LAS MEJORES DEL 2009

10. MOON (2009)

Película dirigida por el hijo de David Bowie (Zoey Bowie), el cual utiliza el seudónimo de Duncan Jones, el joven director toma como referencia películas de gran influencia en la ciencia ficción, como 2001: Odisea del espacio, Solaris, Alien, Blade Runner, y sobretodo de Naves misteriosas.

La historia transcurre como dice el titulo en una base lunar, un astronauta (Sam Rockwell) que tiene el trabajo de investigación en una instalación minera, teniendo un contrato de 3 años, que una vez cumplidos regresara a la tierra con su familia, se muestra un hombre cansado, aburrido por la rutina y el aislamiento, la monotonía de sus días se vera alterada por un accidente y un sorprendente descubrimiento.

La película, tiene un ritmo que nos va envolviendo por la tensión, y el suspenso,con una narración bien construida, ayudada por una estupenda edición, en un poco más de hora y media, nos cuenta la desventura de un ser humano que busca su libertad al mismo tiempo que su identidad. La historia es inquietante, en un futuro en donde el mundo esta deshumanizado, donde las maquinas tienen más humanidad, y mayor sentido del debe ser que un ser humano en toda su expresión, es aquí donde se toma como referencia a Blade Runner, pero a diferencia de esta, el futuro es perfecto, limpio y puro, ocultando su lado mas oscuro en la luna.

Jones, realiza un gran trabajo detrás de cámaras, entregándonos un film estimulante, en donde crea a través de los ya realizado por otros, una recreación de lo ya visto, pero presentada por su visión particular, no se queda en el simple homenaje, sino busca crear y recrear, que nos deja con las ansias de ver una nueva película hecha por este joven realizador, que ha empezado con buen pie su profesión, además también cabe destacar la actuación de Sam Rockwell.

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9. ZOMBIELAND (2009)

Finalizando el año, pude llegar a ver esta estupenda comedia, en donde toma utiliza los tópicos y lugares comunes del genero de Zombies (que ya merece ser un genero), una comedia gamberra, con muchas dosis de sangre, y de humor negro.

Columbus (Jesse Eisenberg), es un joven y cobarde nerd, que sobrevive a una plaga mundial, que a convertido a las personas en zombies, y a lo Estados Unidos en Zombieland, la manera en que ha sobrevivido es debido a imponerse reglas, para poder enfrentar la terrible situación, su idea principal es dirigirse a Columbus, estado donde es su familia con la esperanza que la plaga no haya llega ese lugar, en el camino encontrara a Tallahassse (Woody Harrelson), que tiene como único fin además de cazar zombies, es encontrar los últimos Twinkies, ya que como el dice tienen fecha de expiración,lo que le llevará a arriesgar su vida y de los demás para encontrar dicho dulce.

El grupo suma nuevas integrantes, siendo dos hermanas interpretadas por Emma Stone, Abigail Breslin, quienes antes de la epidemia sobrevivian estafando y engañando, algo que no cambiaron por la aparición de los Zombies, la película como dije es una sucesión típicos del cine del terror sobre zombies, agregandoles toques de Spawetti Western.

Si bien la película aparecen Zombies, no se trata propiamente de una película sobre Zombies, sino de la amistad, de disfrutar de esos pequeños buenos momentos de la vida en un mundo desbastado, donde reina la desconfianza entre ellos, tanto que no revelaran sus nombres, utilizando tan sólo seudónimos.

Su director Ruben Fleischer, parodia y homenajea las películas sobre zombies, y al mismo tiempo se burla de la cultura norteamericana,la secuencia cuando pasean por Los Angeles, en las casa de los famosos,en donde llegan con el cameo de Bill Murray, en una de la escenas más divertidas nostálgica del año.

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8. WATCHMEN (2009)
Basada en la novela grafica (Bueno así llaman a los comics serios para hacerlos más interesantes) de Alan Moore, creador de comics que fueron llevados al cine como V de vendetta, Desde el infierno, La liga de los hombres extraordinarios, lo que originó que el propio Moore renegase de dichas versiones, exigiendo que en nuevas adopciones no aparezca su nombre.

Watchmen tal vez se trate del mejor trabajo de Moore, al ser una obra compleja en tanto a trama y personajes, en donde nos cuenta una historia paralela con la de los héroes, siendo un trabajo no igualado hasta la fecha.

Cuando, se tuvo noticias que el director encargado para dar vida a los personajes de Moore, sería Zack Snyder (Director de 300), no me mostré muy entusiasmado, pero tengo que reconocer, que Snyder realizó un gran trabajo, haciendo una de las mejores películas de superheroes de los últimos años.

Lo que hace su director, es simplificar la complejidad de la historia o historias del comic, e ir directamente a lo que realmente se nos quiere contar, sobre los juegos del poder; de la decencia de la democracia; de las batallas y la inocencia perdida; de aquel sueño americano que se destroza una y otra vez con la realidad, el mundo está en peligro, llevado por la misma mano del hombre, que es incapaz de poder salvarse de ellos mismos, es una crítica salvaje, cruel y real, de la humanidad, de lo absurdo de nuestra lógica humana que no nos lleva a nada.

Nos encontramos en mundo de héroes decadentes, donde el Dr. Manhattan un casi un dios, es utilizado, por razones y causas políticas, luchando en nombre de la libertad, la democracia, el orden, pero nada cambia, el mundo sigue igual o peor, se encuentra cada vez perdido en un planeta que ya no siente como el suyo, y que menos comprenden y más alejado esta de él.

Su director, además, le imprime buenas escenas de acción, con buenos momentos de humor, que hacen disfrutarle las dos horas y media de película, constituyéndose como ya dije en una de las mejores adaptaciones de comics en décadas, el soundtrack (excelente) de la película, tiene una mención aparte, que hacen aun más placentera su visionado.

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7. THE HANGOVER (2009)

Cuando lo cotidiano se vuelve absurdo, The hangover, es una película construida a partir de la idea de un rompecabezas, que va siendo armado conforme avanza la historia, y de los descubriendo que van realizando los protagonistas, este tipo de narración no es nada novedoso, es utilizado desde el Ciudadano Kane, pero utilizado de manera inteligente por su director Todd Phillips, que hace su mejor película (Aunque eso no dice mucho).

La historia, es muy simple, un grupo de amigos organizan una despedida de soltero para su amigo Doug, invitando también a su futuro cuñado (algo trastornado), todos brindan por el futuro matrimonio en la terraza de un hotel de Las vegas, a partir de ahí tanto para los espectadores como para los protagonistas, es incógnita, no saben donde se encuentra el novio, ni por qué hay un tigre en su baño, tendrán que reconstruir lo ocurrido esa noche para poder encontrar a su amigo.

En el camino, van descubriendo, grandes sorpresas, que desencadenara en una serie de divertidas escenas, con diálogos ingeniosos, es un film divertido, con situaciones surrealistas en una ciudad, tal vez extraña del mundo, donde parece que las reglas están hechas para romperse, en donde trasladan al espectador el ansia de saber que será la nueva locura que descubrirán, como se ensamblan las piezas del rompecabezas, siendo un gran merito la forma en que nos es contada la película y que hasta el final no es de todo claro lo que pasó, y que se soluciona con los créditos finales.

Phillips consigue una comedia divertida y madura, si bien estridente, pero sin llegar a la exageración, con unos gags muy bien logrados, haciendo un film dinámico, que no pierde sino todo lo contrario va ganando intereses conforme avanza, un nuevo soplo fresco a la comedia norteamericana.

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6. LA TETA ASUSTADA (2009)

La ganadora del último festival de Berlín, segunda película de la joven directora peruana Claudia Llosa, que había llamado la atención de la critica con Madeinusa (Su primera película), es un historia sobre una enfermedad, sobre una joven prisionera de un pasado que no vivió en carne propia, pero que lo siente como suyo, no pudiendo vivir a plenitud por los sentimientos del pasado.

La película tiene un gran virtuosismo en los aspectos técnicos, como la fotografía, el uso de las cámaras, los planos secuencia, los barridos, acercamientos, movimientos, que crean una obra que constituye en una poesía visual, nos muestra un mundo desolado y abatido, alejado del mundo que conocemos, construye al igual que Madeinusa su propio universo, la directora nos cuenta la historia una joven provinciana (Fausta) que fue fruto de una violación en la época de la lucha contra el terrorismo, nace en la época del terror, del miedo tanto a los miembros de los grupos terroristas como a las fuerzas del orden, el miedo esta presente, por lo que construye una muralla con respecto a los demás, para protegerse.

