el metraje del film, además del contexto en que se desarrolla esta, siendo un gran trabajo por parte de su director sobre los conflictos psicológicos que sufren los personajes, cuestionandose sobre su rol y su acciones, ¿El honor herido puede ser la excusa para cometer crímenes sin impunidad?, ¿hasta donde puede llevarnos nuestro odio?, es por tales razones, que nos encontramos ante un drama psicológico, encumbrandose como uno de las mejores películas dentro de la filmografia de su director.

viernes, 1 de mayo de 2009

LAS FURIAS (1950)


ENAMORADA DEL ODIO

Cuenta la mitología griega que Las furias eran deidades que personificaban la venganza que seguían a los mortales por sus crímenes cometidos, la presente película narra la historia de la relación de padre e hija, en donde estarán presentes el amor, el odio y la venganza, siendo los motores que mueven a los personajes.

La película es dirigida por ese gran director de Westerns Anthony Mann, imprimiéndole su maestría y genio, con una excelente fotografía en blanco y negro, un guión lleno de diálogos contundentes, que será de gran disfrute para los amantes del buen cine, y los fanáticos de su director.


El padre T. C. Jeffords (Walter Huston) es dueño del Rancho Llamado The Furies, el cual es amo y señor del territorio, dueño absoluto del destino de los demás, siendo su mano derecha su hija Vance Jefford (Barbara Stanwyck), para los demás el T.C. es un déspota que se aprovecha de los demás sin importar nada, para Vance es un Rey que tiene que gobernar con mano dura.

Pero la paz que reina en el Rancho se verá alterada con la llegada de Rip Darrow (Wendell Corey), el hijo de un antiguo rival de T.C. que tiene como único propósito en la vida vengarse de T.C. por lo que hizo a su padre, utilizando para esto a Vance.

La relación con su padre sera cada vez más conflictiva, llegando en momento en que la relación se rompe, tan sólo quedando el odio y el resentimiento entre ambos. Estamos ante otra gran película de Mann, que nos ha dejado tantas obras maestras, que nos sentimos en deuda con él, sólo nos queda resaltar y apreciar su gran genio.