El inicio, la pantalla está en negro, y se escucha la voz de una mujer madura, cantando en quechua, una triste historia, su propia historia, es una escena sublime, que conmueve, por el tono de melancolía de la mujer, el lamento nos desgarra.

La teta asustada, es una obra madura de una joven directora, en donde nos habla a través de las imagenes, que todavía tiene mucho que dar en el cine, por lo que esperamos su próxima película, y su visión particular de la vida.

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5. DEJAME ENTRAR (2008)
Desde la helada Suecia, dirigida por Tomas Alfredson, llega una película de amor entre un niño y un vampiro, Oskar es un niño con problemas de adaptación que sufre las burlas de sus compañeros de colegio, Eli, en apariencia una niña de 12 años, que vive aislada, tan sólo acompañada por su ¨papá¨.

Oskar, un niño que le gusta leer sobre la muerte y asesinatos, teniendo una pequeña colección sobre recortes periodísticos sobre crímenes, siendo un potencial psicópata, que disfruta con las escenas de muerte, pero es incapaz de cometer algún acto de violencia, Eli, es una niña que vive con una persona mayor encerrada en su departamento, saliendo en la noche, en una de esas noches conocerá a Oskar, y desde ahi todo empezará a una extraña historia de amor.

La película, trascurre entre el drama y el terror, una niña que tiene hace muchos 12 años, que siente dolor de vivir, de no ser una persona normal, la historia es narrada con un ritmo pausado, sin estar desprovista de interés, me mete en cada uno de los dos protagonistas (Oskar y Eli), uno que disfruta con la muerte y el otro (Eli) que tiene la necesidad de matar para sobrevivir, siendo el complemento ideal en su relación.

El título de la película, tiene con la vieja leyenda que cuenta que un vampiro no puede entrar a las casas si es que no es invitado por el residente de estas, pero el título encierra algo más que esta simple anecdota sobre vampiros, ya que el film trata sobre la diferencia y la aceptacion, el amar y dejarse amar, en un mundo cada vez más extraño.

Eli, le transmitirá a Oskar esa pelicular visión que tiene de la vida, en donde quedarse es morir y vivir es huir, su director, nos regala una de las maravillosas historias de amor, de los últimos años, que va más allá del miedo y la razón, dos seres relegados se encuentran y aceptan uno a otro tal como son, sin ninguna condición, a veces el amor puro se encuentra en lugares menos inesperados, uno de los grandes estrenos del 2009.

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4. EL SILENCIO DE LORNA (2008)

Los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, tienen una particular forma de contar sus historias, utilizando a la cámara como un simple testigo de los presenciamos, de manera objetiva y fría, algo que muchos critican justamente por la frialdad que muchas veces se traslucen en sus personajes, pero esa frialdad, no esta carente de sentimientos, los personajes sufren y gozan, mirados desde una mirada lejana, que nos permite acércanos más en los personajes, somos unos invasores sobre las penurias de los protagonistas, que desnudan sus miserias ante nuestros ojos.

La historia, ocurre en Bélgica, donde una inmigrante albanesa (Lorna), quiere obtener la nacionalizarse Belga, para lo cual se tendrá que casar por convivencia con Claudy (Un joven belga drogadicto), que dependerá de Lorna en todo, enamorándose de ella, Lorna tiene un sueño el de tener su propio restaurante, sueño que cada vez lo ve más cerca, pero la historia se complica cuando la mafia la obliga a casarse con un inmigrante ruso, para lo cual es necesario que maten a Claudy, por lo que Lorna se resistirá cumplir, y tratara de salvarle la vida.

El persona de Lorna, me recuerda al personaje interpretado por Anna Karina en Vivir su vida, si bien Lorna no es una prostituta, ambas tienen sueños, además deambulan por el bajo mundo, no aceptan su vida, quieren cambiar, pero no encuentran el camino para el cambio.

Los Dardenne, utilizan la elipse como un recurso narrativo, para realizar saltos en el tiempo, en donde a través de las imágenes entendemos lo que ha ocurrido en nuestra ausencia, siendo uno de los mejores ejemplos de como utilizar este tipo de narración de manera tan genial, estos hermanos sorprenden con cada nueva película que hacen, utilizando los mismo recursos, reconstruyendo en cada film, además de realizar un excelente trabajo de actores.

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3. BASTARDOS SIN GLORIA (2009)

Películas como Bastardos sin gloria, son un ejemplo más de la pasión por el cine de su director Quentin Tarantino, dicen que Tarantino, homogénea, otros que roba descaradamente, yo considero, que no es ni lo uno ni lo otro, mas bien recrea, muestra su visión de los ya visto, presentando algo nuevo, con influencias en directores tan disimiles que sorprende el resultados de sus películas, directores como Ford, Leone, Hank, Godard, entre otros, confundiendo a su vez genero Spaguetti Western, Bélicas, artes marciales, comedia, con diálogos extensos que muchas veces son absurdamente cotidianos.

Erase una vez en una Francia ocupada por los nazis (Que original que soy), así dice el inicio de la película, seguida por la imagen de un campesino cortando leña, y de pronto se acercan a su casa unos hombres con uniforme del ejercito alemán, escuchándose como fondo musical, una mezcla de Para Elisa con una la música de Morricone, desde ese momento Tarantino llama nuestra atención, nos acomodamos en nuestros asientos, porque el viaje va a ser intenso, su director trata de crear una atmosfera, nos anuncia que el peligro se acerca y debemos mantenernos alerta.

Tarantino no utiliza una banda sonora original, sino que se vale de las ya existentes, acompañadas por canciones que considera apropiadas en ese momento, es decir la concepción completa de la película ya la tiene en su mente, ya que el sabe que canciones va a utilizar en cada escena, por lo que tan sólo le queda trasladar a la realidad lo que se encuentra en su mente, es indiscutidamente un autor de su obra.

Se podria hablar que la pelicula va más por el genero del western que del belico; asimismo esta dividida en cinco capítulos, a diferencia de sus anteriores películas, existe un orden cronológico lineal, el tema como en casi el cine de Tarantino es la venganza, ya sea por una joven judía o por grupo de soldados judíos en contra de los nazis, aunque si bien el título hace referencia al grupo de judíos llamados ¨Los bastardos¨ estos son simplemente unos invitados de la ¨fiesta¨ que organiza la joven judía (Shosanna Dreyfus), ella se lleva el peso de la película, pero el que se roba el show es el coronel nazi Hans Landa, entrepretado por Christoph Waltz.

Como la mayoría de los filmes de Tarantino, se trata de una película hiperviolenta, en donde la exageración, las licencias en la historia, son utilizadas por su director, para brindarnos una película, con grandes dosis de humor, y acción, con diálogos y escenas antológicas, mostrándonos la veneración que tiene Tarantino sobre la puesta en escena, esta película, otra obra notable dentro de su filmografía.

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2. EL LUCHADOR (2008)

Cuando Darren Aronofsky, presento en el Festival de Venecia del 2006 su película La Fuente de la Vida, fue casi al unísono abucheado por los espectadores y críticos, al año siguiente en mismo festival cobraría su revancha, siendo premiada con el León de oro por mejor película, su film The Wrestler (El luchador), que marcaria a su vez, uno de los momento más gloriosos de un actor de gran talento como Mickey Rourke, que resurge de sus cenizas para cautivarnos con una de las actuaciones más sinceras y conmovedoras del año.

Nuestro protagonista es Randy "The Ram" Robinson (Mickey Rourke), un viejo luchador de wrestling, que ya paso sus buenos tiempos, tan sólo le queda el dolor, ganados a lo largo de su carrera, sufriendo en la soledad por aquellas decisiones que tomó y se encuentra arrepentido, sabiendo que ya no habrá tiempos mejores y que sólo le queda sobrevivir en un mundo de dolor, Randy sólo vive del recuerdo sus mejores años.

La vida de Randy cambia, cuando sufre un ataque cardiaco, por lo que tendrá que dejar la lucha, es ahí donde evaluara su vida, sobre su camino tomado, y las personas que dejó atrás por su carrera, siendo una de ellas su hija Stephanie (Evan Rachel Wood),por lo que tratara de recuperar el tiempo perdido, y el perdón que sabe que no se merece.

Aronofsky, en inicio realiza una excelente presentación del personaje, con los créditos iniciales, preparándonos para lo que veremos a continuación, por medio de una cámara que se sitúa detrás de Randy, no va describiendo la decencia del personaje, su vida partida, y el sufrimiento de su cuerpo y espíritu.

Su vida, había transcurrido en el mundo de la lucha, en el cual es un hombre importante, dejando de lado la realidad, pero cuando la realidad le toca a su puerta y le dice que su tiempo se acabo, es aquí donde siente Randy el choque de esos dos mundos, estando dispuesto a aceptar la realidad pero acosta de un sacrificio, el de dejar la gloria en el ring, los gritos, los aplausos, ese falso sabor de la victoria, pero que lo siente como verdadero, a cambio de la dura realidad, en donde tan sólo es uno más.

Randy, se da cuenta, que no puede dejar su vida, tiene que continuar, el público pide sangre, su sangre y el está dispuesta a dársela, por que el espectáculo tiene que continuar y el es la estrella de Show, se le puede acusar de usar viejos tópicos de cine sobre perdedores, pero esta hecha con inteligencia, sensibilidad, sinceridad y sentimiento por que el dolor que vemos es verdadero, se ve y se siente.

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1. GRAN TORINO (2008)

Hablar de Clint Eastwood, es hablar de uno de los mejores americanos de todos los tiempos, que se nutre de lo mejor del cine clásico, y del Spaguetti Western, del cine de acción, es un director conciso y director, en donde busca que el movimiento gesticular o corporal digan más que las palabras, sin discursos largos, se centra en la economía del lenguaje.

Eastwood, actúa y dirige, interpreta a un veterano de Walt Kowalski (hijos de inmigrantes), que considera un autentico norteamericano, en el mejor sentido, pero rígido y exigente con todas las personas que le rodean, siendo imposible convivir con él, a su vez siente que su pequeño espacio está siendo invadido por extraños, es el último americano en la tierra de inmigrantes, y defenderá su fuero si es necesario a la única forma que conoce a través de las armas.

La soledad llega al viejo Kowalski, cuando su esposa muere (a la que considera la mejor mujer del mundo), sus hijos por razones justificadas quieren mantenerse alejados de su padre, el lazo que lo une con los demás a muerto, la culpa por aquellos errores del pasado no lo deja por ningún momento.

Kowalski es un viejo cowboy, en donde el orden se impone a través de las armas, pero esta forma de pensar hace que se cree en un clima de guerra, que ni quiere volver a vivir, se dará cuenta, que un perro viejo puede aprender trucos nuevos, en donde sin disparar una sola bala uno puede salvar muchas vidas, un hombre que tiene las manos manchadas de sangre, tiene la oportunidad de redimirse, de olvidar por un momento que fue un instrumento de muerte.

Eastwood logra conmover, mediante golpes certeros, dialogos precisos, y una cámara que se mueve al ritmo de los protagonistas, su director se despide de la actuación, con una interpretación honesta y sincera, sin buscar ningun recurso de efectista.

Josey Walles, William Munny, Joe, están en el frente de esa casa, buscando redención, en donde tal vez, en el último momento de sus vidas, sus culpas sean perdonadas, Kowalski sabe que es su oportunidad, y esta vez no la puede desaprovechar, Eastwood, nos dicen que ese viejo veterano necesita descansar, ha sufrido demasiado, ha cargado demasiadas muertes, la guerra ha terminado, se han salvado vidas, se ha cumplido la misión señor.

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EL AÑO PASADO EN MARIENBAD (1961)

EL ARTE DE RECORDAR

Alain Resnais, uno de los más grandes directores que ha dado Francia, aunque si bien su introducción en el cine fue contemporáneo con la Nouvelle vague, no se podría hablar propiamente que se perteneciera a dicha corriente, ya que el cine de Resnais, no buscaba un mayor realismo, y naturalidad, sino la percepción sensorial de su obra la inmediatez de la misma con el público, siendo eminentemente estético, dejando de lado los convencionalismo o reglas del cine, tales como la estructura narrativa y el tiempo.

El inicio del film nos sitúa en un lujoso hotel, con una voz, a la cual al comienzo no entendemos lo que realmente quiere decir, al mismo tiempo realizamos un recorrido por los salones de dicho hotel, entonces vemos a personas estáticas presenciando una obra de teatro, o tal ellos también forma parte de esa obra de teatro, desde ahí empieza el desconcierto, el misterio, las interrogantes que una a una nos hacemos, sin llegara a una respuesta definitiva, tal esa sea la idea, tan solo generar preguntas, sin ninguna respuesta.


Un hombre se acerca a una bella mujer, para tratar que ella recuerde lo que paso en dicho hotel hace un año, pero ella no lo recuerda, o no quiere recordar, o tal vez nunca paso, o ese hombre es fantasma, o producto de la imaginación de la mujer, es así como transcurre la película, nos lleva a diferentes tiempos o tal vez sea uno sólo o ninguno, la memoria es el elemento más importante, pero el director alega al recuerdo de cada espectador.

Tal vez nos encontramos con una de las películas más puras cinematográficamente que ha dado el cine, ¿por qué hago esta afirmación?, es porque simplemente esta escapa a la realidad, a la lógica, a cualquier concepción del tiempo, recuerdo, la vida, la muerte y el amor, es un ir volver, es el recuerdo de lo que pasó o pasará, es un canto al amor, que rompe todos los esquemas, la película es construida a través de imágenes, los personajes se mueven controlados por su director de una manera milimétrica, no hay nada al azar, en los diálogos lo importante no es lo que se dice sino la musicalidad y el ritmo de los mismos, su director crea una obra para ver y escuchar, captar nuestros sentidos, es arte puramente cinematográfico, nos rebasa, nos deja perplejos, la narración es desordenada, los tiempos se confunden, al igual que los propios personajes, no sabemos dónde nos encontramos.

Las imágenes tienen un diseño onírico, estilizado, dándonos las pistas sobre lo que estamos presenciando, una obra de arte en toda su dimensión, los encuadres, la colocación de los actores, el decorado, el retoque de las sombras, Resnais juega con los personajes, y al mismo tiempo con el espectador, y es aquí en donde nos damos cuenta que nosotros somos los protagonista de la historia, somos nosotros que estamos dentro de esos recuerdos o sueños, traspasamos las barreras del tiempo y el entendimiento, la interacción es total, hemos sido hipnotizados, las imágenes nos seducen, no podemos apartar nuestra mirada, llegan a formar parte de nosotros, siendo un golpe incesante a nuestra memoria, un viaje placer para nuestros sentidos.

SEPPUKU (1962)

KOBAYASHI EL MÁS UNIVERSAL DE LOS JAPONESES

Es muy difícil, comentar esta película, sin primero, explicar sobre los antecedentes históricos en el periodo que es narrada, la misma que se desarrolla en el siglo XVII, es por tal motivo que paso hacer un pequeño resumen de histórico. En el periodo medieval japonés, existió una gran inestabilidad de gobierno por los continuos conflictos y guerras entre los clanes, en el Señor Shogun, era el encargado de mantener el orden en el país, este periodo de gran inestabilidad en la historia de Japón se llamó, periodo de los estado de guerra, por lo cual la figura del Samurái, como un guerrero ligado a un señor, tuvo gran importancia, pero esto cambio con la instauración del shogunato Tokugawa en el siglo XVII, llamado Tokugawa Ieyasu, quien al convertirse en la máxima autoridad, luchó por reducir los privilegios y estatus social de la clase guerrera, es decir de los samuráis, además de producir un periodo de paz que constituyó casi dos siglos en el Japón, pero que perjudico grandemente a los samuráis, que prácticamente desaparecieron como guerreros, y muchos dejaron de servir algún señor, por lo que pasaron penurias, algunos llegaron al extremo de solicitar a algunos señores feudales practicarse el Seppuko (Harakiri) en sus casas, con la intención que le dieran dinero o para que le ofrezcan trabajo a cambio de que no se maten.

Masaki Kobayashi, uno de los grandes directores japonés de toda la historia, lamentablemente no dirigió muchas películas, pero cada una de ella constituyen un testimonio palpable de los ideales y principios de su director, películas tales como Seppuku, La trilogía de La condición Humana, Samurai Rebellion y Río Negro, que eran eminentemente humanistas.

La primera escena de la película, nos muestra una fantasmal armadura samurái, despues la camara hace un recorrido por la casa de un señor feudal (Castillo de Iyi), seguidamente se escucha la lectura de un diario de dicha casa, en donde nos dice que en ese día, todo transcurría con normalidad, hasta la aparición de un extraño guerrero (Tsugumo) que solicita practicarse el Seppuko, ante este pedido se le concede una entrevista en el señor de casa, por lo que pasara a contar la dolorosa historia de un joven samurái, que también vino a practicarse el Seppuko en dicha casa, a lo que Tsugumo, escuchara atentamente, reafirmando su decisión de matarse.

La historia es contada con un aura de misterio, sobre las verdaderas intenciones del extraño guerrero, a través de flashback, en donde cuenta como el dice la historia de su vida, por lo que poco a poco se van desentrañando el misterio que rodea a este hombre, la película es un prodigio en todos los aspectos, tanto en dirección, edición, guión, actuación, fotografía, que uno no puede dejar de conmoverse por lo bien estructurada que esta la historia, tan milimétricamente construida, los encuadres de una simetría perfecta, los primeros planos, los barridos, picados, en donde el uso del blanco y negro llega a una de sus máximas expresiones, estamos ante una obra arte irrepetible, inolvidable, de gran belleza plástica.

El director, nos cuenta la trágica historia de dos hombres, pero principalmente nos cuenta sobre el honor de dichos hombres, pero no sobre el honor Samurái, que sólo constituyen palabras huecas, sino se practica con humanidad, es así que la película es un bello y al mismo tiempo duro alegato, en contra de la deshumanización, no es una crítica al código samurái, como mal se puede entender, sino una crítica a la cobardía, el deshonor disfrazado por el cumplimiento de un código, si decian que Kurosawa era el más occidental de los japones, Kobayashi era el más universal de todos.

UN DIA EN LA VIDA DE ANDREI ARSENEVICH (2000)

EL FANTASMA DE PASTERNAK

Andrei Tarkovsky, se le acusa de un demandado personalista, alejado de las masas, en otras palabras de que su cine, era elitista, y de difícil comprensión para la mayoría, decir eso, es no conocer verdaderamente el cine de Tarkovsky, su cine no elitista, tan solo busca sensaciones del espectador ante las obras que realizaba, es decir sus películas eran sensitivas, más que intelectuales, para entender el cine de Tarkovsky, no era ser intelectual, sino una persona de gran sensibilidad, que era justo lo que buscaba, a través de sus imágenes, que golpeaban a nuestros ojos, por el impacto que provocaban.

En su cine no había nada que entender, tan solo de sentir, ser un unidad espectador-obra, mezclarse e interactuar uno con otro, Tarkovsky, en su Teoría cinematográfica esculpir el tiempo, mencionaba, que la materia prima, donde trabaja un cineasta es el tiempo, así como de un escultor el mármol, la sensación es inmediata con respecto a la obra, el cine juega con el tiempo, lo moldea, de acuerdo a lo que busca el artista, el cine atrapa el tiempo y lo usa, a su vez, para Tarkovsky, la imagen es el absoluto, es la materialización del pensamiento, estamos en otras palabras ante la dictadura de la imagen, ya que es lo es todo, el lenguaje forma parte de la imagen, ya que sin la imagen no es nada.

Chris Marker, a través de su documental, Un día en la vida de Andrei Arsenevitch,que forma parte de la colección cine de nuestro tiempo , esta rinde homenaje a uno de los grandes del cine, Andrei Tarkovsky, en donde parte una grabación sobre el rodaje del film El sacrificio, para contarnos sobre este artista que queria darle categoría de arte al cine, al igual que otras disciplinas artísticas, Marker hace un recorrido sobre el cine de Tarkovsky, desde sus inicios en la escuela de cine de Musco, hasta su ultima película, mostrándonos breves escenas de La infancia de Ivan, Andrei Rublev, Solaris, El espejo, Stalker, Nostagia, El Sacrificio, en donde nos va describiendo el cine del cineasta ruso, en las cuales trasmitía, sus aflicciones, obsesiones, amores, y sobre todo la concepción sobre la divinidad, que sutilmente a través de las imágenes o movimientos de cámara nos la mostraba.

Marker, en menos de una hora de documental, logra trasmitirnos, e introducirnos en el mundo de Tarkovsky, justamente a través de las imágenes, de pequeños pasajes de su cine, Marker hábilmente construye el relato del film, contándonos los últimos días de Andrei, con las obras de cinematográficas desde La infancia de Ivan hasta El Sacrificio, mostrándonos la forma como vivía y respiraba el cine, como en su lecho convalecencia por el cáncer, daba los últimos ajustes a su obra arte.

Es asi, que nos cuenta una anécdota que le sucedido a Tarkovsky, en una sesión espiritista, en donde se comunicó con el fantasma de Boris Pasternak, que le dijo: “ que sólo rodaría siete películas. "¿Sólo? ", preguntó Andrei. "Pero serán buenas", respondió¨, fue así, Tarkovsky tan sólo dirigió 7 películas, siendo estas obras maestras, por esa obsesión de perfeccionamiento, de no dejar nada a la azar, en donde él era el creador, se convertía cuando dirigía en una divinidad, que movía el tiempo y la naturaleza a su antojo, esculpía el tiempo y las imágenes, como muy pocos los han hecho.

Marker, es tal vez uno de los mejores documentalista en la actualidad, porque al igual que Tarkovsky, cree en la imagen como una religión, en donde la importancia del relato se encuentra en la imagen, ya que las historias se construyen a través de estas, no existe un antes ni un después, la imagen lo es todo, y yo me auto nombro en su seguidor de ambos.

KAOS (1984)

UN VIAJE A SICILIA

El cine muchas veces se ha ocupado de contarnos historias que tienen origen en antiguas leyendas o tradiciones de los pueblos, la presente nos cuenta cuatro historias y un epilogo, dirigido por los hermanos Paolo y Vittorio Taviani, esta tal vez de su obra más ambiciosa, para mi gusto, sus mejor película hasta la fecha, y la mismo tiempo poco conocida, esta conformada por 4 historias y un epilogo, que tiene como punto en común a Sicilia, cada historia abordara diferentes géneros, ya sea drama, comedia, misterio, la película es un homenaje al escritor de Luigi Pirandello, y al mismo tiempo de Sicilia.

La primera historia es El otro hijo, en el inicio se escucha a una mujer madura, dictar una carta, a una campesina que se dedica a escribir por otros, dicha carta es dirigida a sus hijos que se encuentran en los EE.UU, que les cuenta sobre la tristeza de no saber de ellos, y que espera que responda sus cartas, aquí nos presenta a una madre abandonada y desolada, sus hijos a que tanto cariño les dio la han abandonado, una realidad tan cruel y dura que no quiere aceptar, pero ella no está tan sola, tiene otro hijo, al que le produce una gran dolor verlo, forma parte de un pasible terrible, que quiere olvidar, ni perdonar, la locura se apoderado de la madre, la imagen del otro hijo constituye una tortura, entonces nos encontramos ante dos personas abandonas una madre olvidada por sus hijos que tanto ama, y un hijo que es repudiado por su madre, que la ama con una gran devoción, la forma en que se no cuenta la historia, con flashback, sobre el hecho que marcó a ambos personajes, es realizada con gran sutileza por los Taviani, no tratan de ser directos, tan sólo sugerir, las imágenes tienen más importancia que las palabras, en donde se trasmite el dolor y la pena, siendo un gran trabajo de los Taviani, presentando una historia tensa, que se desborda en sentimientos, y al mismo tiempo contenida, en donde las imágenes golpea incesante nuestros sentidos.

Mal de luna, la historia es sobre unos recién casados, que tienen un gran problema, es que el esposo, cada vez que hay luna llena, aulla y ladra como un perro, lo que producirá una gran incomodidad a la joven esposa, ya que su marido no cumplirá con sus deberes maritales, lo que originará que ella busque la manera de absolver las dudas sobre el sexo, se trata de una historia, sencilla, al modo de comedia, que no logra mantener un buen ritmo para este tipo de historias, lo perjudica a esta historia, al no producir el resultado esperado.

El tarro que al igual que la segunda historia, esta dentro del genero de la comedia, en donde nos cuenta la historia de un comerciante soberbio de aceite de oliva, que compra un gran tarro, que lo cuida como su gran joya, pero de la noche a la mañana el tarro, aparecerá roto, lo producirá la ira del comerciante, pero uno de sus trabajadores le da la solución, un alfarero que tiene una arcilla mágica que puede resconstruir el tarro, igual como estaba antes, es así que decide enviar por él, si bien consigue reparar el tarro, el alfarero queda atrapado dentro del tarro, debido a sus joroba, este molestara al comerciante, ya que si bien reparo el tarro, no puede utilizar el mismo, originando un cómico enfrentamiento entre el alfarero y el comerciante no dando sus brazo a torcer, las situaciones cómicas provienen de los diálogos y enfrentamientos entres ambos personajes, llevando la historia al delirio, con el triunfo final de uno de ellos, es uno de los capítulos más refrescantes de la película.

Requiem, la cuarta historia, unos campesinos piden al terrateniente un lugar para enterrar a sus muertos, se amontaran frente a la casa del dueño, sin que exista una respuesta afirmativa por este, siendo el retorno a sus casas una derrota, esta cuarta historia, no se le da importancia a los movimientos de los cuerpos ya sea en forma grupal o individual, es una danza que se mueve a ritmo fúnebre, mostrándonos con sus movimientos la derrota y resignación, siendo una muestra del talento de sus directores al contar esta historia, sin necesidad de palabras, tan sólo con los movimientos de los cuerpos y la música.

Epilogo- Conversiones con la madre, en esta última historia tenemos como protagonista al propio Pirandello, que retorna a su hogar en Sicilia, después de la muerte de sus madre, siendo ya un escritor famoso, se dirige a la casa de su madre, recorriendo los caminos que antes vimos en las anteriores historias, al llegar a la casa de su madre, esta aparece e inicia una conversión de su hijo, contándole una historia de cuando era niña, en un viaje de exilio que realizo con su familia, siendo un momento mágico, y hermoso del film,con imágenes que quedaran grabadas en la memoria de los espectadores.

LES BAS-FONDS (1936)

LA COMEDIA DE LA MISERIA HUMANA

Los bajos Fondos, adaptación de la obra homónima de Maximo Gorki, obra que ha sido adaptada en diversas oportunidades en el cine, la presente película es dirigida por el maestro Jean Renoir, director que realizó sus principales películas en el periodo anterior a la Nueva Ola, pero a diferencia de sus contemporáneos, su cine no era acartonado, ni academista, características que los iniciadores de la Nueva ola estaban en contra, siendo una de las razones por la cuales las películas Renoir fueron revaloradas, además de sus cualidades cinematográficas, con respecto a la dirección, y la forma aguda de retratar la realidad, y el humor que le imprime a sus filmes, aunque en ellos se toquen temas trágicos y dolorosos, por lo que Renoir, dosifica la comedia como un elemento importante, mostrándonos su gran talento en la manera de narrar sus historias.

La historia se inicia en un salón de Juegos de la burguesía francesa, en donde El Barón (Louis Jouvet) en juego de cartas lo pierde todo, abandonando el lugar con mucha calma, ese mismo día conocerá a Wasska Pepel (Jean Gabin, un ladrón de mala muerte, al cual le regalará objetos de su antigua casa, prefiriendo que se lo lleve él que algún acreedor, esto llevara a una confusión con la policía que es resuelta por El Barón, al ver Pepel que su nuevo amigo no tiene a donde ir le ofrece un acomodarlo en el lugar que esta ocupando, ya que tiene mucha influencia con la dueña de la pensión.

En la pensión estarán alojados diversos personajes, que vivirán en la miseria, además del matrimonio que alquila los cuartos conformada por Vasilisa Kostyleva y Kostilev, y Nastia la hermana de Vasilisa, en el que se realizara un enredo amoroso entre Vasilisa, Pepel y Nastia, ya que si bien Vaisilisa está casada, tiene un romance con Pepel, del cual está completamente enamorada, pero Pepel está enamorado de Nastia, a lo cual ella no lo rechaza del todo, siendo algo que percibe muy bien Pepel.

Ya habíamos mencionado sobre el cine Renoir, que el humor es un elemento recurrente en sus películas, aunque las historias toquen temas sobre la miseria, dolor y muerte, como la presente película, conjugando todos los elementos para imponer el ritmo, describiendo perfectamente a los personajes en unas cuantos pinceladas, El barón es ser cínico, aunque culto de bajos instintos capaz de hacer las peores maldades, con el simple afán de divertirse; Pepel, si bien es un ladrón, es una persona de buen corazón, aunque no lo quiera aceptar, siendo una de las razones del porque Nastia se siente atraída por él; Vasilisa es una mujer insatisfecha, que se caso simplemente por el dinero, busca el amor pero este le es esquivo, por lo que deja a relucir su amargura y envidia; Nastia es una muchacha noble, pero rebelde e inteligente, que gracias a su astucia sale bien librada de los contratiempos.

El film constituye en un gran trabajo de Renoir, en todos los aspectos como en el narrativo, de dirección, y los actores,juega muy bien los tiempos, con el ritmo que se imprime a la narración, diálogos ingeniosos, cabe destacar además la escena final que un claro homenaje a otro grande Charles Chaplin, de una de sus obras maestras Tiempos modernos, Renoir es un director referente para los viejos o nuevos directores, ahí la importancia de su cine.

QUE LA BÈTE MEURE (1969)

CHABROL Y EL CINE POLICIACO

La Nueva Ola francesa, tuvo como uno de sus integrantes a parte de los ya conocidos Truffaut y Godard, a Claude Chabrol, que se ha especializado hasta fecha con el cine policíaco o de crímenes, en donde con mirada cínica, presenta a la burguesía francesa en su faceta más frívola e infantil, en muchas ocasiones con resultados sobresalientes, como La mujer infiel, El carnicero, Gracias por el Chocolate, La ceremonia, Un asunto de mujeres, Al anochecer, y la presente película que nos ocupa hablar.

Que la bête meure, que en España lleva el título de Accidente sin Huella, en latinoamerica la traducción es más fiel al original, teniendo los siguientes títulos, La bestia debe morir o Que la bestia muera, la historia se centra en la venganza de Charles Thenier, un escritor que buscara al hombre o mujer, que en un accidente automovilistico mato a su hijo y huyo, constituyendo el único motivo para seguir viviendo, el vengarse del asesino, en donde ira descubriendo poco a poco más pistas sobre la identidad del asesino, ya que no sabe quien es, sólo sabe que tiene que morir.

Mientras va desentrañando el misterio sobre el accidente, nos va contando sus planes como acabar con el asesino, pero en su camino encontrará a Helene Lanson una actriz de cierta fama, que es cuñada del odioso Paul Decourt, con la cual tendrá una relación sentimental, pero es utilizada simplemente por Charles para llegar a Paúl, el principal sospechoso del crimen, al que conocerá a fondo su vida y su familia, siento una real repulsión hacia Paul por ser una persona despiadada y cruel con los que lo rodean, en donde la idea de matarlo adquiere más fuerza.

La película es fría y directa, el dolor del padre no se exterioriza pero se siente, su investigación, es un peregrinaje, un recorrido hacia la exhumación del dolor, sus palabras son constantes plegarias para dejar todo atrás y desistir de la búsqueda, pero no puede hay algo más fuerte que él, algo domina su voluntad, ya no existe el hombre, este se convirtió en un ser guiado por la venganza, para él no hay un antes ni un después, tan sólo su venganza, Chabrol consigue mediante una narración plagadas de miradas y rostros fríos, transmitirnos lo que siente cada uno de ellos,en donde la tensión se respira en todo el film.

Chabrol, nos regala mediante este título, uno de sus mejores películas, en donde la trama es simple, pero su director desmenuza a los personajes a su antojo, a los cuales nos presenta en su real desnudes, en donde no hay contemplaciones, siendo esta complejidad en los personajes que absorbe y penetra en nosotros, y que le da categoría de obra maestra al film.

LLUVIA NEGRA (1989)

HIROSHIMA, HIROSHIMA ¿DONDE ESTAS?

Shohei Imamura, director que realizo sus trabajos en el periodo clásico japones junto con Mizoguchi, Kurosawa, Naruse, Ozu, entre otros, extendiéndose hasta el 2002, su cine nos muestra los cambios de las costumbres japonesas, con la occidentalización, muchos de ellos son una denuncia sobre la sociedad, Imamura fue ganador dos veces de la palma de oro por el Remake La balada de Narayama (1983), y La anguila (1996), la primera es un relato sobre las costumbres de un pueblo que en la cual, tiene como tradición que los ancianos que cumplen 70 años tienen que ser abandonados en las montañas, en la segunda es sobre un ex convicto que asesino por celos a su esposa y al amante de esta, en ambas nos presenta un choque entre la tradición con las nuevas ideas, Imamura cuestiona las costumbres, a la sociedad, pero de manera silenciosa.

El inicio de ¨Lluvia negra¨ (Kuroi ame), es con la toma de toda la Isla Hiroshima en silencio, ubicándonos en el día del lanzamiento de la bomba atómica, las siguientes escenas, son de los pobladores que realizan sus tareas como cualquier día, pero después un breve momento, se inunda la oscuridad en la pantalla, acto seguido la destrucción y el caos, Hiroshima ya no existe, sólo quedan escombros, en donde los sobrevivientes, creen haber llegado al infierno.

Las primeras escenas son las más conmovedoras y arrebatadoras que haya visto en muchos años en una película, transmiten el desconcierto, la impotencia sobre una de las mayores tragedias que ha vivido no sólo Japón si no la humanidad, el uso del desenfoque en las primeras escenas de la explosión, dan una sensación de estar ante una pesadilla, la dirección y fotografía tiene un tono clásico, siendo un gran punto a favor de esta.

Después de la explosión se produce la Lluvia negra, hecho que le da titulo a la película, y que constituye el elemento más importante a largo del film, en la consecuencia que generó en los años con los sobrevivientes, siendo una de las personas expuestas a esta lluvia, Yasuko, la protagonista de la película, que habiendo quedado huérfana, es acogida por la familia de su Tío, el que la quiere como una hija, buscando que forme sus propia familia, pero esto no será una labor muy fácil, a pesar que Yasuko es una bella joven, pero existen cuestionamientos sobre su salud, que no hacen una buena candidata para el matrimonio.

Es así, que la historia, nos va trasladando a los días de la tragedia de Hiroshima, mostrándonos la locura del ser humano, su capacidad destructiva, que a veces parece que no tiene limites, nos cuenta los efectos que radiación,la convivencia, la intolerancia, el prejuicio,las víctimas, ya nada volvería ser igual, se podrá reconstruir la ciudad, los edificios, las calles, pero una vida destrozada no puede ser reconstruida, esto es lo que Imamura no narra, nos lo restrega en la cara, nos lo grita con el silencio, con ese estoicismo japones, los protagonistas cumplen con su deber de ser víctimas, que aceptan su destino.

Se trata de una de las mejores películas antibelicistas de los ochenta, sino la mejor, con una gran trabajo de dirección, una fotografía extraordinaria, una historia que atrapa y sacude al espectador de principio a fin, cuando el mensaje llega de una manera tan clara y dura, es difícil sentirse indiferente.

TUMMIEN PERHOSTEN KOTI (2008)

LAS ORUGAS NO NACEN EN INVIERNO

Tummien perhosten koti, la traducción sería algo así como El nacimiento de las mariposas negras, dirigida por Dome Karukoski, es la historia de un casa en donde se recluyen a chicos problemáticos conocida como ¨La isla¨, la casa estará a cargo del estricto Olavi Harjula, que impondrá sus reglas a los jóvenes, en dicha casa también habitaran los demás miembros de la familia de Olavi, su esposa Irene y sus dos hijas Vanamo y Orvokki.

Las escena del inicio ocurren en un día de lluvia, en donde se encuentran un matrimonio con su hijo, que hace preguntas, al no entender del todo lo que esta ocurriendo, al igual que publico, siendo la respuesta del padre más desconcertante aún, después somos trasladados a un bote en la que se encuentra el protagonista de nuestra historia, por lo que entendemos que las primeras escenas corresponden a los recuerdos de infancia de Juhani Johansson, que era ese niño que comprendía lo que pasaba, y que aún no llega a entender del todo sus recuerdos.


Se nos va contado los problemas de Juhani, de poder adaptarse con sus nuevas familias, su rebeldía ante la autoridad, por lo que Olavi llegara a la conclusión que el mejor lugar para poder enderezarlo sera La Isla, idea que no comparte Juhani, es así que comenzará su recorrido por esta casa, llegando a integrarse a una nueva familia.

La película nos narra la vida de Johani en La Isla y de sus demás habitantes, intercalándose los sueños y recuerdos de Juhani, en donde poco a poco se devalando el misterio oculto no sólo para los espectadores sino para el propio Juhani, recuerdos que lo atormentan desde su infancia, en donde la felicidad nunca estuvo presente en su vida, y se la hubo, no quedo el mayor recuerdo en él.


Juhani, comenzará un cortejo con la Vanamo, la mayor de las hijas de Olavi, pero que se vera entorpecido por el actuar erradico de Juhani, que se generan por una confusión, siendo una víctima de su mente torturada, alrededor de él se van desarrollando otras historias que se van entrelazando hasta llegar a un inevitable final violento.

La película, tiene una buena fotografía, en las cuales vemos los diferentes estaciones de ese país, las flores en todo su apogeo hasta un invierno gélido, la narración es pausada en la mayor parte siendo evidentemente un drama, dirigida con gran pulso, buena definición de los personajes, pero en los últimos minutos se produce un cambio radical, pasando de ser un drama a un Thriller, el problema no es el cambio de género, si no que las situaciones se tornan forzadas, para poder revelarnos el misterio, esto mella lo que se había logrado a lo largo de la película, pero aún así esta no pierde interés, siendo un título que vale la pena visionar.

THE PEOPLE AGAINST O´HARA (1951)

CUANDO SER INOCENTE NO ES SUFICIENTE

Mencionar a John Sturges es nombrar a un director importante en el mundo del cine, que constituye un referente sobretodo en el western, siendo el genero en el que más destaca, Escape From Fort Bravo; Conspiración del silencio; El sexto fugitivo;Duelos de titanes; El último tren de Gun Hill; y Los siete magníficos, son los títulos en este genero en el que destaco, pero también dirigió otros clásicos como La gran evasión y El viejo y el mar, la características de su estilo de dirección, poniendo en cada película su sello particular, siendo lo más representativos, su economía narrativa, las escenas trepidante de acción, diálogos concisos, personajes solitarios, han hecho que se considere a Sturger en como autor más que un artesano, aunque se trata de un tema que pueda entrar en discusión sobre en que categoría entraría el director, lo que no se puede discutir es en la calidad de sus películas.

The People Against O'Hara, entraría dentro de la películas del genero del cine negro,en donde James P. Curtayne (Spencer Tracy)un abogado famoso penalista, que tan sólo ve casos civiles en la actualidad, por la enorme presión que le genera ejercer en la vía penal, lo que lo llevo en su oportunidad al alcoholismo, encontrándose en recuperación, gracias a la ayuda de su hija Virginia 'Ginny' Curtayne (Diana Lynn), la que lo cuidara, pero esta tranquilidad se ve alterada por unos padres que quieren que represente a su hijo Johnny O'Hara, que es acusado de homicidio, el en primer momento le dice se mostrara renuente a tomar este caso, al igual que su hija, debido a su problema, pero a la continua presión y al darse cuenta que es el único abogado que verdaderamente lo puede ayudar, decidirá tomar el caso.

El caso de Johnny es complicado, todo esta en su contra, no tiene coartada, existen pruebas que lo implican como el autor del crimen, aunque Curtayne cree en la inocencia de su patrocinado no tiene ninguna para desvirtuar las acusaciones de homicidio por parte del brillante Fiscal, además de sentirse que tal vez su tiempo como gran abogado ya paso, es por tal motivo que recurrirá a a pagar un testigo para que declare a su favor, perjudicando aun más la situación de su defendido y la suya, por lo que tomara la decisión de iniciar su propia investigación y revelar el misterio que O´hara se resiste hacerlo, en donde todo hace presumir que la mafia está implicada

Sturges va introduciéndonos en la historia, trataron de desentrañar el complicado marañado del caso, despertando el interés más y más conforme avanza la historia, además de imprimirle una narrativa fluida, teniendo otro punto destacable la actuación de Tracy, esta altura de sus grandes performances, en donde sobresale, mostrándonos un hombre que lucha constante contra la adversidad y consigo mismo, que hará todo lo posible para que se haga justicia, aun yendo en contra de ley, la película nos habla de la justicia, del deber de un abogado con su cliente en brindarle la mejor defensa, que a veces nos lleva a sacrificios que uno nunca se imaginaria, de un hombre que siente acabado, pero que le espera una segunda oportunidad, la película es una escusa para ver los inicios del cine Sturges y otra gran actuación de Tracy.

LE CHEMIN DES ÉSCOLIERS (1959)

EL OPORTUNISMO EN TIEMPO DE GUERRA

La ocupación nazi en Francia ha sido llevada al cine en diversas oportunidades, algunas con muy buena fortuna, donde las más sobresalientes son; Esta tierra es mía de Jean Renoir, El condenado a muerte ha escapado de Robert Bresson, La travesía de Paris de Claude Autant-Lara y; Adiós, muchachos de Louis Malle; en la primera mencionada Charles Laughton interpreta a profesor cobarde que si bien como casi todos los franceses se opone la ocupación, su cobardía le impide involucrarse; en el segundo caso la película de Bresson, nos cuenta la historia de un joven de la resistencia que cree firmemente en luchar en contra del ejercito alemán y liberar a su país; la tercera en un tono de comedia Jean Gabin es un pintor que decide ayudar a un comerciante a transportar carne en el toque de queda; en cuanto a la última Malle nos conmueve con la historia de dos amigos que están en un internado en la época de la ocupación alemana.

En la mayoría de estas películas se tiene como tema central el heroísmo, la lucha en contra un enemigo en común, en este caso en particular el ejercito alemán, siendo el más claro ejemplo de esto la película Renoir (Esta tierra es mía), bueno también se debe ver que fue rodada en 1943, es decir en plena ocupación alemana, pudiendo ser tachada de ser un film netamente propagandístico, pero esto no quita la buena factura de la misma.

Entre las películas antes mencionadas, la que guarda más relación con el presente a film a comentar es La travesía de Paris, porque en ambas no nos cuenta actos heroicos, ni personajes que se oponen a la ocupación nazi en Paris, solo se muestra a personajes que quieren sobrevivir, en Le chemin des écoliers, Alain Delon es Antoine Michaud, un estudiante del colegio que no le interesa asistir a la escuela sólo busca diversión, y ganar dinero en el mercado negro de Paris, además de pasar el tiempo con la hermosa Yvette (Francoise Arnoul), para lo cual Antoine engañará a sus padres, sobretodo a su padre Charles que es un empresario honesto, que jamás se atrevería a ayudar al ejercito ocupasionistas a ayudar o sacar provecho de la guerra, el engaño consistirá en supuestamente realizar un viaje a la casa de campo de un amigo, siendo descubierto, para lo cual elaborará otra mentira al hacerlos creer que el engaño se debió a que es miembro de la resistencia parisiense y no quería que se enteraran de su participación en dicho grupo, ante esto los padres de Antoine se sentirán orgullosos de él.

Es así, que Antoine seguirá saliendo sin que sus padres se opongan, creyendo que su hijo es un héroe, a lo que llevará a cómicas situaciones, como la escena del restaurante donde asisten miembros del ejercito alemán y los colaboracionistas, en donde todo se torna una situación inmanejable para el pobre el Antoine y sus compañeros para no ser descubiertos de sus mentira y que son simplemente unos traficantes de mercancía.

Si bien la película parece tomar con ligereza el tema de la ocupación alemana, no es así del todo ya que los que nos cuenta es acerca la responsabilidad, la madurez, la familia, cuando no queremos aceptar que las cosas no a volver a ser como antes, y que los niños dejaron de serlo hace mucho tiempo, aunque traten de llevar una vida dentro de su cotidianidad, la guerra siempre está presente, y que las cosas ya no pueden a volver a ser iguales, es una buena comedia sin pretensiones, que logra entretener del todo.

THANKS FOR EVERYTHING (1938)

EL HOMBRE PROMEDIO

Dirigida por William A. Seiter, y protagonizada por Jack Haley, el recordado hombre de hojalata en la entrañable película El Mago de Oz, en esta oportunidad no canta ni baila, cuando toca la Tuba en la banda de su pueblo, interpreta a un personaje común y corriente, que le suceden cosas extraordinarias.

La película tiene un inicio similar a Navidades en Junio de Preston Sturges, en donde una pareja de enamorados escuchan un programa de radio, en el cual premiaran al hombre típico norteamericano, donde todos los participantes contestaron 100 preguntas sobre sus preferencias, por lo que Henry Smith (Jack Haley) el puntaje más alto, logrando aceptar en el 100% de las preferencias del norteamericano promedio, ante este hecho inusual el dueño de la empresa auspisiadora del concurso, que se encarga de evaluar los índices de preferencias de los norteamericanos, por lo que, se le ocurrirá la idea de utilizar el talento de Smith, al tener el gusto de lo que prefiere el consumidor promedio, por lo que decide contratarlo, pero buscando la forma de que no cobre el premio, para seguir siendo un norteamericano típico, produciendo una gran decepción para el protagonista, ya que pensaba que con el premio podía casarse con su novia Madge Raines (Arleen Whelan).

Para que el plan salga la perfección, el asistente del dueño de la empresa, lo seguirá por todas partes anotando los gustos de Smith, siendo un éxito para la empresa, que acierta en el gusto de los norteamericanos al 100%, pero las cosas se complican cuando el gobierno norteamericano contrata a la empresa para saber cual seria la reacción de los norteamericanos ante una posible guerra en Europa, estamos hablando de los albores de la segunda Guerra Mundial.

Trataran de buscar, la reacción natural de Smith ante el estallido de una guerra en Europa, produciendo situaciones jocosas, en el algunos casos llegan hacer proféticas algunos engaños en contra de nuestro hombre promedio, la película se va desarrollando de manera de dinámica en un poco más de una hora de duración, tal vez el gran problema de esta, se la elección del protagonista, no es que tenga algo contra Jack Haley, si bien su rostro es para la comedia, su actuación es practicamente como de un mimo, quedando fuera de lugar, sobretodo cuando comparte las escenas con Arleen Whelan, la química entre ambos es inexistente, pero aun así es un film, como ya dije de gran dinámica, y con escenas hilarantes, que logra entretener.

EL HOMBRE QUE RÍE (1928)

ENTRE EL CINE MUDO Y EL SONORO

Con la llegada del cine sonoro que fue con la película ¨El cantor de Jazz¨ en el año 1927, el paso al sino sonoro fue paulatino, no fue de improviso, en donde se siguieron haciendo películas mudas como ... y el mundo marcha de King Vidor, El hombre de la mascara de hierro con Douglas Fairbacks y, con mayor reticencia en dejar el cine mudo Chaplin con Tiempos Modernos, Luces de la ciudad, pero si bien son consideras como películas mudas, también eran películas sonoras, tal vez algunas pensaran que se trata de una contradicción, estos films conservaban los códigos del cine mudo, como la velocidad en que se mueven la cintas, los tan recordados carteles con los textos de la película, pero en cuanto a la música aquí, se marco la diferencia con las películas mudas puras, donde ya no era necesario que para su proyección el uso en los teatros del acompañamiento de pianos, estas constituyen una transición entre el cine mudo al sonoro.

The man who laughs, forma parte de estas películas de transición, ya que contiene una banda sonora y efectos de sonido, siendo una película muda sonora, dirigida por Paul Leni, director alemán que lamentablemente murió dejandonos cinco nada mas películas vislumbrando su gran talento en cada una de ellas, Brian de Palma le rindió tributo en su fallido Thriller La dalia negra, en donde no sólo se introducen algunas escenas del film sino que esta es la clave de la investigación policial.

La historia tiene su origen en la época de Inglaterra del Siglo XVII, en donde los enemigos del Rey Jaime II, eran eliminados por la cruel ¨Dama de hierro¨, uno de los enemigos del Rey, era Lord Clancharlie, que no sólo padeció el sufrimiento por la ¨Dama de hierro¨, sino también conociendo que su hijo Gwynplaine, ha sido desfigurado y entregado a los ¨comprachicos¨para que trabaje en un circo, la escena del barco que zarpa en la nieve es impresionante que contiene una gran belleza, y seguida por los muertos de la horca, transmiten la desolación y soledad del desafortunado Gwynplaine, que camina sin rumbo con una niña recién nacida, que la encontró en los brazos de su madre muerta, ambos son acogidos por Ursus, que los tratara como sus hijos, la niña se llamara Dea, que es ciega, y que sera el amor de Gwynplaine un amor que es correspondido.

La película transcurre entre las tribulaciones del protagonista de no sentirse merecedor del amor de Dea, por la deformidad en su rostro que padece, considerándose en payaso, en un fenómeno de circo, con las intrigas de la corte de la corte inglesa, de que querer reponerlo nuevamente como noble, con el único fin de que se case con una noble lasciva Josiana, para que esta no pierda su rango.

El director filma en planos fijos, utilizando en breves escenas travelling cortos, en algunos utiliza un picado descendiente, para transmitir el vértigo al espectador, teniendo escenas muy bien conseguidas a parte de las ya mencionadas en la primera parte del film, como la escena en que el mensajero mira por la cerradura como Josiana toma sus baño, siendo una imagen muy sugerente y erótica, por lo que se puede apreciar que Leni tenia un gran talento para concebir las escenas, para trasmitir a través de las imágenes las sensaciones de los personajes, además de tener un adecuado uso de luz y sombras, y una excelente recreación de una Inglaterra del siglo XVII.

El hombre que ríe, es una película inolvidable que nos presenta a un personaje entrañable y conmovedor, que puede ser tomado como un referente del Hombre Elefante de Lynch, un hombre que lucha por su libertad y sobretodo por su humanidad, y no ser simplemente visto como un fenómeno, se trata de una de las mejores películas de la historia, siendo altamente recomendable su visionado.

EL CAUDILLO PARDO (2005)

ESTE DOCUMENTAL NO ES STANDART

Hace unos cuando años pasaba por una calle de Miraflores, en donde vi a hombre que anda en una bicicleta con un lema en su espalda que decía ¨Falta de hembras importemos¨, sabia de quien se trataba de Jorge Pohorylec, una persona muy singular peruano tanto en sus como en la forma de exponerlas, pero lo más peculiar de este hecho es que detrás de él lo estaba persiguiendo con gran vehemencia un fotógrafo, lo que produjo que esboce una sonrisa burlona ante tal escena.

Documental, filmado en blanco y negro por Aldo Salvini, en los que nos narra la historia de Jorge Pohorylec un hombre de 61 años, de origen Austro Húngaro, Judío, que pertenece al partido nacional socialista peruano (nazismo), un hombre que para el resto de los mortales, podría estar lleno de contradiccion en ser un admirador de Hitler siendo judío, pero el entiende que la verdadera doctrina del nazismo busca el bien común, es decir el bien del Estado, que el antisemitismo no es el verdadero nazismo, esto seria una mala interpretación de su doctrina.

A lo largo del documental Pohirylec, va exponiendo sus ideas que algunas tienen una gran coherencia con la realidad actual, él sabe muy que es visto como un loco, pero también sabe que no esta dentro del sistema que el tanto critica, si su parece un continuo caos, es un caos buscado por él, señalando que la posesión, el consumismo convierte a una persona en esclavo del sistema, y prefiere mantenerse libre, puro y excluido del mundo, para no verse contaminado.

El documental no sólo nos cuenta los pensamientos y teorías de este personaje tan peculiar, que pregona sus mensaje en parques, plazas, calles, sino nos muestra el lado humano de este hombre sobre sus amores, la familia, recordando con gran nostalgia y sentimiento lo vivido antes de ser el ¨Caudillo Pardo¨, hay momentos conmovedores, como la escena en que lee el mensaje pegado en la pared para su hijo.

Es así que la cámara va siguiendo al protagonista de nuestra historia, convirtiéndose en un prolongado monologo, a veces interrumpido por algunas preguntas del director, preguntas que nos hacemos los expectores, una primera impresión al ver este film, y a su vez tener un total desconocimiento del personaje, se podría pensar que se trata de un falso documental, donde hay un personaje de ficción extravagante, pero esto no es así, ese personaje existe, al igual que sus penurias, desazones, soledad y peligros que sufre, como la escena con otros simpatizantes del nazismo, en donde podemos ver el rostro de preocupación al darse cuenta que es vigilado por ellos, siendo un documental en donde se confluye el drama, comedia y la tension.

Salvini, logra presentar a este personaje con un gran oficio, acompañada con la música preferida de Pohirylec, y con las fotos en donde mostraba que era un hombre feliz de familia, el documental es divido por capítulos en los cuales expondrá sus teorías acerca del Estado, el nazismo, la familia, el sexo y las mujeres, aunque puede ser chocante el uso de la luz en algunas escenas, en donde la luz no es filtrada adecuadamente al momento de la edición, pero no quita el gran merito que tiene el documental, que está excelente bien narrado y con un personaje antológico e inolvidable.

STAR DUST (1940)

SU NOMBRE ERA LINDA DARNELL

Protagonizada por una muy joven Linda Darnell, cuando contaba apenas con 17 años, actriz que tuvo una corta carrera en Hollywood, pero participando en títulos estimables como La pasión de los fuertes de Ford; en la que da vida a la compañera de Doc. Holliday; en Carta para tres esposas de Joseph L. Mankiewicz, hace el papel de una sufrida de esposa que tiene la incertidumbre de saber si su esposo la abandonado; ¿Ángel o diablo? de Otto Preminger, interpretando el papel de una mujer fatal; Sucedió mañana de Réne Clair, todas películas en las cuales se muestran a plenitud el talento de Darnell, decepcionada del sistema de hollywood, abandona la actuación, pocos años después perdería la vida en trágico accidente a la edad de 41 años.

La historia se puede decir que tiene un cierto parecido con lo ocurrido por la propia Darnell, la cual fue descubierta por un cazador de talentos que recorrían el país, en la que la adolescente Carolyne Sayres, sueña con convertirse en una actriz de hollywood, por utilizará todos los medios para lograrlo, teniendo la ayuda del cazador de talentos Thomas Brooke, que junto con otros dos aspirantes de estrellas buscaran conseguir sus sueños, la parte musical estará a cargo de Mary Healy, con dos muy buenas canciones una de ellas la que da el titulo a la película.

El film entraría dentro del genero de la comedia dramática, utilizando la formula que tenia la Fox, por esos años, al realizar sus comedias, que era el incluir uno que otro numero musical, siendo las estrellas en esos tiempos cantantes como Alice Faye y el legendario Al Jolson, la historia es contada sin que se llegue a escenas totalmente exageradas para lograr la risas de público, ya que la película va rondando entre el drama salpicaba con alguna escena cómica, como las frases impertinentes del recepcionista del hotel, y los tortazos que se da John Payne, contada en un buen ritmo, buenas actuaciones, siendo una muestra del gran talento que tenia de Linda Darnell aun siendo una adolescente, logrando elevar la calidad de la película.

La protagonista tendrá que realizar un fuerte lucha en contra de los celos, no sólo de otras actrices que se siente amenazadas, sino por los representantes que quieren llevarse el crédito de descubrir un nuevo talento, se trata de una película rescatable que vale la pena descubrirla.

TRUMBO (2007)

EL HOMBRE QUE NO SE RINDIÓ

La década de los 50 para los EEUU, fue una de las épocas más negras de su historia, con el surgimiento del macartismo, que tuvo como fin la eliminación del comunismo en ese país, lo criticable no era el fin de la causa, sino los métodos utilizados que fueron la persecución, hostigamiento, marginación, limitación de sus derechos, considerándolos unos parias para la sociedad, esto llegó a todos lo niveles y sobre al Hollywood, donde investigaban, acusaban, extorsionaban para que delaten a otros compañeros, y ser liberados de los cargos y poder trabajar sin problema en el cine, pero existeron 10 hombres que transaron, no delataron a nadie, no se auto inculparon, teniendo como consecuencia la marginación en la industria.

El documental, cuenta la historia de uno de estos 10 hombres, conocidos como los 10 de Hollywood, que se negaron a testificar en el Comite de Practicas Antinorteamericanas, los cuales le dieron dignidad a la industria del cine, Dalton Trumbo, prefirió padecer la persecución de la cacería de brujas de McCarty, mendigando, teniendo empleos como empaquetador, carnicero a delatar a alguien de ser sospechoso de pertenecer al partido comunista, Trumbo fue uno de los mejores guionistas de la epoca dorada de Hollywood, participando en los guiones de Espartaco, Vacaciones en Roma, Exodo, El niño y el toro, Johnny Cogió su fusil.

La historia nos es contada mediante las entrevistas realizadas a Trumbo, a sus amigos y familiares, con el ingrediente principal de las lecturas de las cartas que escribió en el transcurso de los años cincuenta que fueron dirigidas a su esposa, hijos, amigos, y algún otro ¨conspirador¨ como a él le gusta decir, las cuales son leídas, de manera intercalada por actores reconocimos y de gran talento como Joan Allen, Michael Douglas, Paul Giamatti, Liam Neeson, Donald Sutherland, entre otros, a los cuales los une la admiración que sienten por este hombre.

La película tiene el atractivo, aparte de conocer la historia de injusticia que sufrió en carne propia Trumbo y su familia, el de la lectura de las cartas escritas por él, dando una cierta cuota de originalidad, conociéndolo auna más, en manera de pensar, sentir, y la forma como se expresaba, siendo muchas veces sarcástico y tomando con humor lo que le sucedía, en el algunos utilizando el cinismo, y la mismo tiempo conmovedor como la carta dirigida al director del colegio de su hija, que llega a emocionar, además de lo bien interpretadas por los actores, que logrando trasmitir el sentir de su autor en cada una de sus lineas.


El documental no es una simple narración de hechos, es el acercamiento de una historia, que sucedida en una época de locura e intolerancia, nos muestra al hombre en los profundos de sus pensamientos y sentimientos, en sus horas más tristes, que sacrifico una vida de tranquilidad y comodidad, para no traicionar a sus ideales, Trumbo fue un verdadero patriota , ya que él no podía aceptar que su país incentivara la cobardía y la deslealtad, y que llegarían tiempos mejores, es por tales razones es que estamos ante un documental hecho con gran calidad, que rinde honor a un personaje muy importante para el cine y la libertad de expresión.